Benet Casablancas Domingo .:.

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Benet
Casablancas Domingo

Benet, Casablancas Domingo

136O salutaris Hostia

Glossa for Organ (2024) 4’

Formación : Instrumento Solista

Estreno : WORLD PREMIERE 'O salutaris Hostia'
Cattedrale di San Giuseppe, Bucarest (Romania): Domenica, 02 giugno 2024

Josep Solé Coll
Primo organista della Basilica Papale di San Pietro in Vaticano. Organista per le Celebrazioni Liturgiche del Sommo Pontefice

Comentarios : https://josepsolecoll.weebly.com/concertistica.html
https://www.bucharestorganfest.ro/concerte/josep-sole-coll

Muestra de Partitura : (3274 kb.) descargar

Muestra de Texto : (88 kb.) descargar

135Tríptic del Marquet

– en memòria de Josep-Ramon Bach – (2024) 6’

Formación : Coro mixto

Muestra de Partitura : (77 kb.) descargar

Muestra de Texto : (91 kb.) descargar

134Estampes de Kwaidan

Encargo del CNDM del Inaem (2023) 13’

Formación : Trio con piano

Estreno : Ensemble Moonwinds, dir. Joan Enric Lluna
Auditorio 400 del Museo Nacional Reina Sofía, Madrid, 22 de mayo 2023

Comentarios : COMENTARIOS

Las “Estampas de Kwaidan“ (2023) responden a un encargo del CNDM con motivo de la residencia del autor en la Temporada del Inaem 2022-23.
Escritas para la formación en trio de clarinete, violonchelo y piano, y con una duración aproximada de 13 minutos, su estreno, a cargo del Ensemble Moonwinds, que dirige Joan Enric Lluna, tuvo lugar en el Auditorio 400 del Museo Nacional Reina Sofía de Madrid el 22 de mayo de 2023.

La obra consta de cuatro movimientos lejanamente inspirados en los correspondientes relatos de raíz popular recogidos por Lafcadio Hearn en el libro del mismo título, comúnmente conocidos como cuentos de terror o -más propiamente- de fantasmas, seres que adquieren una singular relevancia en las leyendas populares niponas. Los títulos de los movimientos, que quieren ser evocadores antes que estrictamente programáticos - son los siguientes:

I. Reconciliación (Lento e mesto – sùb. Più mosso – Molto Lento)

II. Yuki-Onna (La mujer de nieve) (Lento e lontano – sùb. Più mosso - Statico)

III. En una taza de té (Calmo. Liberamente e rubato. Con moto)

IV. Sobre un espejo y una campana (Lento – Quasi senza tempo)
(In memoriam Jordi Roca; 29-XII-2022)

Muestra de Partitura : (3223 kb.) descargar

133Sis Haikus

per a clarinet sol (2023) 3’ 45”

Formación : Instrumento Solista

Comentarios : Dedicada a Joan Enric Lluna

132‘In memoriam Gemma Romanyà’

(Aforismes, IV) (2023) 2’ 15”

Formación : Quinteto con piano

Comentarios : Arreglo de la pieza pianística “Aforisme“ (2018) para Violín, Trompeta, Percusión, Piano y Contrabajo, para el Programa Educativo ONE Conecta - Adoptar 3.0: Benet Casablancas. Proyecto “HAIKU“ de la Orquesta Nacional de España

131Ann Street

Autor: Ch. Ives (arreglo de Benet Casablancas) (2023) 1’

Formación : Quinteto con piano

Comentarios : Arreglo de la canción de Charles Ives “An Street“ para Violín, Trompeta, Percusión, Piano y Contrabajo, para el Programa Educativo ONE Conecta - Adoptar 3.0: Benet Casablancas. Proyecto “HAIKU“ de la Orquesta Nacional de España

130 Al jorn del judici

(El Cant de la Sibil.la) (2023) 3’ 45”

Formación : Coro mixto

Estreno : Cor de Cambra Francesc Valls, dirigit per Pere Lluís Biosca
Catedral de Barcelona, 24 de desembre de 2023

Comentarios : Obra d“encàrrec del Cor de Cambra Francesc Valls

“Cada año el repertorio de la breve ceremonia se renueva con un encargo coral de la denominada “respuesta“ a un reconocido compositor actual, en la presente ocasión a Benet Casablancas, sin duda alguna uno de los más importantes de nuestro rico panorama. Su pieza coral clausuró la representación, una obra que cierra y deja entrever -en su brevedad- las esencias, la riqueza y sensibilidad del autor. A pesar de la dificultad de opinar contando únicamente con un par de audiciones y las dificultades que ofrece la interpretación, brillan la sutil configuración y trabajo de las voces en un resultado de marcada belleza. Fue un placer escuchar ahora en Barcelona su trabajo, del que no pudimos participar en el reciente estreno en Madrid de su Concierto para violín, lamentando que no esté presente más a menudo en nuestros atriles.

Jorge de Persia (La Vanguardia, 26/XII/2023)

129Tres Haikus para pequeño ensemble

para violín, trompeta, percusión y contrabajo (2023) 2’ 30”

Formación : Cuarteto

Estreno : Solistas de la ONE, Madrid, Auditorio Nacional, 23 de mayo de 2023

Jesús Campo (piano), Alejandra Navarro (violín), Laura Asensio (contrabajo), Vicente Martínez (trompeta) y Joan Castelló (percusión); dir. Rogelio Igualada

VIDEO: https://www.youtube.com/watch?v=8kBU08mZ-hg

Comentarios : TRES HAIKUS
- para violín, trompeta, percusión y contrabajo -

I. Nit (Lento e misterioso)
II. Coral (Tranquillo, poco ampio)
III. Fira (Con spirito, mosso assai)

Adoptar 3.0: Proyecto “HAIKU“ - Área Socioeducativa de la OCNE

La Orquesta y Coro Nacionales de España presenta las creaciones musicales FANFARRIA, HAIKU y NATURA SONORA que han sido compuestas, dentro del proyecto colaborativo Adoptar 3.0 de nuestra Área Socioeducativa, por alumnos y profesores de 11 colegios e institutos españoles junto a intérpretes de la OCNE.

+ INFO HAIKUS: https://sites.google.com/view/adoptar-haiku/

Este proyecto ha sido una invitación al conocimiento y la experimentación en el aula de la mano de uno de los creadores más sólidos y apasionantes de la actualidad, Benet Casablancas, compositor de una amplia mirada creativa con referencias a la literatura, la pintura, la poesía, el cine o los haikus japoneses.

En este proyecto han participado los centros IES Federico Mayor Zaragoza, Sevilla; CEIP Santísimo Cristo de la Misericordia, Numancia de la Sagra (Toledo); e IES Gregorio Prieto, Valdepeñas (Ciudad Real); y nuestros músicos Jesús Campo (piano), Alejandra Navarro (violín), Laura Asensio (contrabajo), Vicente Martínez (trompeta) y Joan Castelló (percusión).

===> https://sites.google.com/view/adoptar-haiku/

Podéis encontrar todos los proyectos de esta edición de Adoptar 3.0 en nuestra página web: https://ocne.mcu.es/ASE/adoptar-un-mu...

128Memorial Arraona

(2022) 4’ 30”

Formación : Instrumento Solista

Estreno : Yukiko Akagi, piano

20 April 2022
19:30
Sabadell, Saló noble del Teatre Principal de Sabadell

L’expansió de l’haiku en totes les expressions de l’art amb Joaquim Sala-Sanahuja, Benet Casablancas i Yukiko Akagi, que estrenarà el Memorial Arraona, escrit a la memòria de 5 homenots de Sabadell: Josep-Ramon Bach (poeta i dramaturg), Alfons Borrell (pintor), Josep Maria Benaul (historiador), Pere Casas (compositor) i Jordi Roca (pintor i dissenyador).

- #firasakurasbd #sabadellcapitalitatcultural -

Comentarios : Memorial Arraona

I. Comiat (Haiku per a Josep-Ramon Bach)
II. Notes esparses (Haiku per a Josep Maria Benaul)
III. Blau Mar (In memoriam Alfons Borrell)
IV. Casiana (Haiku per a Pere Casas)
V. Sobre un mirall i una campana (in memoriam Jordi Roca)

http://www.elpuntavui.cat/opinio/article/2145235-memorial-arraona.html?ItemId=2791

Muestra de Partitura : (85 kb.) descargar

127Concierto para violín

The door in the wall (H. G. Wells) (2022) 28’

Formación : Orquesta sinfónica y solista

Editorial : Wise Music Classical

Estreno : Auditorio Nacional de Madrid, 17 de marzo 2023

Leticia Moreno, violín
Orquesta Nacional de España, dir. David Afkham

https://www.youtube.com/watch?v=sbiN3iQoivQ

Comentarios : El Concierto para violín (2021-2022) es un encargo de la Orquesta Nacional de España y del Centro Nacional de Difusión Musical. El subtítulo de la obra -The Door in the Wall- remite a un cuento de H. G. Wells (1906)

El Concierto para violín constituye la cuarta aportación del autor al género concertante, y la primera de ellas en formato sinfónico.

La obra comprende los siguientes movimientos que conforman un arco simétrico alrededor de las tres secciones centrales y que se suceden sin solución de continuidad:

I. Intrada
II. Allegro capriccioso
III. Notturno. Canto
IV. Finale – Con moto, poco scherzando
V. Epilogo. Stretta

En palabras de Ramón Puchades: “Demiurgo vehicular, el instrumento solista genera el movimiento y es a la vez «hilo conductor», soporte y resonancia de un diálogo orquestal que alterna partes solistas y encuentros instrumentales con clímax en los que la orquesta da rienda suelta a su plenitud expresiva, dando así lugar a un tejido
diferencial y dinámico, si bien en todo momento supeditado al espíritu prístino e incólume de la música de cámara, elemento imprescindible en la trayectoria vital de Casablancas.

A modo de coda: un pequeño interludio melódico «no premeditado», con la anotación
«Como una canción popular infantil ucraniana», apuntado por el violín, se esconde en el Finale, justo en el punto de la partitura en el que Casablancas se encontraba trabajando el día que estalló la guerra en Ucrania. Según el autor, no es más que una reminiscencia soñada, un pequeño homenaje a las víctimas inocentes que genera cualquier contienda bélica y en particular la que se está librando en el país hermano de Europa Oriental.“

+ INFO:
https://news.wisemusic.com/view.html?x=a62e&m=ht&mc=r&s=NNA&u=e&z=wxZJBmW&

RESEÑAS CRITICAS

“La fuerza expresiva de la forma“. por Tomás Marco (Scherzo, marzo 2023)

Hay muchos compositores y teóricos que piensan que la verdadera fuerza expresiva de la música estriba en su capacidad para estructurarse como entidad formal significativa, haciendo que la materia sonora, abstracta en sí, transmita sensaciones personalmente interpretables. Pues bien, el concierto de este fin de semana de la Orquesta Nacional reúne dos obras muy distintas en cuanto a planteamientos sonoros, aunque ambas insertas en ese pensamiento.

Se estrenaba, como encargo de la ONE y del CNDM, el Concierto para violín y orquesta de Benet Casablancas (1956) sin duda uno de los mayores compositores catalanes del momento. Y se programaba con la Sinfonía n.6 en La mayor de Anton Bruckner. Nada que ver entre sí, aparentemente, pero sí mucho si se las toma como ejemplo de música formal de gran capacidad comunicativa gracias al principio de la modulacion. Modulación armónica, claro, y basada en su praxis como organista, la de Bruckner, mientras que Casablancas ejemplifica una modulación continua del timbre, la dinámica y el tiempo. Su concierto está en la línea de los grandes concertantes con violín de la última centuria, de Bartók a Ligeti. Básicamente, se trata de una estructura tripartita precedida por una Intrada y sucedida por un Epilogo. Hay un continuo modular de timbres en los que solista y orquesta llegan a las combinaciones más alambicadas, y en donde el extremo virtuosismo no reside tanto en la dificultad de las notas como en el variado encaje de todas las partes en un torbellino continuo donde el violín apenas tiene respiro (aunque tampoco la orquesta se limita, ni mucho menos, a un plácido acompañamiento).

Leticia Moreno ha sido siempre una magnífica violinista, de sonido grande y hermoso, técnica impecable y óptima capacidad expresiva, pero ahora ha alcanzado una impresionante madurez que la convierte no solo en una gran ejecutante, sino en una honda intérprete. Moreno vivió y explicó el concierto, mientras que el maestro Afkham se entregó en un montaje que sin duda subirá grados en siguientes interpretaciones, pero que ya en esta primera interpretación hizo llegar al público en buenas condiciones una obra que es sólida y muestra a las claras el talento real de su autor.
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“La alquimia de Leticia Moreno y David Afkham realzan la música de Casablancas y Bruckner en el Palacio de la Ópera“ (Bachtrack, Pablo Sánchez Quinteiro, 30 marzo 2023)

The Door in the Wall (H. G. Wells), el nuevo concierto para violín de Casablancas suscitaba especial interés, pues ha supuesto la primera inmersión en el género de uno de los compositores españoles más sólido y universal de las últimas décadas. Obra extremadamente exigente, contó con una solista de excepción, quien demostró una absoluta interiorización de la partitura; lo cual fue especialmente evidente en los momentos más azarosos que la noche le depararía. Como es habitual en Casablancas, escritura orgánica, construida sobre entreveradas texturas que aprovechan al máximo las posibilidades expresivas de todas las secciones de la orquesta. Y no menos importante que la abrumadora técnica orquestal, es la capacidad sin par de Casablancas para contactar con el oyente receptivo, creando emociones y palpitaciones continuas. Estas convirtieron el concierto en un apasionante viaje musical.

Los dos primeros cataclísmicos clímax de la obra que anteceden al Notturno, fueron perfectamente realizados por Afkham y la ONE, pero no resultó menos impactante el lirismo onírico del hermosísimo movimiento lento, rebosante de sonoridades fascinantes, y en el que la voz de la solista se convierte en protagonista de un ensoñador relato de las mil y unas noches. Su voz encuentra respuesta en las difuminadas y envolventes melodías de las cuerdas y las maderas, creando un sensual contexto que fue interrumpido de forma absolutamente sobrecogedora por un desgarrador acorde de la cuerda grave. Éste da paso a un nuevo explosivo tutti, inicio del Finale y magníficamente construido por los músicos de la ONE. Tras la amplia y única cadencia de la obra, justo antes de encarar el apoteósico último climax de la partitura, el azar y las exigencias de la obra quisieron que a la solista se le rompiese una cuerda. Vuelos de instrumentos entre los primeros atriles para reemplazar primero el violín y luego la almohada de la solista, durante los cuales Moreno canturreaba en voz alta sus notas para no perder el hilo del discurso musical. Fue un momento atípico, uno más en una obra repleta de emociones.
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“De la mano de Wells“ (Arturo Reverter. Beckmesser, marzo 2023)

Había evidente interés en conocer el último fruto salido del magín creativo de Benet Casablancas (Sabadell, 1956), uno de los principales compositores españoles de su generación. Su música, firmemente arraigada en la gran tradición modernista, destaca por su gran individualidad, complejidad estructural y extraordinaria riqueza de detalles texturales. “La armonía se ilumina, la paleta tímbrica se diversifica, y en general, los registros expresivos son mucho más contrastados y sensuales que en otros períodos de mi trayectoria”, afirma el creador.

Este “Concierto para violín” es una muestra más de las calidades compositivas del músico. El instrumento solista, como bien dice en sus notas Ramón Puchades, oboe de la Orquesta, “genera el movimiento y es a la vez hilo conductor, soporte y resonancia de un diálogo orquestal que alterna partes solistas y encuentros instrumentales con clímax en los que la orquesta da rienda suelta a su plenitud expresiva”. Casablancas emplea como soporte y fuente de inspiración un relato de H. G. Wells, “The Door in the Wall”, que hace referencia a una misteriosa puerta de un indescriptible jardín encantado. Divide la partitura en tres movimientos, “Allegro capriccioso”, «Notturno. Canto” y “Finale”, con una “Intrada” y un “Epílogo”. En el “Finale” se recurre a una canción popular ucraniana en alusión a la trágica guerra que asola el país.

El violín espejea de principio a fin y lleva la voz cantante en un alarde constante de efectos de todo tipo: dobles cuerdas, ataques fulgurantes, “spicatti”, caracoleos agilísimos, saltos arriba y abajo en un sin parar que va delineando el camino a seguir por una orquesta copiosa con hasta cinco instrumentistas de percusión, una celesta y un piano. El discurso, atonal, en apariencia, ora agitado, ora tranquilo, nos trae a la memoria el “Concierto” de Berg, aunque este se construye de manera más bien dodecafónica.

Casablancas emplea todo tipo de instrumentos con buen tino y levanta un tejido tímbrico especialmente refinado, que titila con mil luces arropando a la solista, que mostró temple, afinación, virtuosismo de altos vuelos, balanceándose elegantemente en todo tipo de figuras, de giros, de ataques fúlgidos, de endiabladas agilidades. Seguimos muy interesados los diálogos con las maderas, las cantilenas en el sobreagudo, los pasajes extáticos, los momentos en los que la violencia se hace notar, los hermosos glisandi, los instantes en los que asoma un flujo aparentemente melódico, las llamadas de los metales. Todo acaba con un chisporroteo del violín protagonista.

Obra difícil defendida valientemente por una muy concentrada Moreno, que tuvo adecuado soporte en la bien trabajada Nacional, atenta a las indicaciones de Afkham.
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“Leticia Moreno y David Afkham estrenan el “Concierto para violín“ de Benet Casablancas, con la Orquesta Nacional de España“, por Alejandro Martínez (Platea Magazine, marzo 2023)

Entre los programas de la presente temporada de la Orquesta Nacional de España destacaba con luz propia el importante encargo de un nuevo Concierto para violín a cargo del barcelonés Benet Casablancas, autor de reputación contrastada y genuino intelectual, como un amplio catálogo de escritos. Encargado en colaboración con el CNDM, este nuevo concierto es, ante todo, música muy bien escrita, en referencia a su arquitectura interna y especialmente a su orquestación. Diría que no es música demasiado vanguardista, apenas experimental. En realidad, la música de Benet Casablancas no lo ha sido nunca, por lo general ajeno a corrientes, tendencias y modas. En líneas generales, y así es en este concierto, en su música hay un acervo reconocible que entronca con grandes autores del siglo XX, de Berg a Ligeti pasando por Bartók, entre otras muchas referencias.

Me llevé la impresión, diría que positiva, de que este concierto para violín bien podría ser obra de un autor centroeuropeo y bien podría haberse firmado algunas décadas atrás. Me refiero al hecho de que Casablancas renuncia a epatar con sonoridades rebuscadas, forzando las costuras de la orquesta. Muy al contrario, se “limita“ a hacer música, en un sentido tan tradicional como contemporáneo. Y quizá ese sea el mayor hallazgo de la pieza: es posible componer en 2023 sin necesidad de acudir a la última ocurrencia, a la enésima vuelta de tuerca.

Inspirado en un texto de H. G. Wells titulado The Door in the Wall, este concierto es la primera obra concertística de gran formato que Casablancas ha abordado en su trayectoria, sin duda su proyecto de más enjundia desde el estreno en el Liceu de su ópera L´enigma di Lea. La referencia al texto de Wells podría decirse que es meramente poética, casi elíptica, pues apenas da forma a la estructura interna de la pieza, que sin embargo guarda un aspecto bastante conservador, en tres movimientos. Además, como broche a la pieza, aunque a decir verdad no sea muy reconocible, Casablancas propone un Finale dedicado a las víctimas de la guerra en Ucrania, a partir de un interludio melódico que compuso cuando estalló la contienda.

Realmente solvente la ejecución del concierto por parte de la violinista Leticia Moreno, concentradísima, segura, comprometida. Realmente se diría que siente la obra como propia. No se puede esperar más de un intérprete ante un estreno de estas características: solvencia técnica intachable y compromiso absoluto con la pieza, viviendo y comunicando con auténtico denuedo.

Muestra de Audio : (?? kb.) descargar

Muestra de Partitura : (90 kb.) descargar

126Haiku per a la Virgínia

(2022) 22”

Formación : Instrumento Solista

Comentarios : Haiku para violonchelo solo

125Pluie oblique. Épigrammes Pessoëns (String quartet no. 6)

(2021) 11’

Formación : Cuarteto de cuerda

Editorial : Wise Music Classical

Estreno : 22 de octubre de 2022
Quatuor Diotima
Auditori de Girona, 20hs.

Co-Encargo de L'Auditori de Girona y el Palau de la Música de Barcelona

Comentarios : Pluie oblique. Épigrammes Pessoëns
(Quatuor à cordes nº 6)

Il coupe ce paysage, mon rêve d’un port infini
Et la couleur des fleurs est transparente aux voiles des
grands navires

Et la musique s’élève, triste et languide…

Elle me rappelle mon enfance, ce jour
Où je jouais près du mur d’un jardin

Constituye la presente la sexta y –hasta el momento- última contribución del autor al género tan querido del cuarteto de cuerda, que ha jalonado desde los inicios su aventura creativa. Escrita en 2021, la presente obra es el fruto de un Co-Encargo del Auditori de Girona y del Palau de la Música de Barcelona (con el apoyo del ICUB del Ayuntamiento de Barcelona, en el marco del proyecto Barcelona Creació Sonora 2021), y está dedicada al Quatuor Diotima, artífice de su estreno.

Con una duración aproximada de diez minutos, La obra comprende cuatro movimientos: I. Nocturne – Molto tranquillo. Statico; II. Con passione; III. Lentissimo - Poco Lento – Plainte; IV. Spiritoso (Trés rhytmique et légère). El autor regresa así a la forma epigramática, contraponiendo tempi, texturas, articulaciones y atmosferas expresivas muy contrastadas, donde pasajes de carácter contemplativo serán puntuados por brotes de conspicua intensidad dramática. Se alternan así el recogimiento del nocturno y la fluidez de los perpetuum mobiles, la energía impulsiva y los acentos scherzandi de la escritura motívica con texturas muy rarificadas no exentas de una repentina virulencia. Los dos últimos epigramas se suceden sin solución de continuidad, contraponiendo los afectos extremos del lamento a la brillante vivacidad del final, de sonoridades casi orquestales, cuya culminación dejará paso a una conclusión de signo extático y suspensivo, recuperando el clima de misterio que abría la obra, hasta desvanecerse en el silencio.

El título procede de un poema de Fernando Pessoa como tributo de admiración del autor al genio proteico del gran escritor luso.

https://www.wisemusicclassical.com/work/61700/String-quartet-no-6--Benet-Casablancas/

CRÍTICA

Els Diotima estrenen el captivador ‘Quartet per a cordes núm. 6’ de Casablancas
per Lluís Trullén

El Petit Palau va acollir la interpretació del Quartet per a cordes núm. 6, “Pluie Oblique: Épigrammes Pessoëns” de Benet Casablancas, obra estrenada dos dies abans a l’Auditori de Girona. Dedicada al Quartet Diotima, va ser escrita l’any 2021 arran de l’encàrrec rebut de l’Auditori de Girona i del Palau de la Música de Barcelona, emmarcat en el projecte Barcelona Creació Sonora 2021 de l’Ajuntament de Barcelona. Compost com a homenatge al poeta Fernando Pessoa, en el decurs dels deu minuts de durada de la composició Casablancas desplega una infinitat de recursos expressius i tècnics que confegeixen una obra magnètica, sorprenent i d’atmosferes captivadores. Un quartet com el Diotima s’erigia com un interlocutor idoni per pouar en l’essència d’una obra exigent en les vessants tècniques i expressives.

El Quartet núm. 6 s’inicia amb un “Nocturn” que aprofundeix en els pianissimi subtils, en atmosferes contemplatives, en espais eteris, com a contraposició a les textures dramàtiques que avançaran dins un relat carregat d’intensitat vehement. Recursos a manera de pizzicati, glissandi o els sforzando brollaran d’una manera natural en un relat que posseeix una intensa fortalesa dramàtica. El subtil “Lentissimo” apareix amb la concisió d’un epigrama; un recurs breu i intens, una breu pinzellada que Casablancas ja ha emprat en altres composicions (a tall d’exemple, els Tres epigrames cervantinos). Un lament profund, refinat, extàtic, que ens conduirà a un “Spiritoso” abrupte, turbulent i incisiu que ens obrirà les portes a la serenitat de l’episodi final, un retorn a l’atmosfera plàcida del tema inicial. És una obra de tremenda complexitat expressiva amb la qual el Quartet Diotima va expressar, amb clarividència absoluta, diàlegs equilibrats i proporcionats exposats amb una claredat de discurs que només està a l’abast de conjunts plenament assentats.

L’estrena de Casablancas va ser seguida per una meravellosa interpretació de l’oníric Quartet en Fa de Ravel. Música captivadora, d’atmosferes bellíssimes, que ens va arribar amb una versió que pouava en la placidesa i nitidesa sonores i dibuixant musicalment cadascun dels moviments amb una sensibilitat només possible en conjunts tan compenetrats com el Diotima. Refinament aprofundit en el seu lirisme encaminant-se cap a un final d’una força agitada colpidora.

El concert es va cloure amb el Quartet núm. 3 de Casablancas, obra que incideix en les polirítmies dins una escriptura avantguardista i contrastant en les dinàmiques. Els Diotima van tractar amb subtilesa el “Lento assai” i el “Molto lento” final, amb uns pianissimi cristal·lins, i atenent per igual la força que emana en el colpidor “Con moto”. Obra basada en el poema de W. B. Yeats: “L’intel·lecte de l’home està obligat a escollir: perfecció de la vida o de l’obra”.

Va ser un concert en el qual vam fruir d’unes interpretacions exemplars d’unes obres complexes en l’essència del seu missatge.

http://www.revistamusical.cat/critica/els-diotima-estrenen-el-captivador-quartet-per-a-cordes-num-6-de-casablancas/

Muestra de Partitura : (579 kb.) descargar

124Canti ed Estasi di Lea

Suite de la ópera 'L'enigma di Lea' (2021) 16:’ 30”

Formación : Orquesta sinfónica y solista

Editorial : Wise Music Classical

Estreno : WORLD PREMIERE: 29 and 30th January 2022 - L'Auditori de Barcelona

Allison Cook, soprano, Barcelona Symphony Orchestra, cond. Lina González-Granados

https://auditoridigital.cat/es/handprogram/scheherezade/

Comentarios : CANTI ED ESTASI DI LEA
(Suite de l’òpera L’enigma di Lea)
Per a soprano i orquestra simfònica
Text: Rafael Argullol

“Canti ed Estasi di Lea” para soprano y orquesta (suite de la ópera L"Enigma di Lea) recoge y elabora sinfónicamente algunos de los materiales y ambientes expresivos más característicos de la ópera del propio autor L’enigma di Lea, estrenada en el Gran Teatre del Liceu el 9 de febrero de 2019, e incorpora algunas de las intervenciones más relevantes de la protagonista, Lea, papel confiado en una soprano lírica. Formalmente, y con una duración aproximada de 16 minutos, "Canti ed Estasi di Lea" adopta una disposición en arco y está integrada por tres grandes secciones: introducción orquestal; entrada, aria principal y danza de Lea; y escena de amor, ballet (epílogo orquestal).

La introducción tiene la función de preparar al oyente evocando algunos de los climas expresivos de la ópera, elaborando libremente algunos de sus motivos y materiales musicales, desplegando un rico tejido orquestal, con pequeñas secciones muy contrastadas –desde el inicio expectante y de amplias sonoridades hasta momentos de gran vivacidad rítmica y agitación–, y con una importante participación de las maderas solistas. Gradualmente, el discurso deja paso a una textura más reposada y sostenida para introducir la entrada de Lea, que se avecina desde su intemporal lejanía, y su aria, que comienza con el carácter inocente y a la vez fantasioso de una canción popular, deviene progresivamente más intensa y apasionada. Sigue un epílogo orquestal basado en la música de ballet de la tercera parte de la ópera, una página sinfónica hipnótica de signo extático y contemplativo que subraya elíptica y subliminalmente la escena de amor que funde finalmente Lea y Ram en un solo ser para alcanzar la plenitud.

PROGRAMA DE MANO: LA ELOCUENCIA DE LA MÚSICA

Convertido en un drama escénico a partir de la colaboración entre Benet Casablancas y Rafael Argullol, L’enigma di Lea es un cuento mítico y un canto a la libertad de contenido simbólico. Tras ser violada por Dios y haber contemplado la inmortalidad, Lea inicia un viaje errático e iniciático, deambulando por el espacio y el tiempo y vigilada para evitar que revele “el gran secreto“: el mundo se protege de su propia existencia, considerada una provocación. Por eso, en la instintiva Lea convergen todos los caminos de la obra hasta coincidir con Ram, el sonámbulo que ha renunciado a los sentidos, una personificación de la razón ciega. El último corazón de la ópera personifica el espíritu mezquino y cobarde que define nuestra época; en definitiva, los valores que combate la obra, de aquellos que renuncian a la libertad: “Nosotros, espectadores, reímos y lloramos con las funciones del doctor Schicksal (…) porque nos tranquiliza que los hombres sean marionetas en un guiñol fantasmal”. Esta suite para soprano y orquesta, Cante ed Estasi di Lea, nos permite disfrutar de los aspectos más apreciados desde que se estrenó en 2019 en el Gran Teatre del Liceu: en primer lugar, el rol dramático de Lea, un personaje herido en el que la escritura deposita grandes dosis de lirismo, y, en segundo lugar y no menos importante, la riqueza inagotable de una escritura meticulosa para orquesta con un gran abanico de recursos, que la convierte en un dispositivo tan nutrido como preciso en materia tímbrica y armónica. Es la fluidez retórica del tejido orquestal la que nos traslada al espacio mítico en el que se desarrolla la ópera. Por último, el gran cuidado por la forma se pone al servicio de este au-delá de la música en vinculación íntima con la razón romántica. Una traducción musical de lo invisible que, como escribe Casablancas en su reciente libro Paisajes del romanticismo musical, debe estar dotada de coherencia e inteligibilidad para que la música (emoción y conocimiento, placer y expresión) se revele en “nuestro ánimo sobrecogido por el silencio elocuente”.

Diego Civilotti (Programa de mano de la OBC)

CRÍTICA

“Compositor y orquesta“ (Jorge de Persia, La Vanguardia, 2 de febrero 2022)

Pocas ocasiones hay para diseccionar con claridad los
ingredientes que conformaban este concierto de la OBC. En
primer lugar celebrar que regrese al escenario el sinfonismo de
Benet Casablancas. Su suite “Canti ed Estasi di Lea“ que ahora
conocemos, de su reciente ópera “L’Enigma di Lea“, es
sencillamente brillante, un trabajo alentador, sin alardes
escolásticos de vanguardia, con una eficaz trama dramática,
luminosidad en la instrumentación que responde a un dinámico
juego de contrastes del argumento, unidad conceptual, en
síntesis –en manos de una excelente soprano como Allison
Cook- yo hablaría de actual rotundidad straussiana.

Aquí sí la joven directora se empleó profesionalmente
respetando la dignidad de la obra.

123Quadern de Haikus

Notas de un Dietario (2021) 9’

Formación : Quinteto con piano

Estreno : SCORING: flauta, clarinete, violín, violonchelo y piano.

ESTRENO MUNDIAL: Plural Ensemble, dir. Fabián Ensemble; Sevilla, Festival Encuentros Sonoros 2021-2022, Espacio Turina. Sala Silvio

Comentarios : Encargo del Plural Ensemble de Madrid.

La realización del presente proyecto contó con el apoyo del ICUB y del Ayuntamiento de Barcelona, siendo distinguido con una Beca PREMI BARCELONA 2021

COMMENTS

The “Quadern de Haikus“ (Notes from a Diary) (2021), scored for five players and conceived as a personal diary, responds to the impulses aroused and sensations experienced during such strange and difficult times lived throughout the past pandemic and confinement. The successive miniatures are inspired by the formal conciseness and essentiality of the poetic form of haiku, aspiring to capture the brilliance of the moment with the expressive immediacy and internalized spontaneity of Japanese poetry and calligraphy. The “Quadern“ includes nine movements. Several of them are dedicated to friends -musicians, poets, painters-, often resorting to the acrostic, and their character is very contrasting: there are festive ones -tributes, anniversary greetings-, some are true lamentos, and others are stylized evocations of states of mood and landscapes.

Muestra de Partitura : (1604 kb.) descargar

Muestra de Texto : (84 kb.) descargar

122Quadern de Haikus (Tercera Col.lecció)

for piano (2020) 2’ 45”

Formación : Instrumento Solista

Estreno :

Comentarios : - A Víctor García de Gomar -

I. Haiku for The London Sinfonietta
II. Haiku (Poco Allegretto)
III. Llum de Búger. Haiku per a Antoni Caimari
IV. 60 Félicitations! Haiku per a François Bou

per a piano

121Widmung

Cuarteto de cuerda num. 4 (2017) 11’ 30”

Formación : Cuarteto de cuerda

Editorial : UME / The Music Sales Group

Estreno : 24 Mayo 2018

Auditorio Nacional de Música, Madrid
Cuarteto Casals - The Beethoven Cycle

Comentarios : Widmung (Quartet de corda núm. 4)

El presente cuarteto fue escrito durante los meses de invierno de 2016/17 por encargo del Quartet Casals, con el patrocinio del CNDM de Madrid. Su título (Widmung: dedicatoria) quiere subrayar el hecho de que este nuevo cuarteto (quinta incursión del autor en el género) está dedicado a mis queridos y admirados amigos del Cuarteto Casals. El título emplea el alemán porque la obra fue concebida para ser estrenada en el marco de la integral de los cuartetos de Beethoven que el Casals programó en gira internacional durante la temporada 2017-2018. Contrariamente a lo que podría parecer, no abundan las obras musicales con este título; el hecho de que una de las más distinguidas sea la pequeña joya de Schumann (el lied que abre el ciclo Myrten) añade una segunda motivación -de carácter íntimo y subliminal- para la elección del título. La obra, de unos doce minutos de duración y escrita en un solo movimiento, incluye diversas reminiscencias y alusiones -no propiamente citas- al Andante con moto, ma non troppo del Cuarteto Op.130, y más concretamente al misterioso motivo de blanca que lo abre y cuyas sucesivas incidencias -detenciones repentinas, armonización siempre cambiante y evolutiva- articulan todo el movimiento y dan origen a los pasajes más visionarios del mismo. Widmung se adscribe a una disposición ternaria, presidida por una introduccion lenta y sellada por una stretta conclusiva que colapsa y se extingue sobre la nota sib, la misma que abre el Op.130, escrito en esta tonalidad. El curso de la obra da lugar a marcados contrastes entre las secciones contemplativas, líricas, estáticas y suspensivas -a modo de estancamientos- y las de tempo más animado, juguetonas y ocasionalmente festivas, y próximas al carácter poco scherzoso que presidía también el Andante con moto del Op.130, contrastando asimismo las texturas homofónicas, muy elaboradas tímbricamente, con desarrollos de gran densidad polifónica y origen de poderosos procesos climáticos. El motto beethoveniano será evocado en numerosos puntos de Widmung como un gran homenaje y clin-l´oeil al Op.130 (como lo serán también más sutilmente otros rasgos igualmente característicos de dicho Opus -perpetuum mobiles, ostinati, pequeñas sorpresas, pizzicatti, unísonos generales- que el oyente deberá descubrir), alcanzando una particular relevancia en momentos cruciales de la obra, a modo de nodos o claves de bóveda de la misma, integrándose siempre dicha dialéctica en el idioma personal del autor, sin merma de la continuidad y fluidez discursiva.

Muestra de Audio : (?? kb.) descargar

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Muestra de Texto : (68 kb.) descargar

120L´Enigma di Lea

Opera en tres partes y quince escenas (2016-2018) 1:53:’

Formación : Ópera

Editorial : UME - The Wise Music Classic

Estreno : Gran Teatre del Liceu de Barcelona
9 de Febrero de 2019

Dedicada a Maneleta Domingo, Maria Lourdes Antràs i Virgínia Casablancas

Comentarios : “L´enigma di Lea“ es una historia de amor, dolor y pasión

“... es un canto a la capacidad del hombre para trascender su condición humana y sus limitaciones, un reflejo de ese impulso por “rozar el absoluto“, para emplear los términos utilizados por los románticos alemanes.“

https://www.wisemusicclassical.com/work/47614/LEnigma-di-Lea--Benet-Casablancas/

Entrevista con el autor: http://www.elcultural.es/noticias/BUENOS_DIAS/2838/Benet_Casablancas

* VIDEO TRAILER:

-- https://www.youtube.com/watch?v=mdPY95zGSjI [Naxos]
-- https://www.youtube.com/watch?v=Lbd9hN48r6Y [Liceu 1]
-- https://www.youtube.com/watch?v=ghqJF3C-x7M [Liceu 2]
-- https://www.youtube.com/watch?v=KlvUNCFqX7U [Liceu 3: The Music of Benet Casablancas]

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Muestra de Partitura : (584 kb.) descargar

Muestra de Texto : (6611 kb.) descargar

119Dos Páginas para Granados

Homenaje a Enric Granados (2016) 10’

Formación : Instrumento Solista

Editorial : Wise Music Classical

Estreno : Véase detalles en OBRAS:

* Rêverie
* Capriccio

Comentarios : Dos Páginas para Granados (2015-2016)

El presente díptico, escrito a petición de los pianistas Iván Martín y Alba Ventura para conmemorar el centenario del compositor Enric Granados, contrapone dos piezas de carácter muy contrastante. La primera, Rêverie, es un nocturno de amplias resonancias que se despliega en un clima recogido y expectante, presidido por una expresión lírica y contemplativa, turbado por eclosiones más apasionadas. Su curso cantabile y preciosista esconde veladas referencias al universo poético y pianístico de Granados, incluyendo una recóndita alusión al anagrama musical de su nombre, lo que confiere una especial luminosidad a su material armónico. El Capriccio que sigue hace honor a su nombre con una escritura más vigorosa y virtuosa, de acentos rítmicos lúdicos y coloristas, que deriva en su parte central hacia el registro extático y onírico que presidía la Rêverie, para concluir con una brillante stretta (ambas piezas son coetáneas de la Romanza sin palabras, para grupo de cámara, que fué estrenada en Nueva York por el Perspectives Ensemble, dir. Á. Gil-Ordóñez, con motivo de los actos de celebración del “Año Granados“ en The City University of New York).

118Rêverie

Una pàgina per Granados (2016) 4:’ 30”

Formación : Instrumento Solista

Editorial : UME/The Music Sales Group

Estreno : 14 de Abril de 2016
Alba Ventura, piano
L´Auditori de Barcelona

Comentarios : Encargo de Alba Ventura en el marco del concierto “Celebrant Granados“ organizado con motivo de la conmemoración del Centenario de Enric Granados.

Rêverie
-Una Pàgina per Granados-

La present obra fou escrita durant els mesos de desembre 2015 i gener 2016 per encàrrec de la pianista Alba Ventura, a qui l´obra és dedicada -amb estima i admiració-, amb motiu del concert que tindrà lloc el 14 d´abril de 2016 a L´Auditori de Barcelona per commemorar el centenari d´Enric Granados.
El carácter general de la peça respón al seu títol, essent concebuda com un nocturn d´àmplies ressonàncies, que es desplega en un clima recollit i expectant, i el curs del qual és presidit per una expressió lírica i contemplativa, sacsejat només puntualment per eclosions apassionades, que contrasten amb el registre extàtic i oníric d´altres seccions. El seu curs cantabile i sovint preciosista amaga velades referències a l´univers poètic i pianístic del mestre lleidatà, així com una recòndita alusió a l´anagrama musical del seu nom (integrat per les notes Do-Mi (EnriC) y Sol-La-Re-Mib (GrAnaDoS)), motiu que confereix una especial lluminositat a bona part del seu material harmònic.
Aquesta no és la única obra que l´autor ha escrit en homenatge a Granados: L´any 1991 li dedicava el segon dels seus quatre trios (Impromptu), i aquest mateix 2016 estrenarà el Capriccio, també per a piano sol, i la Romança sense paraules, per a grup de càmara, encàrrec de la Foundation for Iberian Music (The City University of New York), que estrenarà el Perspectives Ensemble NY dins els actes de celebració de l´“Any Granados“ a la ciutat nord-americana.

http://www.ibercamera.es/es/temporada/2015-2016/ciclo-camara/alba-ventura-celebrando-granados

117Epigramas Cervantinos

(2016) 4:’ 50”

Formación : Instrumento Solista

Editorial : UME-The Music Sales Group

Estreno : Marta Espinós, piano
Madrid, 22 de Abril de 2016

Sala de Lectura de la Biblioteca Nacional de España

Comentarios : La presente obra responde a la admiración del autor por la obra de Miguel de Cervantes y a su complicidad con la pianista Marta Espinós, artista cabal y a quien la misma está dedicada, con destino a un programa de concierto incluído en los eventos conmemorativos del IV Centenario de la muerte del ilustre escritor. Terminadas en febrero de 2016, las piezas que integran este tríptico evocan algunos de los tipos y caracteres expresivos que reconocemos en el legado prodigioso de Cervantes -del Quijote a las deliciosas Novelas Ejemplares-, recorriendo una amplia gama de emociones que abrazan desde el registro burlesco hasta páginas de naturaleza melancólica y contemplativa, pasando por pasajes más impulsivos y otros de conspícua vivacidad rítmica; la profunda carga de humanidad que desprenden dichos textos se traduce en un tratamiento pianístico muy contrastado y colorístico, por momentos brillante y no exento de virtuosismo.

Es ésta la segunda obra que el autor escribe como homenaje a Cervantes, siendo la anterior Melancolías y desabrimientos, para contrabajo y piano (2005). Con la presente obra el autor añade una nueva obra a su colección de epigramas, escritos a lo largo del tiempo, y que corroboran, junto a colecciones similares de aforismos y haikus, el cultivo de los referentes literarios y la predilección por la concisión y esencialidad formal de la miniatura.

GRABACIÓN: http://martaespinos.com/presentacion-del-cd-estremada-armonia-en-madrid/

Muestra de Audio : (1119 kb.) descargar

Muestra de Partitura : (254 kb.) descargar

116Romanza sin palabras

Homage to Granados (2016) 10’ 30”

Formación : Grupo Instrumental

Editorial : UME / The Music Sales Group

Estreno : 10 MAR 2016

The Graduate Center, University of New York
Perspectives Ensemble
Angel Gil-Ordóñez, conductor

Comentarios : Scoring: 1110/0000/hp.pf/str(2.0.1.1.0)

Comments: See attached doc.

VIDEO (WP): https://www.youtube.com/watch?v=6I0gTPN5KVo

Muestra de Partitura : (1001 kb.) descargar

Muestra de Texto : (72 kb.) descargar

115Set Haikus per a sextet

(2015) 7’ 30”

Formación : Grupo Instrumental

Editorial : UME - The Music Sales Group

Estreno : 21 de Mayo de 2015
Barcelona 216, dir. Francesc Prats
Barcelona, L´Auditori

Comentarios : Inspiradas en la concisión y esencialidad de la forma poética japonesa, estas piezas -como antes la colección de epigramas para diversas formaciones- han permitido al autor contraponer a las obras de proporciones más grandes y ambiciosas formalmente un medio discursivo más concentrado que permite al mismo tiempo capturar la idea inicial y exponerla con la inmediatez, continuidad e intensidad expresiva de aquello que se escribe casi de un solo trazo -como el gesto de una pincelada- contenido en un espacio temporal breve y acotado. Sin que esto reste significación a las piezas resultantes, de carácter muy contrastado y adscritas a registros diversos -algunas son tranquilas, lúdicas, líricas, rítmicas, brillantes o festivas-, pero también encontramos otras de signo más enérgico, dramático o luctuoso, como es el caso -muy particularmente- del sexto Haiku, In memoriam Maria del Carme Casablancas.

Muestra de Partitura : (470 kb.) descargar

114Una Pàgina per a Chopin

-Preludi a un preludi- (2015) 1’ 45”

Formación : Instrumento Solista

Editorial : UME - The Music Sales Group

Estreno : 30 de Agosto 2015
Bartomeu Jaume, piano
Valldemossa (Mallorca)

Comentarios : Encargo del Festival Chopin de Valldemossa (Mallorca)

Muestra de Texto : (28 kb.) descargar

113Albumblatt für Arriaga

Trio Núm. 4 (2015) 7’ 20”

Formación : Trio

Editorial : UME / The Music Sales Group

Estreno : Trio Arriaga

Palau de la Música Catalana de Barcelona
Sala de Cámara, 5 de noviembre de 2015

Comentarios : “Albumblätt für Arriaga“ (Trio núm. 4), encargo del Trio Arriaga y con una duración aproximada de 7:30 minutos, constituye la cuarta aportación del autor a la formación clásica de violín, violonchelo y piano, por la que siente una especial estima. La obra fue escrita en homenaje al compositor vasco Juan Crisóstomo Arriaga, y a la vez como muestra de gratitud y admiración por el Trio Arriaga, a cuyos miembros la obra está dedicada; doble motivación que se refleja en el título de la obra. Su curso está presidido por un carácter marcadamente lírico que convive con pasajes llenos de energía, vivacidad rítmica y dramatismo. La introducción y el epílogo de la obra se basan en un motivo musical derivado del nombre del compositor basco (Ju-A-n C-r-I-S-ostomo A-rr-I-A-G-A), integrado por las notas La, Do, Mi, Mib, La, Mi, La, Sol, La, a modo de acróstico musical, y de cuya naturaleza deriva en buena medida el material armónico y temático de toda la obra. El estreno del presente Trio tuvo lugar el 5 de noviembre de 2015 en la Sala de Cámara del Palau de la Música Catalana de Barcelona.

CRÍTICAS

L“estrena de Casablancas

Un altre dels al·licients era l“estrena mundial del Trio Albumblatt für Arriaga del sabadellenc Benet Casablancas, dedicat a la formació. Potència i expansió sonora amb contrastos expressionistes -menys radicals que en obres anteriors- eren encapçalats pel violí explorant sovint el registre agut. Casablancas l“empra com agent motor en l“oposició d“estats anímics en una obra d“uns set minuts de duració closa amb un temps lent subtil. La percepció -insuficient, parcial- en una sola audició m“atansava a un domini de la combinació de moments de gran tensió i obscuritat amb altres de lirisme i major claredat en un estadi compartit per composicions cambrístiques dels darrers anys. L“eficàcia tècnica i idiomàtica dels Arriaga van ser clau (Albert Ferrer Flamarich, Diari de Sabadell)

“Després va arribar l’estrena mundial de Casablancas, Albumblätt für Arriaga, un homenatge al compositor basc Juan Crisóstomo Arriaga (1806-1826) i, a la vegada, dedicada al Trio Arriaga, compost per Felipe Rodríguez al violí, David Apellániz al violoncel i amb Daniel Ligorio al piano. L’obra comença amb uns sons aguts i suaus, com un sospir, per després agafar més dramatisme, amb moments de tensió que arriben a un punt culminant molt interessant. Cal remarcar l’esforç de Casablancas per fer una obra plena de lirisme, un lirisme “de nova creació”, amb dissonàncies punyents però ben preparades, que fins i tot són agradables a l’oïda que no excloïen citacions textuals del compositor basc. Una obra ben bastida i sòlida.“ (Aina Vega Rofes. Barcelona, Núvol)

“L’obra de Casablancas era un encàrrec del mateix trio. Homenatge a la figura de Juan Crisóstomo de Arriaga, mostra l’alt nivell compositiu al qual ha arribat el compositor català. (...) És innegable el profund coneixement de les estructures i dinàmiques internes de la composició. Aquest Trio Albumblat für Arriaga, de marcat caràcter líric, és una d’aquestes composicions d’una construcció mil·limètrica i perfeccionista, molt exigent en l’àmbit interpretatiu.“ (Milena Rodríguez, Revista Musical Catalana)

Muestra de Partitura : (84 kb.) descargar

Muestra de Texto : (450 kb.) descargar

112Capriccio

Una página para Granados (2015) 4:’

Formación : Instrumento Solista

Editorial : UME/The Music Sales Group

Estreno : 20 de enero de 2016
Iván Martín, piano
Palau de la Música de Barcelona

Comentarios :
Encargo de Iván Martín con motivo de la celebración del Año Enric Granados

111Shade and Darkness

-Larguetto para cuerdas a partir de Turner- (2014) 12:30’

Formación : Orquesta de cuerda

Editorial : UME/Music Sales Group

Estreno : 24 de junio de 2014, 20hs.
Madrid, Auditorio Nacional de Música

Joven Orquesta Nacional de España (JONDE), bajo la dirección de Günter Pichler.

El presente concierto se inscribe en la celebración del 30 aniversario de la Joven Orquesta Nacional de España.

La JONDE bajo la dirección del austriaco Günter Pichler, violinista y fundador del prestigioso Cuarteto Alban Berg, estrenará una obra del compositor catalán Benet Casablancas, reciente Premio Nacional de Música 2013, junto a obras de Béla Bartók y Arnold Schoenberg.

Se trata de un encargo del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) y del Festival de Granada, cuyo estreno tendrá lugar el 24 de junio en Madrid (Auditorio Nacional de Música), y al día siguiente se escuchará en Granada (Patio de los Mármoles del Hospital Real).

Comentarios : -La noche anterior al diluvio-

“El matiz es en Turner, ante todo, una hermosa ayuda para conseguir la gran impresión que se quiere transmitir, pero no es la fuente ni la esencia de esa impresión; es poco más que una melodía visible… que prepara los sentimientos para la lectura de los misterios de Dios. (John Ruskin)

SHADE AND DARKNESS [Sombra y oscuridad]
- Larguetto para cuerdas a partir de J.M.W. Turner -

Shade and Darkness, con una duración aproximada de 12:30 minutos, fue un co-encargo del Centro Nacional de Difusión Musical y el Festival Internacional de Música y Danza de Granada. La obra tiene como fuente de inspiración la célebre pintura de Turner de idéntico nombre, y que lleva como subtítulo "La noche anterior al diluvio", aunque ello no comporte ningún ánimo programático ni menos aún descriptivo, más allá de la admiración del compositor por el pintor, y por la riqueza de tonos y claroscuros, sutileza en el tratamiento de la materia pictórica, y el dinamismo y fuerza emocional presentes en su obra, a cuya profundidad alude John Ruskin:

“El matiz es en Turner, ante todo, una hermosa ayuda para conseguir la gran impresión que se quiere transmitir, pero no es la fuente ni la esencia de esa impresión; es poco más que una melodía visible… que prepara los sentimientos para la lectura de los misterios de Dios”.

La partitura, generosa en contrastes expresivos, explora la ductilidad y riqueza de posibilidades de las cuerdas, con un uso muy diversificado de texturas, densidades y colores. La disposición formal describe un amplio arco ternario, integrado por dos secciones lentas y con frecuencia estáticas -no exentas de presagios inquietantes-, y una parte central más movida, puntuada por turbulencias ocasionales y fulgurantes destellos tímbricos, que culmina en un poderoso proceso climático. En los compases finales afloran fugazmente las cuatro voces del cuarteto clásico, como homenaje a Günter Pichler, fundador y miembro del Cuarteto Alban Berg, a quien la partitura está dedicada, y que dirigió el estreno de la obra al frente de la Joven Orquesta Nacional de España los días 24 y 25 de junio de 2014 en el Auditorio Nacional de Música de Madrid y en el Patio de los Mármoles del Hospital Real de Granada.

AUDIO: http://www.rtve.es/alacarta/audios/quedate-con-nosotros/quedate-nosotros-25-06-14/2630954/

Muestra de Partitura : (88 kb.) descargar

110Mokusei Gardens

A Viennese Notebook. (2014) 10’

Formación : Grupo Instrumental

Editorial : UME - The Music Sales Group

Estreno :
Ensemble Reconsil
Leitung: Ronald Freisitzer

'Exploring the World'
Joseph Haydn Hall, Music University, Vienna.

Comentarios :
Exploring the music from 14 countries from all over the world, which are Argentina, Australia, Brazil, Canada, Great Britain, Hong Kong, Japan, New Zealand, Singapore, South Africa, South Korea, Spain, Sweden and the United States of America.

"Moukusei Gardens", for chamber ensemble (8 players), is an homage to the Dutch writer Cees Nooteboom

http://www.reconsilexploringtheworld.com/news.html

109Ricercare para Chillida

para violonchelo solo (2014) 8’ 30”

Formación : Instrumento Solista

Editorial : UME - The Music Sales Group

Estreno : This work is a commission by the cellist Iagoba Fanlo, for whom it is dedicated on the occasion of the homage to Eduardo Chillida, which shall take place on 24th January, 2014 in the Chillida Leku museum (Hernani, Spain). The event called 'LiveSpeaking. Landscape, poetry and music in the work of Eduardo Chillida' will celebrate the anniversary of this foundation dedicated to the great Basque sculptor and will count with the presence of his family, the press and several institutions.

Comentarios : Ricercare para Chillida is the starting point of a musical discourse, which alternates introspective passages, polyphonic plays and other plays of lyric and cantabile character culminating in a passage of strong emotional CONTENT based in the following melodic motif: B flat – A – C – B – D – A

http://www.musicsalesclassical.com/composer/work/49335

108Sogni ed Epifanie

Un bagliore tra notti (Rafael Argullol) (2014) 12:’ 30”

Formación : Orquesta sinfónica

Editorial : UME - The Music Sales Group

Estreno : Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya, dir. Kazushi Ono
L´Auditori de Barcelona, 30 de enero 2015
(otras interpretaciones: 31 de enero y 1 de febrero de 2015)

http://www.musicsalesclassical.com/composer/work/4155/49718

http://issuu.com/scoresondemand/docs/six_glosses_on_texts_by_cees_nooteb/1

Comentarios : La presente obra, cuyo subtitulo reza “Un resplandor entre las noches“ es un encargo de la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya (OBC) con motivo del nombramiento del autor como Compositor en Residencia de L´Auditori de Barcelona durante las temporadas 2013-14 y 2014-15. La pieza está inspirada en el universo espiritual del escritor Rafael Argullol, autor del texto de la ópera L’Enigma di Lea en la que Casablancas trabaja actualmente. El término epifanía (Joyce, Klee, Wells, Nabokov, etc.) evoca la irrupción repentina del misterio, y alude a aquellas visiones y revelaciones - elusivas, imprevistas- que trascienden nuestra vida cotidiana y que parecen elevarnos a otros niveles de la realidad, a nuevas experiencias sensoriales y cognitivas; anhelo y búsqueda permanentes que animan y dan sentido al desafío y exploración artísticos. Los sueños se refieren a la noche y a sus exorcismos, lo que vincula esta obra con los nocturnos del autor, donde la calma contemplativa se ve amenazada por destellos de inquietud. La presente obra está escrita para gran orquesta y tiene una duración aproximada de doce minutos. La partitura está dedicada a Rafael Argullol, cazador de instantes, y al Maestro Kazushi Ono, artífice del estreno mundial de la obra.

AUDIO (Muestra):
https://www.dropbox.com/s/mq0bclsj2rssuvc/Casablancas.Sogni%20ed%20epifanie.mp3?dl=0

CRÍTICAS

“Tres apuestas interesantes en una sola velada. Casablancas encontró en los músicos y el director japonés, a quien estaba dedicada junto a Rafael Argullol Sogni ed epifanie. Un bagliore tra notti, la complicidad para dar vuelo al universo espiritual del escritor y a la aureola de misterio de la aplaudida partitura.“ (César López Rosell, El Periódico, I/II/2015)

***

“Futuro esperanzador. Ono hizo música, buena música, cuidando los recursos de una orquestación que envuelve con sutiles colores los sueños, misterios y exorcismos de la noche; Casablancas se inspira en el pensamiento poético de Rafael Argullol para crear paisajes contemplativos de gran belleza -el uso de la celesta, el piano y la percusión brinda sugerentes texturas- en los que cobran fuerza pasajes de gran agitación dramática. La OBC resolvió bien la obra, muy concentrada y pendiente de las indicaciones de su próximo jefe.“ (Javier Pérez Senz, El País, 6-II.2015)

***

“Y los sueños… La búsqueda de la belleza, ese motor que lleva al compositor a una tarea tan compleja, está detrás de la nueva obra de Benet Casablancas que acaba de estrenar la OBC y que tiene como sustento imágenes poéticas de textos de Rafael Argullol. El título es sumamente explícito en cuanto al programa compositivo: el mundo de los sueños, de las apariciones y epifanías, de la noche ( Sogni ed epifanie. Un bagliore tra notti). Poema que ejercita pequeñas epifanías en el color de los vientos, siempre en diálogo con los opuestos. Figuras fugaces que no se detienen en degustar el misterio, siempre hay contrastes de carácter dramático que ensombrecen esa luz en un fondo inquietante. El final, transparente, ejercita la calma que lleva a su conclusión.“ (Jorge de Persia, La Vanguardia, 2/II/2015)

***

“La matinal se abrió con el estreno de “Sogni de epifanie. Un blagliore tra notti“ de Benet Casablancas, verdadero hito de la residencia del compositor sabadellense en el Auditori. Sin renunciar a las habituales travesuras rítmicas a las que nos tiene acostumbrados, la partitura transita eminentemente por territorios nocturnos de armonías densas y al mismo tiempo luminosas, a la búsqueda de una transparencia (epifánica?) que cada vez está más presente en el catálogo de quien hasta el curso pasado era director académico del Conservatori del Liceu. El profundo carácter dramático (casi descriptivo) de la pieza fue bien explicado por un Kazushi Ono que aquí, nuevamente, centró más su mirada en el buen funcionamiento general de la obra antes que en la meticulosidad de los detalles.“ (Josep Barcons, Revista Musical Catalana, 4/II/2015)

***

Y tal vez haya que interpretar también COMO una declaración de intenciones del director nipón el hecho de que en sus dos últimas apariciones haya abierto velada con obras de creadores contemporáneos. Si en la de hace poco más de un año era la música de su compatriota Takemitsu la implicada, ESTA vez pudimos asistir al estreno absoluto de Sogni ed epifani. Un bagliore tra notte, sugestiva partitura de Benet Casablancas –compositor residente esta temporada en el Auditori– sobre texto de Rafael Argullol. Casablancas insiste en ella en las constantes del lenguaje descriptivo-narrativo que viene articulando y desarrollando con coherencia en los últimos tiempos y que ha hecho de él uno de los compositores más canónicos dentro y fuera de nuestras fronteras.
(José Velaza, Audioclásica)

***

“El estreno mundial de “Sogni ed epifanie. Un bagliore tra notti“ de Benet Casablancas abrió la velada. Se trata de una de las partituras más interesantes de este compositor, pues a su asunción de los lenguajes que han marcado el siglo XX une una capacidad evocadora muy sugestiva, realzada tanto por la paleta tímbrica, como por el mayor énfasis melódico.“ (Juan Carlos Moreno, Ritmo, Nº. 884, Abril 2015)

***

“Con un arte en la orquestación cada vez más sutil, la pieza de Casablancas encierra mucha y buena música; se inspira en el pensamiento poético de Rafael Argullol y seduce con refinados colores, exquisitas texturas con las que pinta atmósferas nocturnas en las que cobran fuerza pasajes de gran agitación dramática.“ (Javier Pérez Senz, Scherzo, Nº 305, Marzo 2015)

***

"Esperar el estreno de una obra musical nunca antes escuchada en público tiene algo de revelación compartida: lo que, hasta entonces, forma parte del mundo de su autor pasa ser, con la interpretación en público, experiencia estética socializada. El pasado fin de semana se pudo vivir en L’Auditori de Barcelona uno de estos momentos: el estreno, a cargo de la OBC dirigida por Kazushi Ono de una nueva partitura para orquesta de Benet Casablancas, Sogni Como siempre, una obra sutil en los detalles y ambiciosa en la arquitectura, que aquí intenta expresar musicalmente el carácter meditativo de la ensoñación y también el fulgor inesperado que siempre comportan las epifanías. La obra de Casablancas se enriquece con cada nueva aportación y el hecho de ser compositor en residencia de L’Auditori, durante estos dos años, está contribuyendo a su vida pública entre nosotros." (Xavier Antich, La Vanguardia, 4 de febrero 2015)

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107Obertura Festiva

Homenaje a Xavier Montsalvatge (2013) 11:’

Formación : Orquesta de cámara

Editorial : UME (The Music Sales Group)

Estreno : Orquesta de Camara de Munich, dir. Alexander Liebreich.
Barcelona, Temporada de Ibercàmera 2012-2013,
Palau de la Música, 7 de marzo de 2013

Comentarios : CRITICA DEL ESTRENO

“En la sala grande las Orquesta de Munich abría con el estreno aquí de una obra de Casablancas (...) La Obertura enlaza varias referencias: todo un homenaje a Montsalvatge (en la línea de la reciente para piano Sí, a Montsalvatge!“) ya que en las tres partes -Danza, Canción y Celebración- aparecen referencias a la Canción de cuna, El gato con botas y culminando la coda el tema de la Sonatine pour Yvette. Obra llena de ritmo, de inicio envolvente y rico juego de contrapunto en las maderas, con una parte central poética. Buena versión de la orquesta.“
(Jorge Persia, La Vanguardia, 9.III.2013)

Creiem que programadors i públic han de seguir apostant per la música del s. XX i XXI, sobretot si es tracta d’obres de compositors com Benet Casablancas. És indubtable la qualitat de les seves creacions.
L’Obertura festiva, essent una reelaboració d’una obra anterior escrita com a homenatge a Xavier Montsalvatge, consta de tres parts, les quals van ser executades amb competència per l’OBC. Dance va posar a prova les capacitats rítmiques dels diversos instrumentistes, en concret de les flautes (amb bones intervencions) i del concertino invitat (Guillaume Chilemme, que demostrà el seu virtuosisme). Song va desplegar de manera interessant les masses acordals entre violins i la resta de cordes. I Celebration, encara que amb certs desequilibris abans d’acabar però resolts per la direcció, es va interpretar rítmica, fent ús de diferents estrats sonors i -no sabem si el seu compositor, que va celebrar i aplaudir efusivament a l’orquestra, ho compartirà- amb una genuïna estètica de banda sonora. (Hèctor Gasol, 17.11.2014)
http://www.nuvol.com/noticies/la-italia-de-mendelssohn-i-berlioz/

Muestra de Partitura : (57 kb.) descargar

Muestra de Texto : (51 kb.) descargar

106Tres Haikus (Segunda Colección)

Tres Haikus (Segunda Colección) (2013) 2’ 20”

Formación : Instrumento Solista

Editorial : UME - The Music Sales Group

Muestra de Partitura : (88 kb.) descargar

105Sí, a Montsalvatge!

for solo piano (2012) 4’

Formación : Instrumento Solista

Editorial : Contact the composer

Estreno : Daniel Ligorio, piano

Barcelona, 3 de julio de 2012
Biblioteca de Catalunya, Sala de Llevant

Comentarios : La pieza, que cierra hasta la fecha el amplio catálogo pianístico del autor y cuyo título evoca un doble homenaje -a Montsalvatge y a Mompou-, responde a un encargo de Daniel Ligorio, y se interpreta en el programa “Música catalana del segle XIX al segle XXI“
-Homenatge a Manuel Blancafort, Xavier Montsalvatge i Frederic Mompou-

SÍ, A MONTSALVATGE!

La presente obra fue escrita en la primavera del año 2012 por encargo del pianista Daniel Ligorio, y constituye un homenaje al ilustre compositor con motivo de la celebración del centenario de su nacimiento. Su título hace referencia a una pieza del propio Montsalvatge, "Sí a Mompou", de tal modo que la pieza constituye una especie de “clic l´oeil” o doble homenaje (“Retrato de Montsalvatge con Mompou al fondo” podría decirse) a dos compositores muy queridos y admirados, y con quienes tuve la fortuna de colaborar en diversas ocasiones. Como corresponde a su intención festiva, prevalece en la obra el carácter lúdico y luminoso, en la que los contraluces armónicos, la viveza rítmica y la sensualidad tímbrica tan queridos a Xavier conviven con el gesto cantabile, brotes de lirismo y paisajes extáticos. Las implicaciones melódicas y armónicas de la nota SI gobiernan el curso de la obra, desde los arabescos flamboyant del inicio, alcanzando su cénit en la parte final, donde asistimos a una progresiva afirmación de dicha nota y del acorde perfecto mayor correspondiente, empleado aqui no tanto en un sentido tonal como por el simbolismo afirmativo –Sí: Yes!- derivado del mismo, sellando con una breve alusión al anagrama musical de su nombre el tributo del autor al maestro catalán. El estreno de la pieza, a cargo del propio Ligorio, tuvo lugar el 3 de julio de 2012 en la Sala de Llevant de la Biblioteca de Catalunya, quien la grabó posteriormente para la Televisión Española. Posteriormente la pieza fue estrenada en Londres (Maria Canyigueral, Regent Hall y St. James Church) y en los Estados Unidos (Spectrum NY y Le Poisson Rouge, New York), convirtiéndose, desde el momento mismo de su estreno, en una de las piezas pianísticas más interpretadas del autor.

No es esta la única pieza que el autor ha dedicado a honrar la figura de Xavier Montsalvatge. En septiembre del año 2012 tuvo lugar también en Nueva York el Estreno mundial de "Dance, Song and Celebration", para orquesta de cámara, fruto de un encargo de la Foundation for Iberian Music adscrita a The City of New York University, concierto que se celebró en la Morgan Library de New York, en el marco de las actividades del "Any Montsalvatge", contando igualmente con unos intérpretes sensacionales, el Perspectives Ensemble (dir. art. Sato Moughalian) bajo la dirección de Ángel Gli-Ordóñez. Debemos mencionar asimismo el posterior estreno de la "Obertura Festiva", reelaboración sinfónica de la obra mencionada, que tuvo lugar en Barcelona el año 2013 por la Munich Chamber Orchestra, dirigida por Alexander Liebreicht (Temporada de Ibercàmera, Palau de la Música).

http://www.musicsalesclassical.com/composer/work/4155/47608

Muestra de Partitura : (106 kb.) descargar

104Dance, Song and Celebration

Homage to Xavier Montsalvatge (2012) 11:’

Formación : Grupo Instrumental

Editorial : UME/The Music Sales Group (Madrid, London, New York, Copenhague)

Estreno : New York, 28th September 2012
Morgan Library in New York.
Perspectives Ensemble New York, cond. Ángel Gil-Ordóñez

Comentarios : Commissioned by the Foundation for Iberian Music at the City University of New York

COMMENTS

La presente obra, escrita para orquesta de cámara y con una duración aproximada de unos diez minutos, responde a un encargo de la Foundation for Iberian Music at The City of New York University, para el concierto en homenaje al compositor Xavier Montsalvatge a celebrar en la Morgan Library de New York en septiembre de 2012, siendo los artífices de su estreno el Perspectives Ensemble, bajo la dirección de Ángel Gil-Ordóñez, excelentes músicos y muy buenos conocedores de la música del autor, al que dedicaron un Composers Portrait en el Miller Theatre (2010). Como indica su título, la obra consta de tres partes que se suceden sin solución de continuidad, y en la que la vivacidad rítmica, virtuosismo y acentos lúdicos de las secciones extremas, contrasta con el lirismo y el carácter contemplativo de la sección central. En el curso de la obra, pródiga en intervenciones solistas de los distintos miembros del ensemble, podemos descubrir reminiscencias de dos de las páginas más felices de Montsalvatge, como son la “Canción de cuna para dormir a un negrito“ y “El gato con botas“. El carácter festivo y luminoso de la pieza alcanza su cénit en la parte final, donde asistimos a una progresiva afirmación de la nota SI y de la tríada correspondiente, empleada aqui no tanto en un sentido tonal como por el simbolismo afirmativo -Yes!- derivado de la misma, sellando así este nuevo tributo del autor al maestro catalán, al que dedicó también recientemente la página pianística “Sí, a Montsalvatge“, para piano, basada análogamente en las implicaciones melódicas y armónicas de la nota mencionada.

http://www.themorgan.org/public/program.asp?id=534
http://brookcenter.gc.cuny.edu/2012-composers-commission-benet-casablancas/

Critical Reviews:

“Casablancas, que ya fue homenajeado con un Composers Portrait monográfico en el Miller Theatre at Columbia University New York en el 2010 y que el mismo día 27 de septiembre estrenó “Pastoral“, Concertino para saxo y ensemble en el Festival de Alicante, escribió para la ocasión “Dance, Song and Celebration: Homage to Xavier Montsalvatge“, pieza brillante y exigente para conjunto instrumental que pone de relieve la atención por la claridad armónica de la fase creativa actual del compositor de Sabadell. La intensa ovación del público que abarrotaba la sala es la señal del reconocimiento y el valor de esta nueva aportación al canon musical catalán.“

(“Catalonia dentro de un piano”, por Jordi Alomar; Revista Musical Catalana, 8 de octubre de 2012).

http://www.revistamusical.cat/?p=4303

"Puro nervio, como su creación, que se asemeja a la sucesión de pensamiento de un personaje de James Joyce (...) a Benet Casablancas le tocó recibir las felicitaciones a Catalunya." (Francesc Peirón, La Vanguardia, 30 de septiembre de 2012)

Muestra de Partitura : (143 kb.) descargar

103Frisch auf, mein´ Seel´, verzage nicht

-Tiento para órgano- (2012) 4:’ 30”

Formación : Instrumento Solista

Editorial : UME. Music Sales

Estreno : Colm Carey, organist, Spitalfields Winter Festival London
'In time of trouble'; 8th December 2012,

Royal Chapel St Peter-ad-Vincula of the Tower of London

Comentarios : Escrita por encargo de William Whitehead, para “The Bach´s Orgelbüchlein Project“, con el patrocinio del Instituto Cervantes de Londres

The Orgelbüchlein Project is a project to complete Bach’s unfinished collection of organ miniatures. His manuscript contains titles for 164 chorales, but he only completed 46 of them. One by one, the English organist William Whitehead is commissioning composers from all round the world to fill in the blanks, using the melody Bach intended, but never got round to completing. The style is completely open; imitation Bach is possible, but most composers have elected to create something in their own style, in homage to Bach, but reflecting a contemporary stance on the old melodies. Six new compositions will be given their world premieres in the Spitalfields Winter Festival on 8 December 2012. The concert will take place in the Chapel Royal of St Peter ad Vincula, inside the Tower of London and will be played by Organist of the Chapel, Colm Carey.

www.orgelbuechlein.co.uk

See details in Diary

Muestra de Audio : (5978 kb.) descargar

Muestra de Partitura : (66 kb.) descargar

Muestra de Texto : (2105 kb.) descargar

102Pastoral

Concertino para Saxo Contralto y Ensemble (2012) 9’ 30”

Formación : Grupo Instrumental

Editorial : UME-Music Sales

Estreno : La presente pieza responde a un encargo de Francisco Martínez, director artístico del Sax Ensemble y dedicatario de la obra, que fue estrenada por los referidos intérpretes bajo la dirección de su director titular José Luis Temes el 27 de septiembre de 2012.

El concierto se inscribió en la 28a. Edición del Festival de Música Contemporánea de Alicante

Comentarios : La presente pieza, con una duración cercana a los diez minutos y concebida para una formación que incluye, junto al saxofón contralto en Mib, un sexteto integrado por flauta, clarinete, piano, percusión, violin y violonchelo, fue escrita atendiendo a la petición de Francisco Martínez, director artístico del Sax-Ensemble y a quien la obra está dedicada. La alusion al tópico pastoral que preside la pieza, revelando una disposición general en tres partes que se suceden sin solución de continuidad, se manifiesta en la amplitud y espaciosidad de las secciones extremas, armónicamente luminosas y en las que podemos reconocer largos pedales sostenidos y pequeños dibujos pentatónicos, animando las texturas con una atención preciosista al detalle. Ello contrasta fuertemente con la sección central, más movida y de carácter más enérgico, no exenta de acentos scherzandi y sobresaltos rítmicos. La pieza explora la diversidad de registros técnicos y expresivos del instrumento solista, con páginas de marcado virtuosismo, aunque sea la sonoridad intensa y cantabile del saxo la que acabe dominando a lo largo de la obra. La obra combina en todo momento el lógico protagonismo del solista con la transparencia del tratamiento camerístico y el diálogo con el resto de instrumentos. El autor tuvo presente, al componer la obra, el marco en que se inscribe su estreno, sumándose con cariño y admiración al homenaje a Xavier Monsalvatge que estamos celebrando, y a cuyo recuerdo ha dedicado este año otras dos piezas, “Sí, a Montsalvatge!”, para piano, y “Dance, Song and Celebration”, para orquesta de cámara, cuyo estreno tendrá lugar este mismo mes en la Morgan Library de Nueva York.

CRITICA

“A continuación, escuchamos por segunda vez en este Festival a Benet Casablancas, con su Pastoral (2012), estreno absoluto (unos 9 min), tercera incursión del autor en el género concertante. Pastoral. Concertino para saxo contralto y orquesta de cámara (flauta, clarinete, violín, cello, piano y percusión) fue escrita en el verano de 2012, a petición de Francisco Martínez, Director artístico y saxo solista del Sax Ensemble, dedicatario de la obra. En tres partes sin interrupción, la alusión al tópico pastoral, dice el autor, “se manifiesta en la amplitud y espaciosidad de las secciones extremas, en fuerte contraste con la sección central, más movida y de carácter enérgico”, indicaciones muy útiles para una primera audición. Los seis instrumentos de la orquesta de cámara desarrollan páginas de gran virtuosismo, aunque la sonoridad (siempre tan intensa y cantabile) del saxo predomina, en definitiva, destacando Francisco Martínez en la agilidad con que obtiene del instrumento solista toda su diversidad de recursos técnicos y expresivos.“

(Mundo Clásico, José Lopez López)

Muestra de Partitura : (158 kb.) descargar

Muestra de Texto : (670 kb.) descargar

101Tres peces per a guitarra

(2011) 6:30’

Formación : -

Editorial : The Music Sales Group/UME

Estreno : Adam Levin, guitarra, 8 de mayo de 2013.
Fundación Juan March (Castelló, 77 – 28006 MADRID)

Comentarios : Son sus movimientos:

1. Con moto
2. Lento assai
3. Con moto

Las piezas responden a un encargo del guitarrista norteamericano Adam Levin, que sera igualmente el protagonista de su estreno mundial. Con esta nueva creacion son ya tres las obras confiadas por el autor a este instrumento. El presente recital constituye una rica panoramica de la produccion contemporanea dedicada al presente instrumento.

http://www.march.es/musica/detalle.aspx?p2=952&l=2
http://www.adamlevinguitar.com/tour/fundacin-juan-march/?eID=206

Muestra de Partitura : (49 kb.) descargar

100…der graue Wald sich unter ihm schüttelte

Chamber Concert nr. 2 for Horn and Ensemble (2011) 16’

Formación : Grupo instrumental (voz / voces e instrumentos)

Editorial : Contact the composer

Estreno : Cantus Ensemble Croatia, Radovan Vlatkovic, trompa, dir. Berislav Sipus

Zagreb (Croacia), Vatroslav Lisinski Concert Hall
15 de maig de 2011

Comentarios : "Der graue Wald sich unter ihm schüttelte"
Concierto de Cámara núm. 2 para trompa y ensemble

El presente concierto constituye la segunda –y última hasta la fecha- incursión del autor en el género concertante. Su composición responde al encargo del maestro Berislav Sipus y el Ensemble Cantus Croatia, con motivo de la celebración del décimo aniversario (FOREVER CANTUS) de la fundación del grupo. Su estreno tuvo lugar el 15 de mayo de 2011 en el Vatroslav Lisinski Concert Hall de Zagreb, a cargo de los mencionados intérpretes mencionados, contando con la intervención del prestigioso solista Radovan Vlatkovic.

Como sucedía ya en el concierto, escrito para clarinete (Dove of Peace), la dimensión concertante de la obra convive con una concepción eminentemente camerística de todo el conjunto, donde la parte solista, por momentos brillante y virtuosista, pero en otros pasajes escorada hacia la expresión cantabile e intimista, entra en diálogo permanente con el resto del orgánico instrumental, desde la especificidad tímbrica y expresiva que le es propia y la distingue. La obra se desarrolla en un único movimiento, comprendiendo cuatro partes que se suceden sin solución de continuidad:

1. Cantus
2. Notturno
3. Scherzo
4. Epilogo. Estatico

La cita que encabeza la obra, y que determina en buena medida el tono y el color de la misma, procede de un pasaje del “Lenz” de Büchner, texto de gran belleza, misterioso, turbador y escalofriante por momentos, y puede traducirse como: “… el bosque gris que se estremecía debajo de él”.

En el curso de la obra será evocada la conocida canción popular croata “Do, Jelena, Jelena, zelena del jabuka“, a modo de homenaje a las circunstancias festivas de su estreno y a los artífices del mismo.

SCORE => http://www.musicsalesclassical.com/composer/work/47603

VIDEO => https://www.youtube.com/watch?v=uzztaslpVJI

http://www.cantus-ansambl.com/announcements

Muestra de Partitura : (199 kb.) descargar

99Jubilus

(2011) 4:’

piano

Formación : Instrumento Solista

Editorial : Contact the composer

Comentarios : Escrita por encargo del pianista Diego Fernández Magdaleno, a quien la obra está dedicada, en homenaje a Jordi Savall

Estreno: Paris, 21 de febrero de 2012

La pieza será interpretada posteriormente en Hamburgo, Toulouse, Roma, Bremen, Berlin, Bruselas, Praga y otras ciudades europeas y españolas.

COMENTARIOS SOBRE LA OBRA

El estreno de la presente página, escrita en homenaje a Jordi Savall, tendrá lugar el 21 de febrero en Paris, y se inscribe en el margo del recital protagonizado por el pianista Diego Fernández Magdaleno para conmemorar el setenta aniversario del distinguido intérprete, y que comprende diversas piezas de otros tantos autores escritas para la ocasión. La obra será estrenada posteriormente en Hamburgo, Toulouse, Roma, Bremen, Berlin, Bruselas, Praga y en distintas ciudades españolas. La pieza apela al diálogo entre músicas y lenguajes muy distantes a través de los siglos. El propio título alude a la alegría y al carácter exultante derivados del canto melismático del Alleluya, lo que contrasta con la cita, en la sección central, de una página a la que Savall ha dedicado una de sus más bellas interpretaciones, las Suites para viola de gamba de François Couperin, “le Grand”, y más concretamente de este monumento grandioso que constituyen sus “Pompes fúnebres”.

http://www.fernandezmagdaleno.com/es/paris/art/176/

http://paris.cervantes.es/fr/culture_espagnol/programation_culturelle.htm

Muestra de Partitura : (200 kb.) descargar

98Tres Interludios para Orquesta

(2011) 15’

orquesta

Formación : Orquesta sinfónica

Editorial : MUSIC SALES GROUP- UME

Estreno : Barcelona y Sabadell
Temporada 2012-2013
Orquestra Simfònica del Vallès, dir. Rubén Gimeno

Comentarios : Encargo de la Fundación Autor/AEOS y la OSV (Barcelona)

Comprende los tres movimientos siguientes:

I. Pastorale (Tranquillo)
II. Scherzo (Con moto)
III. Memento e Corale (Lentissimo. Ampio e tenuto)

Plantilla orquestal

2 (2n also Picc).2.2 (2n also Bass Clar).2. - 4.3.3.1. - Tpni. - Perc. (2 players) - Strings

COMENTARIOS

La presente obra, terminada el 28 de noviembre de 2011, fue escrita por encargo de la Fundación Autor y la Asociación Española de Orquestas (AEOS) para ser estrenada en la Temporada 2012-2013 de la Orquesta Sinfónica del Vallés (OSV) en la Temporada de Concerts Simfònics en el Teatre La Faràndula de Sabadell y en el Palau de la Música Catalana de Barcelona.

La partitura comprende los tres movimientos siguientes: I. Pastorale (Tranquillo), II. Scherzo (Con moto) y III. Memento e Corale (Lentissimo. Ampio e tenuto). Con esta nueva realización el autor vuelve al género sinfónico, uno de sus formatos preferidos, y lo hace con una obra que participa de algunas de las características que marcan sus últimas creaciones (Darkness visible, Nocturno para orquesta, Seis Glosas sobre textos de Cees Nooteboom, Dance, Song and Celebration, Sogni ed Epifanie), como son la espaciosidad y transparencia de las texturas, la claridad de los colores armónicos y un tono general tranquilo y sereno, particularmente en los movimientos extremos, lo que determina un fuerte contraste con el vigor, juegos motívicos y vivacidad rítmica del Scherzo central. A lo largo de toda la obra, el relieve de la escritura camerística convive con páginas de gran plenitud orquestal.

Dichas cualidades distinguen el curso de la Pastorale (Tranquillo), haciendo honor al registro expresivo evocado por su título, apenas turbado por algún pasaje más agitado. Le sigue un movimiento central vivo y enérgico, pródigo en intervenciones solistas de las maderas, y que culmina en un poderoso clímax central, rompiendo así el tono general de serenidad que predomina en los movimientos que lo enmarcan. El tercer interludio adopta un tono más grave e interiorizado, culminando con un gran coral (preparado ya por los trombones en el curso del interludio precedente), que conducirá finalmente a una coda de signo contemplativo que se prolonga hasta desvanecerse en el silencio. La composición de este último movimiento coincidió en el tiempo con el tsunami que el 11 de marzo de 2011 devastó las costas de Japón. El dolor por este desastre estuvo presente en el espíritu del compositor al escribirlo.

COMMENTS

“Three Interludes for orchestra“ were commissioned by the Fundación Autor and the Spanish Association of Symphonic Orchestras (AEOS) for its World Premiere in the 2012-2013 season.

The score consists of three movements – Pastorale (Tranquillo), Scherzo (Con moto) and Memento e Corale (Lentissimo, Ampio e tenuto) – and has an approximate duration of 14 minutes. The spaciousness and transparency of the textures, the clearness of its harmony and a general calm and quiet tone of the first and final parts set a contrast with the vigour and rhythmical vividness of its central scherzo.

During the course of the piece, the shape of chamber writing coexists with the greatness of orchestral peaks. The last section embraces a lower and expressive tone, which ends with a great chorale that shall lead to a more contemplative coda, which fades into silence. Sadness for the devastating tsunami that struck Japan on those same days was present in the mind of the author at the time of writing this movement

“It shows the atonality and accused dramatic quality (especially in the third piece), which dominate the orchestral writing of the composer from Sabadell, enriched by a pitch atmosphere of neo-impressionistic quality and a healthy rhythmical energy. The concert version contributed with intensity and performance depth, which we hope to deepen in future performances and, which motivated the greeting of Casablancas.” (Germán Gan, Audio Clásica)

Three Interludes for orchestra were commissioned by the Fundación Autor and the Spanish Association of Symphonic Orchestras (AEOS) for its World Premiere in the 2012-2013 season.

The score consists of three movements – Pastorale (Tranquillo), Scherzo (Con moto) and Memento e Corale (Lentissimo, Ampio e tenuto) – and has an approximate duration of 14 minutes. The spaciousness and transparency of the textures, the clearness of its harmony and a general calm and quiet tone of the first and final parts set a contrast with the vigour and rhythmical vividness of its central scherzo.

During the course of the piece, the shape of chamber writing coexists with the greatness of orchestral peaks. The last section embraces a lower and expressive tone, which ends with a great chorale that shall lead to a more contemplative coda, which fades into silence. Sadness for the devastating tsunami that struck Japan on those same days was present in the mind of the author at the time of writing this movement

“It shows the atonality and accused dramatic quality (especially in the third piece), which dominate the orchestral writing of the composer from Sabadell, enriched by a pitch atmosphere of neo-impressionistic quality and a healthy rhythmical energy. The concert version contributed with intensity and performance depth, which we hope to deepen in future performances and, which motivated the greeting of Casablancas.” (Germán Gan, Audio Clásica)

"Genealogías musicales-. Octavo concierto de la temporada de la OBC, bajo la dirección de su titular, para ofrecer dos obras del gran repertorio sinfónico del último siglo, con la inclusión, acertada, de una página de actualidad: los Tres interludios, de Benet Casablancas, tras su estreno en abril de 2013, venían a subrayar el protagonismo del compositor de Sabadell, quien presentó la composición, en el panorama creador actual, puesto también de manifiesto por la recentísima publicación de la monografía Arquitecturas de la emoción. Transparencia de texturas en “Pastorale”, contundencia rítmica del “Scherzo” y profundidad armónica del “Memento e corale” definen una aportación sustancial, servida por la orquesta con altibajos, parcialmente superados en la conclusión." (Germán Gan, Audio Clásica; 2017).

http://www.audioclasica.com/2017/11/25/24-xi-2017-genealogias-orquestales/

Muestra de Partitura : (174 kb.) descargar

97Dove of Peace. Homage to Picasso

Chamber Concert nr. 1 for Clarinet and Ensemble (2010) 19’ 30”

Formación : Orquesta de cámara

Editorial : Contact the composer

Estreno : Liverpool, 19th of May of 2010
Ensemble 10/10, Nicholas Cox, cond. Clark Rundell
The Cornerstone, Liverpool Hope University

Comentarios : Commissioned by the Royal Liverpool Philharmonic Orchestra for Ensemble 10/10. It will be performed by the clarinettist Nicholas Cox, to whom the work is dedicated, Clark Rundell conducting the famous british ensemble.

COMENTARIOS SOBRE LA OBRA

Dove of Peace. Homage to Picasso
Chamber Concert Nr. 1 for Clarinet solo and Ensemble

-Carles Riera in memoriam-

“Una inmensa paloma blanca salpica
con la cólera de su duelo la tierra”

Pablo Picasso (Paris, 31 de marzo 1952)

“Dove of Peace. Homage to Picasso” fue escrita por Benet Casablancas (Sabadell, Barcelona, 1956-) durante los meses de septiembre 2009 a febrero 2010, respondiendo al encargo recibido de The Royal Liverpool Philharmonic Orchestra de una pieza concertante para clarinete y orquesta de cámara, para el solista de la RLPO Nicholas Cox y el Ensemble 10/10 que dirige Clark Rundell. Dicha propuesta, que Casablancas acogió con entusiasmo, nació a instancias del propio Cox, quien, a raíz de escuchar en directo por radio la UK Prémière de “Seven Scenes from Hamlet” desde el Barbican Hall, en interpretación de la BBC SO y Ray Fearon, dirigidos por Josep Pons, tuvo la idea de pedir una nueva pieza al compositor, en vistas a su estreno mundial en Liverpool. La coincidencia de la fecha del estreno con la celebración de una gran exposición Picasso en la Tate Liverpool llevó al autor a concebir su obra como un homenaje al admirado artista español y a la vertiente más comprometida de su legado, que tiene en la paloma de la paz uno de sus símbolos más universales. Los conflictos sociales, los límites más sombríos de la condición humana, la guerrra y la paz, son tratados por Picasso -como hicieran ya antes Goya y también Miró- con una elocuencia y desgarro poco comunes, que contrastan con la “joie de vivre” y la vertiente más lúdica que iluminan igualmente su portentosa y proteica personalidad creativa. El propio Picasso alude a ello en un bello texto:

“la lumbre del aceite de las farolas que de noche ilumina en el Madrid de la tarde de mayo los nobles rostros del pueblo fusilado por la extraña rapaz en el cuadro de Goya es la misma semilla horrenda plantada a manos llenas de proyectores en el pecho abierto de Grecia por gobiernos que exudan pavor y odio. Una inmensa paloma blanca salpica con la cólera de su duelo la tierra”

Pablo Picasso, Poemas en prosa (Barcelona: Plataforma Editorial, pág. 167: 2008)

Los claroscuros expresivos y marcados contrastes de tempi y carácter bañan asimismo la presente obra, manteniendo siempre -y como es habitual en el autor- un carácter eminentemente abstracto, exento de ànimo programático alguno. La parte solista apela a la maravillosa versatilidad del clarinete, cuyo timbre condiciona el de la propia instrumentación, preservando en todo momento - como apunta el subtítulo y pese a las exigencias virtuosísticas y amplitud sonora de ciertos pasajes- una dimensión genuínamente camerística. La obra obedece a una disposición general en cinco partes que se desarrollan sin solución de continuidad: 1. Introducción (Tranquillo e lontano - Con moto súb. - Calmando); 2. Con moto; 3. Lento; 4. Allegro; 5. Epilogo (Calmo assai. Estatico - Ampio e luminoso - Poco più mosso). El idílico clima pastoral del inicio pronto sera truncado por los acentos oscuros del clarinete bajo y ráfagas agresivas en la orquesta, con su oblicua referencia a los desastres de la guerra, para evolucionar progresivamente hacia las secciones centrales de la obra, más luminosas y animadas, contrapesando el dramatismo de ciertos pasajes con la vivacidad scherzando y lirismo cantabile de otros, y cuyo desarrollo culminará en un poderoso climax, sostenido por amplios y poderosos acordes de toda la orquesta. Le sigue el Epílogo, en un clima rarificado y extático, a modo de un “pasaje después de la batalla”, que poco a poco irá animándose: La vida, pese a todo, continúa, como perdura igualmente el sueño utópico. Será entonces cuando el oboe introduzca ecos de una tonada infantil (“in the mood of a children folksong”), retomada inmediatamente por el clarinete y cuya elaboración conducirá la pieza a su vibrante conclusión, a modo de catarsis, animada por el suave balanceo de sendas tríadas perfectas mayores de Do y Re en un clima suspensivo, que poco a poco irá desvaneciéndose hasta alcanzar el silencio.

Con la presente pieza, que Casablancas dedica al excelente solista Nicholas Cox, “con gratitud y admiración”, el autor incide de nuevo en una de sus pasiones, que deviene una constante a lo largo de toda su producción, como es el diálogo con otros lenguajes artísticos, la poesía y la literatura, y muy especialmente la pintura, cuyo eco podemos reconocer en piezas como “Alter Klang”, Impromptu for orchestra after Klee (2006) o “Four Darks in Red”, after Rothko, estrenada recientemente en New York (Composer Portrait at Miller Theatre, 2010). La obra de Shakespeare inspira asimismo “Seven Scenes from Hamlet” (1989), una de las obras más interpretadas del autor, o “The Dark Backward of Time” (after “The Tempest”, 2005), que ha sido dirigida en gira por España por el titular de la RLPO, el maestro Vasily Petrenko. La presente pieza es la primera incursion del autor en el género concertante, que tendrá continuidad con la pieza en la que trabaja actualmente, el “Chamber Concert Nr. 2 for Horn and Chamber Orchestra”, encargo del Ensemble Cantus de Croatia, cuyo estreno, a cargo de Radovan Vlatkovic, tendrá lugar en Zagreb en mayo de 2011.

VIDEO DE LA OBRA:

http://www.liverpoolphil.com/4411/royal-liverpool-philharmonic-orchestra/benet-casablancas-dove-of-peace-part-1.html

Muestra de Partitura : (2785 kb.) descargar

Muestra de Texto : (2674 kb.) descargar

96Seis Glosas para sexteto

Sobre textos de Cees Nooteboom (2010) 14’

Formación : Grupo Instrumental

Editorial : Contact the composer

Estreno : Ensemble 88, dir. Taco Kooistra
Maastricht (Holanda)
St. Jan, 6 novembre 2010

Comentarios : Commissioned by Ensemble 88

“Omweg naar Santiago“
Cross-over project muziek - literatuur

COMENTARIOS DE LA OBRA

La presente pieza, escrita a petición de Jos Kamp y el grupo holandés Ensemble 88 de Maastricht, para un pequeño conjunto de cámara integrado por flauta, clarinete, percusión, piano, violín y violonchelo, con intervención opcional de un recitador.

La obra está basada en textos del conocido escritor holandés Cees Nooteboom, autor muy vinculado a España, pertenecientes más concretamente a su aclamado libro “Desvío a Santiago”. Cada uno de los seis pequeños movimientos que integran la obra está encabezado por un título que remite a los correspondientes textos que eventualmente pueden ser recitados antes de dar paso a las correspondientes glosas musicales, de acuerdo con la siguiente sucesión: I. “El camino hasta aquí”, II. “Tras las huellas de Don Quijote”, III. “Susurro de marrón, oro y gris plomizo”, IV. “La pobreza es silenciosa”, V. “La Virgen Negra en su gruta de oro”, y VI. “La llegada”. La obra puede también interpretarse en su dimensión meramente instrumental. Lejos de cualquier intención puramente programática o descriptiva, las distintas piezas dialogan con los textos citados, respondiendo a su rico tejido de alusiones y claroscuros, motivando los cambios de coloración y registro expresivo que caracterizan a cada movimiento, en los que encontramos páginas de signo contemplativo, otras de naturaleza más dramática e impulsiva, contrastando con intermezzi líricos, la evocación del sonido de las campanas y movimientos de carácter scherzando.

Esta partitura constituye el regreso del autor a una formación instrumental muy querida (se recordarán los “Epigramas” del año 1990, que aún hoy siguen siendo una de sus obras más difundidas), particularmente dúctil y muy rica en posibilidades tímbricas y virtuosísticas. El estreno tuvo lugar durante una gira de cuatro conciertos por distintas poblaciones holandesas: Maastricht, 6 (St. Jan) y 7 de noviembre, Den Bosch (De Toonzaal, 28 de noviembre) y Heerlen (Schunck, 8 de diciembre). El programa, titulado “Omweg naar Santiago“ (Cross-over project muziek – literatuur), fue interpretado por el Ensemble 88, bajo la dirección de Taco Kooistra.

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95Octeto

Dedicado a Jaime Martín y al Ensemble Orquestra de Cadaqués (2010) 3’ 50”

Formación : Grupo Instrumental

Editorial : Tritó - www.trito.es

Estreno : Ensemble Orquestra de Cadaqués
dir. Jaime Martín

Auditori de Girona, 22 de octubre de 2010

Comentarios : El “Octeto“ es fruto de un encargo del Ensemble Orquestra de Cadaqués para su estreno en el presente concierto, que forma parte del “Festival Temporada Alta“ de Girona.

Su plantilla comprende los siguientes instrumentos: flauta, oboe, trompa, piano, violín, viola. violonchelo y contrabajo.

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94Darkness visible

-Nocturno para orquesta- (2009) 14’

Formación : Orquesta sinfónica

Editorial : Music Sales Group: http://unionmusicalediciones.com/umeE12_ENG.html

Estreno : El estreno absoluto en concierto de la presente obra, celebrado unánimamente por el público y la crítica, corrió a cargo de la London Philharmonic Orchestra dirigida por Vladimir Jurowski (27 de Febrero de 2012, Palau de la Música Catalana, Barcelona, España).

Darkness visible fue objeto asimismo de una Primera Grabación Mundial por la Orquesta Nacional de España dirigida por Josep Pons (Anemos, 2010).

VIDEO

* WP Darkness visible by LPO/Jurowski: http://www.tv3.cat/videos/3973331/Estrena-de-lultima-obra-simfonica-de-Benet-Casablancas

Comentarios : La presente pieza culmina la producción orquestal reciente del autor, que comprende asimismo “The Dark Backward of Time“ (basada en “The Tempest“ de Shakespeare, 2006) y “Alter Klang. Imprompu para orquesta a partir de Klee“ (2007, obras que, salvaguardando la individualidad y personalidad específica de cada una de ellas, comparten algunas características tanto técnicas como expresivas, conformando una trilogía presidida por el uso dúctil y versátil de la orquesta, prevaleciendo un alto grado de diferenciación tímbrica y textural. Cualidades que nos acercan al aspecto quizá más crucial y determinante relativo a la reformulación del pensamiento armónico y de sus implicaciones respecto al desarrollo del discurso. “Darkness visible“, la última realización sinfónica del autor hasta la fecha, profundiza asimismo en la exploración del misterio insondable de la noche, siendo concebida como un noctuno de amplias proporciones, cuya inclinación hacia los ambientes quietos y de texturas enrarecidas se ve turbado puntualmente por páginas más agitadas y de expresión vehemente, iluminadas por súbitos destellos de luz.

El título de la obra proviene de unos intrigantes versos incluídos por John Milton en su obra cumbre “El Paraíso Perdido“, y que fueron citados a su vez por el gran poeta luso Fernando Pessoa en uno de sus textos más visionarios.

“A dungeon horrible, on all sides round,
As one great furnace flamed; yet from those flames
No light; but rather darkness visible
Served only to discover sights of woe,
Regions of sorrow, doleful shades, where peace
And rest can never dwell, hope never comes“

(John Milton, Paradise Lost, Llibre i, línia 62)

“Es la primera luz, que no es más que oscuridad visible. Es el fin, porque es descubrir con la vista que se ha nacido ciego.“

(Fernando Pessoa, La hora del diablo)

Estructuralmente, la obra se desarrolla en forma de arco sin solución de continuidad, que integra diversas secciones contrastantes, con inclusión de un importante proceso climático central, confiriendo una particular relevancia a disposiciones de gran refinamiento tímbrico y transparencia casi camerística, que da lugar a intervenciones de los diferentes solistas de la orquesta, especialmente las maderas, sostenidas por texturas muy elaboradas, con un uso sistemático de los divisi de la cuerda en todos sus registros, pero con cierta preeminencia por sus tonalidades más graves y lejanas.

INSTRUMENTACIÓN

2 Flautas (2ª también Piccolo y Flauta en Sol), 2 Oboes (2º también Corno inglés), 2 Clarinetes en Sib (2º también Clarinete Bajo en Sib), 2 Fagotes, 4 Trompas en Fa, 3 Trompetas en Do, 3 Trombones (tenor-bajo), Tuba, Timpani, Percusión (2 ejecutantes = I: Bombo, Vibráfono, Bongos, Triángulo, Wood-blocks, Caja china, Pandereta (pequeña); II: Tam-Tam, Platos suspendidos, Platos, Glockenspiel, Crótalos, Gong chino, Maracas, Claves), Cuerda: Violines I, Violines II, Violas, Violonchelos, Contrabajos(mínimo: 12, 10, 8, 8, 6)

La presente obra está dedicada a Lourdes Antrás Aubry

CRÍTICAS

"El concert va començar de forma immillorable amb una bella peça orquestral de Benet Casablancas, compositor resident de L’Auditori, titulada Darkness Visible. L’aparent oxímoron del títol, pres d’una cita de Fernando Pessoa (“És la primera llum, que no és més que foscor visible”) extreta al seu torn d’uns versos de El paradís perdut de John Milton, simbolitza a la perfecció l’ambiciosa voluntat de Casablancas, i el seu indubtable talent, per endinsar-se en una nocturnitat sonora d’àmplia orquestració que atrapa inevitablement al melòman." (Enric Ros, La Finestra Digital)

"Primer va ser el torn de l’estrena de Casablancas. Darkness visible (Foscor visible) esdevé la tercera part de la trilogia integrada per The dark backward of time i After klang. L’obra pren la inspiració d’uns versos de Milton pertanyents a El paradís perdut i que van ser citats per Fernando Pessoa en L’hora del diable. Els versos diuen així: “És la primera llum, que no és més que foscor visible. És el final, perquè és descobrir amb la vista que s’ha nascut cec.” Després que Josep Pons dirigís al Barbican de Londres les Set escenes de Hamlet, Jurowski va mostrar interès per l’obra del compositor sabadellenc i li va demanar una obra nova, per estrenar-la en el decurs de la gira que faria amb l’LPO per Espanya. Malgrat que Josep Pons ja va enregistrar aquesta partitura amb l’ONE, ara aquest nocturn que clou la trilogia es presentava per primer cop en públic. Obra que amb disset minuts de durada es mou per unes textures refinades, per crear darrere un brillant treball d’orquestració una música evocadora que es mou per sonoritats properes al piano i que malgrat assolir instants de moderada vivacitat, s’allunya en tot moment d’unes dinàmiques abruptes per recrear així una atmosfera plàcida i temperada. Música que denota una sàvia orquestració; música que cerca uns timbres acurats per a la seva conjunció; música que en definitiva dibuixa un quadre en què els timbres i reptes harmònics prevalen per sobre de la melodia i que resulta fidel a un llenguatge plenament avantguardista. Certament, la versió d’una orquestra com l’LPO va resultar incommensurable per la seva intensitat musical, per la capacitat de suggerir i pintar unes harmonies plenes de densitat i alhora de transparència. Una versió contundent, brillant i tècnicament impecable que feia justícia al gran treball dut a terme per Casablancas." (Lluis Trullén, Revista Musical Catalana)

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93Impromptu

para piano (2009) 4’ 50”

Formación : Instrumento Solista

Editorial : Tritó - www.trito.es

Estreno : Paris, 21 de noviembre, 19hs.
Kristiina Junttu
Au Temple Saint Marcel (24, rue Pierre Nicole, 75005 Paris-RER Port Royal)

Comentarios : La pieza es fruto de un encargo del Festival “La Nuit d´Atempo de Paris“ y está dedicada a la pianista finlandesa Kristiina Junttu.

“Impromptu”, para piano (2009)

La presente pieza, con una duración cercana a los cinco minutos, fue escrita en octubre de 2009 por encargo del Festival “La nuit d´Atempo“ de Paris a instancias de su director artístico Diógenes Rivas, para su inclusión en un programa centrado en la evolución del género impromptu, en un recorrido desde Schubert hasta la actualidad. Su estreno absoluto tuvo lugar en sendos conciertos celebrados aquel mismo año en Paris (21 de noviembre, Temple Saint Marcel) y Barcelona (26 de noviembre, Auditorio del Conservatorio Superior de Música del Liceo) y corrió a cargo de la prestigiosa pianista finlandesa Kristiina Junttu, a quien la obra está dedicada. “Impromptu“ hace suyo el espíritu del género, caracterizado por la fluidez formal y la expresión directa de registros emocionales diversos y contrastantes, evocando con frecuencia el carácter de una libre improvisación propio del mismo. En el curso de la obra se suceden los episodios de gran vivacidad y abiertamente lúdicos, con sus juegos rítmicos y centelleantes arabescos melódicos, con páginas de mayor hondura expresiva, con introducción de amplias formaciones armónicas y el despliegue de poderosos y sostenidos clímaxs, poniendo todo ello a prueba la ductilidad y el virtuosismo del intérprete.

La presente pieza viene así a engrosar la producción pianística reciente del autor, en la que se inscriben igualmente los “Tres Haiku“ (TR 632), “Tombeau“ (TR 459). “Siete Epigramas“ (TR 393) y “Tres Bagatelas“ (TR 398), obras todas ellas publicadas por TRITÓ Edicions, así como el recién estrenado “Lamento. Haiku para Ramón Barce“. Dicha intérprete ha incluído a menudo la obra en sus recitales, como es el caso de la tournée de seis conciertos por diversas ciudades finlandesas (Kitee, Joensuu, Hämeenlinna, Oulu, Tampere y Helsinki) celebrados a lo largo de 2010.

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92Lamento. Haiku para Ramón Barce

para piano (2009) 2’ 30”

Formación : Instrumento Solista

Editorial : UME & Music Sales

Estreno : Madrid, 14 de diciembre, 19:30hs., Sala de Cámara del Auditorio Nacional

Comentarios : La pieza, dedicada a Diego Fernández Magdaleno, será estrenada junto a otros 25 estrenos absolutos dentro del concierto en homenaje a Ramón Barce en el día del primer aniversario de su fallecimiento.

COMENTARIOS SOBRE LA OBRA

La presente pieza, de dimensiones concisas y factura emocional intensa, fue escrita a finales del año 2009 como fruto de un encargo del pianista vallisoletano Diego Fernández Magdaleno, incansable divulgador de la música actual, con motivo del concierto de homenaje al compositor y musicólogo español Ramón Barce que se celebró en diciembre de este mismo año en el Auditorio Nacional de Madrid, en el primer aniversario de su fallecimiento. La obra, de carácter grave y perfil evocador, se adscribe a la tradición elegíaca del Lamento y del Tombeau, participando al mismo tiempo de la esencialidad y voluntad de síntesis patentes en otras páginas del autor, como los “Tres Aforismos“, el “Tríptico infantil”, los “Siete Epigramas” y muy particularmente la colección de “Haiku” para piano y para distintas formaciones camerísticas, que tienen en la inmediatez expresiva y el desnudamiento de toda retórica su razón de ser. La pieza, que constituye la aportación más reciente del autor a su amplio catálogo pianístico (grabado en su mayor parte por Naxos en el año 2008), refleja muy bien el lenguaje actual del compositor, presidido por una paleta armónica versátil y colorística, y donde conviven texturas y figuraciones muy contrastadas, el juego motívico y la fluidez rítmica. La obra, con una duración cercana a los 2:30 minutos, ha sido editada por The Music Sales Group.

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91Four Darks in Red

after Mark Rothko (2009) 12’

15 orquestas

Formación : Orquesta de cámara

Editorial : Tritó - www.trito.es

Estreno : New York, 25 February, 8:00 PM, Miller Theatre at Columbia University

Comentarios : This piece has been commissioned by Miller Theatre for the “Composer Portrait Benet Casablancas“ at The Miller Theatre at Columbia Universiity.

The new piece, written for a chamber orchestra, is called “Four Darks in Red“, after a painting by Mark Rothko, in honour of the american painter, of russian origin. It will be performed by Perspectives Ensemble (artistic director Sato Moughalian), conducted by Ángel Gil-Ordóñez.

Sobre “Four Darks in Red“

La presente obra, escrita para orquesta de cámara y con una duración aproximada de 12 minutos, fue compuesta en Sabadell y Tagamanent entre los meses de mayo y octubre de 2009. La pieza constituye un encargo del Miller Theatre at Columbia University y de su director artístico George Steel para el Composer Portrait monográfico del 25 de febrero de 2010. La obra está inspirada por la pintura del mismo título de Mark Rothko, que tuve ocasión de admirar en la Tate de Londres en Octubre del año 2008, durante mi viaje a la capital británica con motivo del estreno en el Reino Unido de mis “Siete Escenas de Hamlet” (versión sinfónica) por la BBC Symphony Orchestra dirigida por Josep Pons. En este sentido, la organización formal de la pieza -la partitura comprende cuatro secciones que se desarrollan sin solución de continuidad- revela de algún modo una conexión con las cuatro grandes areas que dan forma a la pintura del artista norteamericano de origen ruso, leídas desde la parte superior a la inferior (así, por ejemplo, la zona oscura motiva el desplazamiento general de la sonoridad hacia los registros más graves de la orquesta). En cualquier caso y como es característico de mi pensamiento musical, el ánimo de la pieza no es nunca descriptivo ni programático. Se trata de una respuesta empática y abstracta a la profunda admiración que siento por el lenguaje y por la obra de este gran artista, por su fuerte dramatismo y desnuda expresividad, animada por intensas pulsiones internas.

La sección lenta que abre la Parte IV se desliza gradualmente hacia una atmosfera contemplativa y más extática, cuyas dinámicas suaves conducen a la suspensión del tiempo y al umbral del silence. En este punto, la partitura incluye la cita de las siguientes palabras del autor: “Silence is so accurate” (El silencio es tan preciso). Sigue entonces la animada y vigorosa conclusión, con el carácter de una stretta, en la que podemos descubrir algunas referencias sumamente estilizadas a la música popular americana, que conducen la obra hacia un final exultante.

(Benet Casablancas)

http://www.tv3.cat/videos/2740690/La-musica-de-Benet-Casablancas-a-Nova-York

ENTREVISTA CON BENET CASABLANCAS

1. What composers have had the greatest influence on your work?

In the formative years, like most of my generation colleagues, the Second Viennese School. From then, great masters such as Stravinsky, Ravel and Berio have fascinated me, beyond their specific aesthetics, for the huge potential of their musical language, which shows a predominant attention to the harmonic aspects whose relevance hasn“t always been recognized by the vangard in recent times. But I am affectionate of many and very differents composers, historical periods, geographical origins, and genres of music, and I supose that all this reflects in some manner on the music that one self finally writes.

2. What process do you go through when writing a new piece of music?

The first stage is catching and writing down the simple musical ideas, motivic gestures, chords, some rhythms. This is a very happy period. I can do this everywhere! The most important -and most difficult, I believe- is what follows: to try to imagine the general form, to try to hear all the piece development in my mind. And last, the concrete beginning of the score from the measure 1 to the last bar, writing everything: poliphony, orchestration, etc. This last stage, very laborious, always leaves open the possibity that unplanned aspects or derivations, which sometimes become the most evocative discoveries of the finished piece, may appear.

3. What made you decide to compose Four Darks In Red for Miller Theater? Is being commissioned for a piece for a university theatre in New York different than being commissioned for a piece in Europe?

When I write a new piece, I have always in my mind the people that have commissioned it, and fundamentally the musicians and conductors that will perform it. I like painting (and other artistic languages) very much and Rothko specially fascinates me, as well as other artists like Klee or Picasso. I feel it is amazing to try to establish some kind of feedback between the different artistic languages, although eventually my music is never descriptive and remains strongly abstract in its character. But the work of these masters inspire me and arouse some possible correspondences with my musical lenguage, perhaps subliminally, which have an influence on it and mark it diferentially. It happpens in “Alter Klang. Impromptu for orchestra after Klee“ (2007), commissioned by Orquesta Nacional de España, in the piece about Rothko and in the work that I“ve just finished today, “Dove of peace. Hommage to Picasso“ (Chamber Concert nr 1 for clarinet and ensemble), commissioned by The Royal Liverpool Philharmonic Orchestra (2010). The fact that the present commission comes from this prestigious institution, the Miller Theatre, encourages me to honour the american culture. Therefore, when while planning my new piece in the winter of 2008 I did a trip to London for the UK Premiere of Hamlet by the BBC SO (that will have now his US premiere at Miller), I was very pleased to see a beatiful exhibition at Tate with the last paintings by Rothko. Then I had the idea of taking the painting of the same tittle by the russian born and american citoyen Mark Rothko as a way of gratitude to the friends from New York who had asked me to write a new piece to be premiered in the Composer Portrait. I like american music very much, from Ives to the Jazz, from Gerswhin and Bernstein to Carter, who I was proud to invite to Barcelona some years ago. For these reasons you can find some “clic-l´oeil“ to the ragtime, truely most stylized, in the conclusion of the piece, rithymically lively and harmonically brilliant and bright.

4. Your music is known for its personal and aesthetic independence. Mark
Rothko’s work is also known for those attributes. Did Rothko’s Four Darks In Red convey a certain independence to you? What about the painting inspired you?

Of course, Rothko“s work points out a very personal path in the context of abstraction, aimed in his case to the experience of the sublime. His paintings for Houston and Manhattan - that I had discovered when I was young in London - have a deep vibration, a mystical spirit, that “nostalgia of the absolute“ to which George Steiner refers. My interpretation, very different from that of Morton Feldman, an author who I hold in high regard, focuses in the most dramatic, intense, visionairy, even lyrical, aspects of his poetic universe, whose quiet static appearance hides an enormous inner palpitation, really moving. I think all of this has an influence in my work, which has moments of great symphonic breath, but also contains much more restrained passages. I know and admire not only Rothko“s painting, but his writings too. I quote in the score one short expression by him, that explains the supreme goal of art, but also its limits: “Silence is so accurate“.

5. Rothko’s painting is a striking mix of black, brown, and red colors
layered upon each other. I am a painter, not a musician, but it seems that writing music shares skills with painting a canvas. Do you think there are elements of visual art and composing music which are similar?

Beyond the inspiring force, the expressive incentives, the formal disposal of my piece establishes a certain paralelism with the spacial organisation and proportions of Rothko“s paintings, determining the number and length of its four sections, readed from top to bottom. It is also possible to discover certain concomitances between the counterpoints and chromatic tensions of the painting and some timbrical and textural aspects and in the register“s disposal of my composition. However, I must insist on the final autonomy of the musical discourse in oposition to other kinds of determining factors strange to its own needs. The effect on the spirit of the audience is the only and most important thing.

6. Jonathan Harvey writes that one of the greatest qualities of your music is that “the form and movements remain clear, the attention gripped; but not quite 100% is given, we know there is more to it, below the surface.”

Rothko’s paintings, like your music, leave a lasting impression on the viewer, something to contemplate longer after one sees the original lines and colors. What do you hope the listener will take away from Four Darks In Red long after the actual performance has finished?

I think one of the biggest problems of some contemporary musical expressions lays in neglecting communication. My strongest aim would be that my music might be able to establish some kind of feedback with the audience, moving and provoking it, opening new worlds of sensations, but without any concessions in its quality or artistic ambition. I feel that we are the heirs of an extraordinary rich and plural tradition, and we must all be eager to develop its fruits. My aim would be some kind of modern classicism that assumes this legacy and projects it to the future with the spirit of sharing it with and open-minded listener.

7. Rothko was said to be inspired by the philosopher Nietzche. I read that you have a philosophy background. Is philosophy something you think about when writing a new piece of music? Do you feel your music has its own philosophy, or message, beneath the sound?

Beethoven is thought to have said that “music is a higher revelation than any kind of phylosophy“. In fact his language is too concrete - as Mendelssohn specified and the great portuguese poet Pessoa corroborated in another sense afterwards - to be reduced to ordinary language. Music says something which escapes the sphere of the significant, concluded Adorno. Not only in its positive aspects, Steiner warned, refferring to the essential ambiguity of this art. But I still believe that the greatest art from every period - not only the music - has always an utopic dimension, in the broad meaning of the terms, which adds to its condition of way of knowledge, and projects us to a different register of reality.

I would advise the audience to open their ears, their minds, their hearts and let their feelings evolve freely, hoping that empathy may arise. I have aimed all my efforts in trying to make this possible.

Let me know thank all the people that have worked to make this project a reality, for their trust and enthusiasm: Miller Theatre, with Melissa Smey and George Steel at the head of it, Antoni Pizà, Mary Ann Newman, Sato Moughalian and Ángel Gil-Ordóñez, and all these great players of Perspectives Ensembles.

CRONICA EN THE COLUMBIA SPECTATOR

http://www.columbiaspectator.com/2010/02/23/catalan-composer-draws-inspiration-rothko-s-art

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90Jo tem la nit...

para coro mixto y piano (2008)

Formación : Coro mixto

Editorial : Editorial TRITO

Estreno : Barcelona, Petit Palau, 2008-12-17

Comentarios : CRITICAS

El gran interés del programa se centró pues en el estreno de Jo tem la nit,texto de J. V. Foix, primera obra coral de Benet Casablancas, un gran acierto. Obra potente en su concepción armónica y polifónica a la vez, con parte de piano in crescendo, y con un episodio central de fuerte planteamiento dramático y buen ritmo que culmina con dos suaves melodías unicordes y relajante armonía. Una muestra del buen momento
de este compositor.

JORGE DE PERSIA (La Vanguardia, 20-XII-2008)

* * *

Una bona manera de començar el cicle de cambra coral amb el Cor de Cambra va ser l´homenatge a Xavier Montsalvatge (...) Per això va contrastar l“obra d“encàrrec de la Fundació Caixa Catalunya per a cor i piano de Benet Casablancas, que es va intercalar en el concert, i que, beneïdament!, estava inspirada en el poema «Jo tem la nit...», del recull Sol i de dol, de JV Foix. És una obra molt sòlida i d“una ambició expressiva notable que ens va corprendre quan el cor, no sempre intel•ligible, devia reflectir els quasi mots finals del poema «Me“n meravell, i tem –oh nit que afines Astres i seny!». Molt eficient, el pianista Jordi Armengol, que va irisar amb dues obres pianístiques de Montsalvatge el ventall sonor del concert. La part solista de les Cuatro canciones negras va ser de la mezzo Magda Pujol.

JORDI MALUQUER
El Punt

GRABACIóN DISPONIBLE EN:

http://fileman.catradio.cat/fileman/send.asp?a=pubdl&f=bfrqiilcyx%5C2008%2D12%2D18+Cambra+Coral%2DOBRA+CASABLANCAS%2EZIP

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89Tres Haikus

para piano (2008) 4’

Formación : Instrumento Solista

Editorial : Editorial TRITÓ

Estreno : Jordi Masó, Teatre Principal de Sabadell, abril 2008

Comentarios : Benet Casablancas apostó por trasladar un género estrictamente poético, el del haiku japonés, al discurso musical. Tres piezas breves y sutiles reunidas a modo de Haikai-no-Renga o de colección de haikus de estilo uniforme.

El haiku fue una manifestación poética inicialmente cómica y creativa propiamente japonesa. Se originó a partir de una fuerte influencia de la literatura china aproximadamente hacia el siglo VIII. Posteriormente fue adquiriendo solidez como estilo poético definiéndose por un lenguaje sencillo, delicado y sutil pero a la vez riqueza de significado.

Tenían una estructura silábica muy característica de versos penta y heptasílabos alternados. Este patrón silábico es traducido por el compositor por cambios de compás y agrupaciones irregulares en los que son recurrentes los patrones de 5 y 7 pulsaciones.

COMENTARIOS SOBRE LA OBRA

Las presentes miniaturas, escritas en 2008, encabezan una colección de obras inspiradas en la concisión de las formas poéticas japonesas que llevan esta misma denominación; piezas de expresión directa y carácter contrastante, muy depuradas, a menudo elípticas y de carácter bienhumorado. La serie comprende también un ”Haiku para trio” y “Lamento. Haiku en memoria de Ramón Barce”, y el autor prepara ya nuvos haiku para piano, frutos todos ellos de la fascinación por las tradiciones culturales de Japón, país donde el autor tiene previsto presentarlos en diciembre de 2009. Originalmente integrados en el espectáculo teatral “Diálogos morales sobre la felicidad” del poeta Josep Ramón Bach, su estreno tuvo lugar en abril de 2008, y la interpretación corrió a cargo de Jordi Masó. Los “Tres Haiku” están publicados en la editorial Tritó.

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88Cuarteto de cuerda núm. 3 (Third String Quartet)

-'... raging in the dark - the night´s remorse'- (W. B. Yeats) (2008-2009) 24:’

Formación : Cuarteto de cuerda

Editorial : TRITÖ

Estreno : 31 de julio de 2009, Quartet Arditti
29è Festival Internacional de Músiques de Torroella de Montgrí

Comentarios : “El espíritu del hombre está obligado a escoger
La perfección de la vida o la de la obra,
Y si él opta por la segunda, debe rechazar
Una morada celeste, y echar tempestades en la oscuridad.”

(W. B. Yeats) *

La gestación de la presente obra se remonta al año 2006, atendiendo a la gentil petición del Cuarteto Arditti, pero su composición, interrumpida por el trabajo intensivo en las tres últimas piezas orquestales del autor, tuvo lugar fundamentalmente durante los meses de invierno y primavera del año 2009 y contó con una ayuda del CONCA (Generalitat de Catalunya). La obra, con una duración aproximada de 24 minutos, es la cuarta de las contribuciones del autor al género, tan exigente como rico en posibilidades técnicas y expresivas, epítome del espíritu más genuíno de la música de cámara. Producción que incluye tres cuartetos y la “Encore for Arditti”, pieza de carácter más lúdico y festivo, cubriendo un amplio abanico cronológico que se extiende desde los años de formación en Viena (1983) hasta la actualidad (2009), y que refleja la evolución del lenguaje e intereses del autor. Relación a la que habría que añadir la obra “D´Humanal fragment”, para contralto y cuarteto de cuerda, basada en textos de J.R. Bach. Formaciones como Euler Quartet de Zurich, Euridice Quartet de Amsterdam, Leipziger Streichquartett o Quixote Quartet, han prodigado estas obras, pero es sin duda con el prestigioso Cuarteto Arditti con quien el autor ha podido desarrollar una complicidad más fructífera y continuada en el tiempo, que culminó con la grabación de la integral de la música para cuerdas (Fundación Autor/Tritó).

El cuarteto, escrito en un solo movimiento, comprende tres grandes secciones que se desarrollan sin solución de continuidad, seguidas de un epílogo. Los tempi animados y la intensidad emocional de las secciones extremas, evocando los versos de Yeats que encabezan la partitura y donde los episodios scherzandi, los juegos polirítmicos y páginas de un abierto lirismo, conviven con poderosos procesos climáticos, determinan un fuerte contraste con el carácter extático y próximo al nocturno de la parte central (“the night´s remorse“, de nuevo con Yeats), de texturas sutiles y delicadas, apuntando a la suspensión del tiempo, aspecto que comparte con otras piezas del autor. La obra, muy exigente por lo que respecta a los recursos técnicos puestos en juego, participa de los rasgos estilísticos que marcan la música recienti del autor, donde el rigor del trabajo motívico evoluciona hacia una gestualidad musical más dúctil y diferenciada, y donde la densidad de la escritura polifónica da paso a una renovada atención a la vertiente armónica y a una mayor diversificación de estratos y texturas tímbricas, donde páginas de plenitud casi orquestal se contraponen a otras de gran transparencia e intimismo. Aspectos desarrollados previamente en el terreno sinfónico y que el autor ha querido ahora repensar y desplegar en el medio cuartetístico, partiendo de las especificidades que le son propias. La amplitud y profundidad alcanzada por determinados procesos armónicos, que tienen su máxima expresión en el clímax de la obra, determinan y se corresponden con las proporciones formales y aliento expansivo del discurso.

La obra, encargo de la Fundació Caixa de Catalunya, fue estrenada el 31 de julio de 2009 en marco del 29è Festival Internacional de Músiques de Torroella de Montgrí por el Cuarteto Arditti, artífices igualmente de su grabación dentro de la integral de la música para cuerdas del autor (Tritó/Fundación Autor; 2010). La obra está dedicada conjuntamente a Lourdes Antràs y Virgínia Casablancas.

* “The intellect of man is forced to choose
Perfection of the life, or of the work,
And if it take the second must refuse
A heavenly mansion, raging in the dark.”

CRITICAS

EL PAIS
CRÍTICA: CLÁSICA
Arditti y Casablancas, camino de perfección
JAVIER PÉREZ SENZ 03/08/2009

El cuarteto que lidera el violinista Irvine Arditti es una referencia en la interpretación de los clásicos del siglo XX y la música contemporánea. Llevan tres décadas paseando su pasión por la creación actual, árido repertorio que no suele gozar del favor del público, pero que defienden con absoluta maestría. Arditti es garantía de calidad y que anteanoche se impuso en el concierto que ofrecieron en la iglesia de Torroella de Montgrí (Baix Empordà).

No había concesiones en un bien perfilado programa que abrieron con el Beethoven más visionario, capaz de condensar en la crepuscular Gran Fuga, op. 133 su sublime pensamiento musical y, de paso, abrir ventanas a la música del futuro. Los Arditti lo tocaron con rigor, pero les quedó frío y cerebral: no es su repertorio habitual y se nota.

El nivel de calidad en su ejecución alcanzó la excelencia en el estreno del Cuarteto núm. 3 del compositor catalán Benet Casablancas (Sabadell, 1956), escrito a petición de Arditti. La escritura sólida y limpia de Casablancas revela la imaginación y la madurez de un compositor dueño de admirables recursos que ha depurado su lenguaje en un camino de perfección que no admite medianías. No es música de acceso fácil pero su atenta escucha revela el talento de un músico que, por delante de la exhibición de recursos, seduce con sutiles contrastes, sentido dramático y hondo lirismo. Lo exige todo a nivel técnico y su compleja escritura puede poner al descubierto con crudeza cualquier carencia interpretativa. No fue el caso: los Arditti lo tocaron fabulosamente (el joven viola Ralf Ehler se reveló como un instrumentista fuera de serie) y dejaron bien clara su familiaridad con el lenguaje de Casablancas, cuyas obras forman parte de su repertorio. También se notó el rodaje previo: el cuarteto ha grabado estos días en Torroella la integral de los cuartetos del compositor catalán (Fundación Autor).

Tras el estreno, recibido con cálidos aplausos, los Arditti tocaron dos obras maestras: el Cuarteto núm. 3 de Béla Bartók, y el Cuarteto en fa mayor, de Maurice Ravel. Los Arditti jugaron con la constante ambigüedad tonal de la pieza de Bartók (con sus mágicos glissandos) y desplegaron en la bellísima página de Ravel un sentido del ritmo, una calidez expresiva y una variedad de colores deslumbrante.

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LA VANGUARDIA
CRÍTICA DE MÚSICA CLÁSICA

Moderno y contemporáneo

Arditti Quartet Obras: de Beethoven, Casablancas, Bartók, Ravel Lugar y fecha: Iglesia de Torroella de Montgrí (31/ VII/ 2009)

JAUME RADIGALES

El “Cuarteto de cuerda n. º 3“ de Benet Casablancas revela la gran madurez del músico catalán
Lo contemporáneo puede concebirse desde prismas estrictamente sincrónicos, como signos de un tiempo inmóvil y sin trascenderlo. No es este el caso de la obra de Benet Casablancas, un autor contemporáneo porque está vivo y en activo pero que es a su vez tan moderno como Beethoven, Bartók o Ravel. Estos cuatro fueron los autores seleccionados para la presentación del Arditti Quartet en Torroella. Abrió el concierto, a modo de declaración de principios, una Gran fuga beethoveniana resuelta con excesiva transparencia, sin el dolor lacerante inherente a una partitura que, por muy moderna que resulte, parece un tanto ajena al repertorio natural de los miembros del cuarteto. Mucho más ensayado y a punto de salir en disco, el Cuarteto de cuerda n. º 3 de Casablancas revela la madurez del músico catalán por su concienzudo trabajo en las texturas expresivas de los distintos episodios que configuran una pieza que bascula entre la nocturnidad lírica y un punzante y sobrecogedor expresionismo. La excelente y carnal prestación de los miembros del cuarteto, con insobornables convicciones expresivas, contribuyó al éxito de la pieza, seguida con emoción por el músico de Sabadell.

Otro tercer cuarteto, el de Béla Bartók, abrió la segunda parte con resultados igualmente notorios (bravo por el viola Ralf Ehlers), aunque la joya de la corona fue el Cuarteto en fa mayor de Ravel, gracias a la transparencia en las líneas, a la afinación perfecta, a los bloques compactos y dúctiles al mismo tiempo, que los Arditti dieron a la partitura. Se demostró así que Ravel puede ser nuestro contemporáneo gracias a su modernidad en la escritura. Y se demostró, una vez más, que el Arditti Quartet es una de las mejores formaciones de cámara de la actualidad. Bravo por el Festival de Torroella ante la iniciativa de invitarlo.

SCHERZO
(octubre 2009)

Festival de Torroella de Montgrí
La calidad como meta

Torroella de Montgrí, 31/ VII/ 2009. Cuarteto Arditti. Obras de Beethoven, Casablancas, Bartók y Ravel.

JAVIER PEREZ SENZ

El éxito también acompañó al compositor catalán Benet Casablancas en el estreno de su Cuarteto nº 3, a cargo del Cuarteto Arditti. De hecho, la interpretación de su pieza fue lo más notable de un programa sin concesiones que se abrió con una fría y cerebral versión de la Gran fuga, op. 133 de Beethoven y continuó con dos lecturas mucho más contrastadas del Cuarteto nº 3 de Bartók, y el Cuarteto en fa mayor , de Ravel. La rigurosa y transparente escritura de Casablancas brilla en una pieza de gran madurez expresiva, orgullosa heredera de la mejor tradición del siglo XX y de gran perfección técnica. Los Arditti tocaron la flamante partitura con admirable maestría tras un rodaje previo de altura: la grabación en Torroella de la integral de sus cuartetos, que editará el sello Fundación Autor.

Muestra de Partitura : (847 kb.) descargar

87Haiku

para trio (2007) 1’ 53”

Formación : Trio con piano

Editorial : TRITO - www.trito.es

Estreno : Encargo del Trio Mompou con motivo de los conciertos celebrados con motivo del aniversario de la formación y recogido en el disco grabado en dicha ocasión 'XXV Años 1982-2007 Trio Mompou'

Comentarios : La presente pieza, cuya duración no supera los dos minutos, fue escrita en 2007 por encargo del Trio Mompou para festejar el 25 aniversario de dicha formación, y su estreno tuvo lugar en sendos conciertos en Santander (Fundación Marcelino Botín) y Madrid (Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) los días 22 y 29 de octubre del mismo año, celebrando así una larga y fructífera relación artística que había dado ya origen anteriormente a otros dos trios. La pieza responde a la fascinación del autor por la cultura clásica japonesa y la exquisita factura formal y expresiva del género poético del Haiku, con gran riqueza de posibilidades en su aplicación al terreno musical, inspiración que preside también los “Tres Haikus“ para piano solo (2008), publicados por esta misma editorial (TR 679). En el curso de la obra, muy concisa y de expresión directa y contrastada, se suceden los pasajes enérgicos y rítmicamente activos con otros de factura más lírica, mayor profundidad armónica y expresión extática, para culminar en la exultante eclosión de tríadas perfectas mayores de los compases finales, sellando con ello la motivación festiva de la pieza. El presente “Haiku” fue llevado al disco por los mismos artífices de su estreno: “Trio Mompou. XXV Años 1982-2007” (Sello Autor SA01399). Su estreno en Japón tuvo lugar en diciembre de 2009, durante la gira de conciertos y conferencias que el autor y el Trio Kandinsky realizaron por diversas ciudades niponas (Tokio, Nagoya y Osaka)

Muestra de Audio : (4553 kb.) descargar

Muestra de Partitura : (148 kb.) descargar

86Retablo sobre textos de Paul Klee

(2007) 10’ 30”

Formación : Música vocal

Editorial : Tritó - www.trito.es

Estreno : Madrid, 29 de abril de 2007
Mercedes Lario, Marta Knorr y Aurelio Viribay
Auditorio de la Fundación Canal de Madrid.

Comentarios :
La presente obra, para soprano, mezzosoprano y piano, fue escrita durante los meses de febrero y marzo del 2007, por encargo de la Fundación Canal para el Ciclo “Solistas de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid”. La obra toma como base diferentes textos del pintor, poeta y también músico Paul Klee, procedentes de sus “Diarios” -que incluyen tanto aforismos como poemas propiamente dichos- y de su misma producción pictórica, como el que cierra la presente colección y que figura inscrito en el lienzo “Einst dem Grau der Nacht enttaucht” (Antaño surgido del gris de la noche). La obra del artista suizo, distinguida por la sutil vibración de sus ritmos internos, equilibrio dinámico de formas y tonalidades, recóndito aliento expresivo y distante lirismo, daba ya título a la anterior obra del autor, “Alter Klang. Impromptu para gran orquesta” (2006), donde la referencia a Klee actuaba como lejana fuente de inspiración y homenaje, fascinado por su carga poética y sin ánimo programático alguno. Las resonancias arcanas e intemporales de dicho título le permitían entonces profundizar en la exploración del espacio armónico emprendida en sus últimas obras, con la recurrencia de determinadas armonías básicas y frecuentes contraluces tímbricos y texturales, y con el despliegue de secciones enteras de tiempo suspendido y expresión contemplativa, ajenas al fluir temporal. Registros expresivos que retoma y desarrolla el presente “Retablo”, en clara continuidad con la pieza anterior, que quiere responder al significado último de unos textos sumamente sugerentes y ricos en imágenes, que nos acercan con aparente sencillez, elegancia y concisión al pensamiento artístico más íntimo y personal del pintor, enfrentado al misterio de la creación. La vocación literalmente utópica del arte, la búsqueda y el sentido de pertenencia a un mundo “otro”, a un registro ajeno a la realidad ordinaria culmina en la última sección de la obra, de carácter extático -de éxtasis- y con las dos voces flotando en su registro más agudo, sostenidas por amplios y prolongados acordes del piano, extraños al fluir temporal.

La presente partitura, de una duración aproximada de diez minutos, está dedicada a Mercedes Lario, Marta Knorr y Aurelio Viribay, que fueron artífices de su estreno absoluto el 29 de abril de 2007 en el Auditorio de la Fundación Canal de Madrid.

TEXTOS

[Der Epigon]

In mir kreist das Blut einer bessern Zeit.
Durch die Gegenwart schlafwandelnd,
hänge ich an der alten Heimat,
am Grab meiner Heimat.
Dem alles vorschlang der Boden.
Die südliche Sonne hilft nicht meinen Leiden.

***

Das Herz welches für diese Welt schlug
is in mir wie zu Tode getroffen.
Als ob mich mit “diesen” Dingen
nur noch Erinnerungen verbinden....
Ob nun der kristallisnische Typ aus mir wird?

***

Diesseitig bin ich gar nicht fassbar.
Denn ich wohne grad so gut bei den Toten,
wie bei den Ungeborenen.
Etwas näher dem Herzen der Schöpfung als üblich.
Und noch lange nicht nahe genug.

***

[Bahn]

Einst dem Grau der Nacht enttaucht.
Dan schwer und Teuer
und Stark vom Feuer.
Abends voll von Gott und gebeugt.

Nun ätherlings vom Blau umschauert,
entschwebt über Firnen,
zu klugen Gestirnen.

TRADUCCIÓN DE LOS TEXTOS

(trad. de Andrés Sánchez Pascual)

[El epígono]

En mí corre la sangre de un tiempo mejor.
Camino sonámbulo por el presente,
de la vieja tierra natal suspendido,
de la tumba de mi tierra natal.
Pues el suelo se lo tragó todo.
El sol del sur no ayuda a mi sufrir.

***

El corazón que latía para este mundo
ha sido herido de muerte dentro de mí.
Como si ya sólo me ligaran
recuerdos a “estas” cosas...
¿Me convertiré ahora en el tipo cristalino?

***

Del lado de acá soy completamente inaprensible.
Pues habito tan bien entre los muertos
como entre los no nacidos.
Algo más cerca del corazón de la creación que lo habitual.
Y aún no, ni de lejos, lo bastante cerca.

***

[Dirección]

Antaño surgido del gris de la noche.
Luego, pesado y caro
y rebosante de fuego.
Al atardecer, lleno de Dios y vencido.

Ahora, etéreamente envuelto en el áspero azul,
se aleja flotando sobre los ventisqueros
hacia inteligentes estrellas.

85Alter Klang

Impromptu para orquesta (a partir de Paul Klee) (2006) 19’

Formación : Orquesta sinfónica

Editorial : Editorial TRITÓ

Estreno : Orquesta Nacional de España, dir. Josep Pons (Madrid: Auditorio Nacional, 16, 17 y 18 Febrero de 2007)

Comentarios : Encargo de la Orquesta Nacional de España

Grabaciones: Radio Nacional de España (Radio Clásica)

“ALTER KLANG”
-Impromptu para oquesta-

“Alter Klang” (Sonoridad antigua) es el nombre de una bella y conocida tela del pintor y también músico Paul Klee, subtitulada por su autor “Abstracción sobre fondo negro”, y que se distingue por la sutil vibración de sus ritmos internos, equilibrio dinámico de formas y tonalidades, recóndito aliento expresivo y distante lirismo, cualidades éstas últimas que determinan un rasgo general de la producción del artista suizo. El autor, desde siempre muy sensible al diálogo entre las distintas artes, adopta dicho título para su “Impromptu para gran orquesta”, como lejana fuente de inspiración y homenaje, sin que de ello se derive ánimo programático alguno, más allá de la fascinación por las connotaciones poéticas del título, de resonancias arcanas e intemporales, lo que le permite profundizar en la exploración del espacio armónico emprendida en sus últimas obras, con la recurrencia de determinadas armonías básicas y frecuentes contraluces tímbricos y texturales, así como en el sentido rítmico que preside sus articulaciones formales, y en el despliegue de secciones enteras de tiempo suspendido y expresión contemplativa, ajenas al fluir temporal. Aspectos estrechamente vinculadas a la experiencia del paso del tiempo y al vano intento de aprehenderlo y escapar a su tiranía que presidían igualmente la anterior obra orquestal del autor, “The Dark Backward of Time” (2005), de la que la presente constituye un desarrollo lógico y con la que forma, a pesar de su personalidad propia, cierta unidad conceptual y afectiva.
La pieza, de proporciones amplias y escrita para un importante dispositivo instrumental, aunque el tratamiento deviene con frecuencia genuinamente camerístico, se desarrolla en un movimiento único, de animación y tensión crecientes, precedido por una introducción -”Lento e calmo”- con gran protagonismo de la flauta solista, que sólo verá interrumpido momentáneamente su curso por un interludio central de tempo muy lento y carácter extático. El movimiento retoma seguidamente su pulso agitado e impetuoso generando un amplio proceso climático que culminará en un poderoso coral del metal. Poco a poco remite la tensión acumulada para dar paso al Epílogo, de perfil sosegado y intimista, contrapeso necesario al proceso precedente, recuperando el clima tranquilo del inicio, concluyendo con una reminiscencia del solo de flauta que la abría la obra. Todo ello da origen a un discurso muy contrastado donde pasajes de luminosa trasparencia y delicadas texturas dispuestas en estratos sumamente diferenciados, con un divisionismo casi impresionista de las partes, se contraponen con otras de gran plenitud sonora y orquestación rutilante, y donde el juego caleidoscópico de polifonías y las secciones scherzandi de gran viveza rítmica, con intervenciones solistas de la madera de acusado virtuosismo, puntuadas por fulgurantes destellos de toda la orquesta, conviven con episodios líricos y páginas de mayor hondura expresiva y sonoridades largamente sostenidas.
La partitura, encargo de la Orquesta Nacional de España, fue escrita durante los meses de mayo a noviembre de 2006. Con una duración cercana a los dieciocho minutos, la obra está dedicada a Josep Pons, artífice, junto a la ONE, de su estreno el 16 de febrero de 2007 en el Auditorio Nacional de Madrid.

Alter Klang by Benet Casablancas in Holland, Belgium and Sweden
9.01.2009

The Dutch youth orchestra, Nationaal Jeugd Orkest, conducted by Reinbert de Leeuw, has chosen the work Alter Klang by Benet Casablancas for its January concert tour, which takes it to the cities of Amsterdam, Rotterdam and Utrecht in Holland and Antwerp in Belgium. This work consolidates Benet Casablancas’ place among the most internationally acclaimed Spanish composers.

Alter Klang (Antique harmonies) refers back to a well-known painting with the same name by Paul Klee. The composer brings a broad spectrum of sustained rhetorical resources and synesthesiae into play, which emerged in the adaptation of the pictorial language to music.

Composed in a sole movement for large orchestra it has received chamber music treatment on various occasions. It is dedicated to Josep Pons, who conducted the premiere at the Auditorio Nacional de Madrid in 2007. This same conductor will perform it in Malmö (Sweden) with the Malmö Symphony Orchestra in April.

Alter Klang

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http://www.mso.se/upload/08%2009%20programpdf/web2%20april%20josrpx2%2009.pdf

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COMENTARIOS SOBRE “ALTER KLANG“, por Víctor Estapé

En el presente concierto coinciden dos obras que toman su título, y su inspiración, de sendas obras pictóricas. La relación entre la música y las artes plásticas no es fácil de definir y, aunque son muchas las obras musicales surgidas de la contemplación de pinturas (Hindemith, Sinfonía Mathis der Maler), así como de esculturas (Liszt, Il penseroso) o de obras arquitectónicas (Debussy, La puerta del vino), no es fácil decir cómo puede una pieza sonora expresar el contenido de una composición visual. Quizás es obvio que en algunos casos esta traducción se centra principalmente en el tema o los personajes del dibujo o la pintura (como pasa en uno de los ejemplos más grandes de ilustración musical de obras gráficas, los Cuadros de una exposición de Mussorgsky). Pero las dos composiciones “pictóricas” que figuran en este programa no mantienen una relación de este tipo con sus referencias plásticas: una de ellas porque se basa en una pintura abstracta y la otra porque, a pesar de que su tema podría sugerir los más prolijos argumentos dramáticos, todo ndica que el compositor deseaba expresar su emoción, y no describir el objeto de su contemplación. Como dijera Beethoven sobre su Sinfonía pastoral, también aquí se trata “más de expresión de sentimientos que de pintura” (según Donald F. Tovey, “lo primero y lo último con sentido común que se ha dicho sobre la música programática en general”).

En los últimos años Benet Casablancas se ha consolidado definitivamente como uno de los compositores españoles más relevantes. Sin olvidar su importantísima labor como musicólogo, ensayista y profesor (es Director académico del Conservatorio del Liceo de Barcelona), su actividad creativa muestra una intensidad y un nivel de calidad inusuales. Su lenguaje está especialmente vinculado en sus orígenes con la Escuela de Viena (fue discípulo de Friedrich Cerha, uno de los grandes de la música vienesa más reciente, a quien debemos la versión completa de la Lulu de Alban Berg), pero gracias a una sana reacción contra el dogmatismo de las vanguardias históricas, Casablancas ha podido unir en un idioma muy personal en el que, rehuyendo el eclecticismo, se sacan consecuencias del legado de los grandes maestros del Siglo XX. La recuperación de la capacidad diferenciadora de la armonía, la búsqueda de la perfección en el oficio y una sincera voluntad de comunicación que no represente rebajar la complejidad de los materiales y el discurso musical, son los principios que inspiran la labor creativa de este compositor. En la primera década del Siglo XXI, la obra de Casablancas se ha enriquecido con varias obras orquestales de gran ambición: Tres Epigramas, The Dark Backward of Time, Darkness visible,... Entre ellas figura Alter Klang, compuesta como encargo de la Orquesta Nacional de España entre mayo y noviembre de 2006. El director Josep Pons, a quien está dedicada la obra, dirigió a la ONE en el estreno, que tuvo lugar el 16 de febrero de 2007 en el Auditorio Nacional. Desde entonces la obra ha sido interpretada en varios países europeos, lo que le ha dado un difusión que no siempre es fácil para una obra contemporánea de este formato.

Escrita para una gran formación orquestal, con maderas a tres, cuerdas con frecuencia muy subdivididas y un nutrido aparato de percusión, Alter Klang (subtitulada como Impromptu para gran orquesta) está estructurada en un solo gran movimiento en el que se desarrolla una introducción, un proceso central de gran acumulación de tensión y una conclusión seguida de un epílogo que aparecerá después de un violento clímax. El compositor que, también ha tomado su inspiración de Paul Klee en su Retablo para voces y piano, le ha dado ta esta obra el título de una conocida pintura del artista suizo (que puede traducirse como “Sonoridad antigua”). Aunque Casablancas rechaza posibles interpretaciones programáticas y afirme que la obra de Klee es una “lejana fuente de inspiración y homenaje”, sin más relación directa que “la fascinación por las connotaciones poéticas del título”, la división de la música en numerosos episodios, agrupados de maneras muy diferentes y con iluminación y tímbrica muy distinta, aunque generando una continuidad a gran escala, puede tener un paralelo en el Alter Klang de Klee: una estructura semejante a una cuadrícula, pero en la que cada cada subdivisión es sutilmente diferente en color, tamaño y forma, y en la que la sucesión rítmica de cuadros da lugar a contrastes dramáticos de luz e intensidad, sugiriendo unidades formales de distintos niveles así como un argumento formal a gran escala, al mismo tiempo estático y móvil.

En el pasaje introductorio del Alter Klang de Casablancas destaca el protagonismo de la flauta, con solos de connotaciones al mismo tiempo virtuosísticas y naturalistas. Las sonoridades delicadamente misteriosas y estáticas de la orquesta que, a pesar de sus enormes efectivos, es con frecuencia tratada con el color íntimo de la música de cámara, dan paso en la gran sección central a un movimiento de incansable agitación, con momentos eventuales de reposo y de extraño lirismo, pero que se dirige con intensidad creciente hacia el punto culminante de la obra, cuya llegada es señalada por un himno de los instrumentos de metal. Aunque la parte final de la obra puede volver todavía a la agitación, la tendencia hacia la calma domina el proceso. El epílogo contiene una alusión a la intervención inicial de la flauta, cerrando así la obra con el regreso a la tranquilidad con que comenzaba.

Víctor Estapé (2010; programa de mano ORCAM, 10 de enero de 2010)

Muestra de Partitura : (110 kb.) descargar

84Intrada sobre el nom de Dalí

Variacions sobre tres notes (2006) 3’

Formación : Orquesta sinfónica

Editorial : Tritó - www.trito.es

Estreno : Dissabte 8 de maig de 2006, 22 h
Teatre Jardí de Figueres

Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya, dirigida pel Mestre Antoni Ros Marbà

PROGRAMA DEL CONCERT DEL CENTENARI

Comentarios : Obra escrita por encargo de la Fundació Gala-Dalí en conmemoración del centenario del artista

http://www.salvador-dali.org/serveis/es_concert.html?ID=7

CRITICA
La música regresó al Palau

XAVIER PUJOL
EL PAÍS - 21-09-2009

El regreso se ofició con la inauguración del ciclo Simfònics al Palau, que organizan la Fundación Orfeó Català Palau de la Música Catalana y la Orquestra Simfònica del Vallès.

El programa estuvo integrado por Intrada sobre el nom de Dalí, de Benet Casablancas, brevísima fanfarria brillante y de densa, experta y espectacular escritura que sacudió y preparó para la segunda pieza de la sesión, el viejo y siempre renovadamente amado Concierto para violín de Beethoven, que permitió el debut en España de la joven y portentosa violinista moscovita Alexandra Soumm.

Muestra de Audio : (6294 kb.) descargar

Muestra de Partitura : (83 kb.) descargar

83Tre Divertimenti

(2006) 11’ 20”

Formación : Piano a cuatro manos

Editorial : Tritó - www.trito.es

Comentarios : El género de la música para piano a cuatro manos parece vinculado con la Hausmusik de épocas pasadas, y se encuentran pocos ejemplos de obras importantes para ese medio en tiempos recientes. Es por ello que los Tre Divertimenti para piano a cuatro manos de 2006, escritos precisamente para los intérpretes de esta grabación, representan una muy sugerente y novedosa aportación. Si bien el piano a cuatro manos no ha sido tradicionalmente un terreno para desplegar el virtuosismo, en la primera y en la última de las tres piezas predominan los pasajes brillantes, con el tipo de escritura propia de las composiciones inmediatamente anteriores de Casablancas, favorecida ahora por los recursos que un segundo pianista ofrece en el juego gestual y en la densidad de los acontecimientos sonoros. En el Notturno central los momentos de contemplación estática crean ricas pero extremadamente delicadas texturas. Esta obra, por ahora la última en el catálogo pianístico del compositor, hace evidente que su creatividad en este campo está muy lejos de agotarse. Esta grabación es testimonio de una producción madura y muy completa y, al mismo tiempo, anuncia sin duda nuevas obras a esperar con el mayor interés.

(Víctor Estapé; NAXOS)

CRÍTICA

Emili Brugalla y Vesko Stambolov: Ravel, Ligeti Stravinsky y Casablancas
(Santa Coloma de Gramenet. 25/11/16. Auditorio Can Roig i Torres)

Riqueza orgánica

La imaginación sonora y el juego irónico y contrastante que articulan la “intrada” y el “finale”, primera y tercera pieza de los Tre divertimenti (2006) de Benet Casablancas, encontraron traducción en la versatilidad y el cuidado por el matiz de los dos pianistas, así como la sabia administración de las atmósferas que conviven en poco espacio, atravesadas por un meditativo e impresionista Intermezzo en el que el dúo dotó de personalidad individual a cada una de las pequeñas limaduras de sonido. En la obra conviven el color stravinskiano junto al detallismo debussysta; la expresividad tortuosa de las últimas sonatas de Skriabin en el primero de los tres “divertimenti”, junto a el ensueño misterioso que habíamos oído en Ravel, aunque en un contexto ahora diferente. En él se sumergieron Brugalla y Stambolov con notable prestancia, recorriendo los vericuetos de una obra que han sabido hacer suya, recibiendo el agradecimiento del compositor que estaba presente en la sala, visiblemente satisfecho con el resultado.

(Diego Civilotti, Platea Magazine, 29 Noviembre 2016)

Muestra de Partitura : (396 kb.) descargar

82Passacaglia

para violín solo (2006) 14’ 30”

Formación : Instrumento Solista

Editorial : Tritó - www.trito.es

Comentarios :
Encargo de Corrado Bolsi, a quien la pieza está dedicada

COMENTARIOS SOBRE LA OBRA

La forma rigurosa i a la vez libre e inspiradora de la passacaglia, nacida -como otras tipologías de la escritura canónica y contrapuntística- de la tensión entre la firmeza de la ley y la fluidez de la imaginación, conformando una dialéctica que por lo que tiene de reto a la inventiva ha tentado a numerosos compositores del pasado y del presente, aparece en diversos momentos de la producción de Casablancas. Lo hace de manera explícita en el segundo movimiento -Quasi Passacaglia- de la "Petita Música Nocturna" (1992) y singularmente en “In modo di Passacaglia” (1996), para grupo instrumental, retornando más tarde en la pieza central del “Tríptico” para violonchelo solo (1996), realización incluída igualmente en este programa. Con la "Passacaglia" para violín solo (2006) el autor regresa a dicha disposición y lo hace con una pieza de proporciones notables, cuya duración supera los doce minutos. La obra constituye un claro homenaje a las obras maestras del género y un tributo a la amistad del excelente violinista Corrado Bolsi, a quien la obra está dedicada y que le encargó la misma con destino a un programa que incluía asimismo la “Passacaglia” de Biber, cuyo motivo básico de cuatro notas será aludido fugazmente hacia el final de la obra. La presente pieza se desarrolla a lo largo de 32 variaciones que se suceden sin solución de continuidad, definiendo un proceso de carácter acumulativo y marcado por una tensión creciente -que culmina en una Fuga a tres voces-, aunque la sucesión de las distintas variaciones dejará entrever un diseño formal global tripartito, rubricado por una stretta conclusiva. La pieza, sumamente exigente para el intérprete, hace amplio uso de los recursos y procedimientos más idiomáticos del violín, con un uso generoso de la polifonía, la técnica del “bariolage” y el ilusionismo de texturas, y donde los pasajes de gran vivacidad, rítmica compleja y rarificación tímbrica conviven con otros de carácter más cantabile y notable vuelo lírico.

81The Dark Backward of Time

(2005) 17’ 30”

Formación : Orquesta sinfónica

Editorial : Tritó - www.trito.es

Estreno : Orquestra Simfónica de Barcelona y Nacional de Catalunya, dir. Ernest Martínez Izquierdo (Barcelona, 14 de enero de 2006)

Comentarios : Encargo: Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya i Fundació Caixa Catalunya

Grabaciones: Catalunya Música / Radio Nacional de España (Radio Clásica)

Orquesta Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya,
dir. Salvador Mas (CD “Orchestral Works“; NAXOS in forthcoming)

Obra finalista del Premio Prince Pierre de Monaco de Composición 2007

COMENTARIOS SOBRE LA OBRA

La obra de Shakespeare ha acompañado en todo momento a Benet Casablancas, quien basaría en la tragedia de Hamlet una de sus obras más divulgadas (“Set Escenas de Hamlet”, para recitador y orquesta de cámara, 1989). Las palabras de Próspero en “La Tempestad” constituyen una de las expresiones más enigmáticas del bardo inglés, excitando su ambigua opacidad la imaginación de artistas, críticos, filósofos, hombres de ciencia y escritores (en nuestros pagos Javier Marías). Palabras de sonoridad profunda y ligeramente retumbante que Shakespeare pone en boca de Próspero (I, ii, 49) y que en su expresión completa cabría traducir como “pasado oscuro y abismo del tiempo”, significado que conlleva un sentido espacial: ”dorso, envés” (“fons negrenc de l´abisme del temps”, traduce al catalán Segarra), lo que permite establecer un curioso paralelismo con un estremecedor poema del poeta chino del s. VIII, Chen Zi´ang, en la que sigue constituyendo una de las evocaciones más elocuentes del temor ante la insondable sima del tiempo, sublime confrontación del hombre frente a la inabarcable inmensidad del tiempo y a su paso ineluctable (“No veo ante mí al hombre del pasado, ni detrás al no llegado. Pensando en lo infinito que es el universo, derramo lágrimas, solo, en la tristeza inmerso”). La lucha contra el tiempo (Cronos, el tiempo destructor), los intentos de apresar su inapelable curso, explorando todos sus recovecos, están presentes en el arte de todas las épocas, también en la pintura -de los artistas flamencos a Balthus-, y en la música de un modo muy particular por constituir dicha dimensión materia primordial de la misma. Escritores como Proust, Joyce o Nabokov -para quien la belleza reside en la sensación de pérdida irreparable- nos hablan de ello. De ahí que -para Canetti y otros autores- radique en este oponer resistencia al tiempo, que no es otra cosa que la negación de la muerte, la aspiración suprema del arte.
Con esta obra Casablancas expande y proyecta hacia nuevos horizontes algunos rasgos estilísticos y expresivos desarrollados en su producción anterior, singularmente en la serie de las que comparten la denominación de “Epigramas” y que han gozado de una notable difusión internacional. La concisión y concentración discursiva de las mismas da paso a una mayor expansión tanto formal como de los propios efectivos instrumentales, profundizando en las preocupaciones armónicas de piezas precedentes. La obra, de una duración cercana a los quinze minutos, comprende tres grandes secciones que se suceden sin solución de continuidad. La impulsividad y fogosa intensidad de las secciones extremas, apenas temperada por breves interludios scherzandi, contrasta fuertementecon la parte central lenta, que deviene progresivamente extática, dando forma a una gran estagnación, con la corrrespondiente dilatación del ritmo armónico, como si el tiempo mismo -y aquí cobra presencia el título de la obra- quisiera detenerse, y en la que el autor incorpora la cita de una de las primeras composiciones (correspondiente a la segunda de las “Dos Piezas para piano”, del año 1977), a cargo del oboe solo, sostenido por una orquesta sumamente rarificada que conforma un paisaje estático, animado por leves movimientos pendulares en percusión y bajos, y que será conmocionado por sendos procesos de condensación armónica, hasta extinguirse en un inmaterial registro agudo. Con el retorno al tempo inicial, el discurso recupera el carácter más imperativo precipitándose hacia un poderoso proceso tensional que culmina con un poderoso coral del metal que da paso a un epílogo sereno e introspectivo que conducirá directamente a la conclusión, recuperando el carácter amplio y grave del comienzo de la pieza.
La presente obra fue escrita durante el período comprendido por los meses de mayo y septiembre del 2005 y está dedicada a Ernest Martínez Izquierdo y a la Orquestra Simfònica i Nacional de Catalunya.

RECENSIONES CRITICAS

“Más cerca de la poesía (...) en esta magnífica y nueva partitura de The dark backward of time, Casablancas es fiel a su personalidad sonora no más empezar la obra, y desarrolla en ella una vertiente mucho más poética, muy sugerente, generando un nivel de tensión y atención que no decae. Es un gran fresco en tres partes, con una central de suaves sonoridades -muy atractiva- y dos en las que la música fluye sin cesar, alternando densidad orquestal y momentos muy transparentes, con trabajo de motivos y presencias siempre breves pero significativas, de rasgos rítmicos, gran dosis de color, destellos, con caminos de tensión resueltos en la tímbrica, y un acogedor fundamento desde la cuerda que da mucho carácter a la primera parte“ (Jorge de Persia, La Vanguardia)

“Los positivos resultados fueron debidos en buena parte al peso específico de las obras interpretadas, de una brillante contemporaneidad, sin serias dificultades para su comprensión, pero también a lo bien que fueron servidas (...) la de Casablancas, que pudo recoger personalmente los aplausos del público, es también, aunque menos concisa, un rico edificio sonoro en el que incluso no renuncia al efecto de una rotunda y potente conclusión“ (Pau Nadal, El País)

“El mejor Casablancas (...) destacaron los triunfos de Gidon Kremer y Benet Casablancas (...) una partitura excelente en cuanto a técnica compositiva, virtuosa en el juego de colores y texturas“ (Manuel Cereijo, El Periódico)

“Estreno absoluto de ese maestro contemporáneo que es Benet Casablancas, una obra tremenda, plena de tensión dramática, de sinuosas atmósferas, de texturas casi tangibles y coronada tanto por unos silencios de vértigo como por unos “tutti“ rotundos. Una orquestación de lujo y una paleta tímbrica admirable fueron las mejores armas de esta obra difícil y atractiva que vuelve a colocar a Casablancas en un lugar de honor dentro de la nómina de compositores españoles“ (Pablo Meléndez-Haddad, ABC)

“El estreno de la pieza shakesperiana de Benet Casablancas (...) quiso dar la palabra a uno de nuestros mejores compositores actuales para que pudiese dialogar intensamente con la tradición de donde emana y de donde se nutre (...) Los cuatro compositores que escuchamos pertenecen a una misma tradición -la de una música esencial y honda, racional a ultranza, pero al mismo tiempo escudriñadora de márgenes e intersticios por donde deslizarse y reencontrar una forma u otra de vitalidad-, y toda esta contenida exuberancia tímbrica, rítmica y armónica quedó patente merced a los buenos oficios de un maestro y una orquesta como la OBC: un concierto para el recuerdo“ (Àlex Susanna, El Mundo)

“Doble ambición conseguida (...) ovacionada por el público, abre una nueva expresión, más expansiva por parte del autor, y en este sentido también permite disfrutar de la audición (...) una partitura que sirve para ratificar a Casablancas como un referente“ (David Ramón, Diari de Sabadell).

“Benet Casablancas es indiscutiblemente el compositor vivo más internacional de nuestro país. Afortunadamente su música ha estado relativamente presente en las últimas temporadas de la OBC en las cuales hemos podido escuchar una buena parte de su pseudo-ciclo sobre la oscuridad. Ahora Casablancas regresa a su venerado Shakespeare, fuente de inspiración de una de sus piezas más celebradas, las “Siete Escenas de Hamlet”, para, a partir de una enigmática frase de “La Tempestad”, construir uno de esos tejidos sonoros característicos del autor, un tejido en el que se muestra el esplendor de la escritura cada vez más personal y brillante. A pesar de la referencia a la oscuridad, “The Dark Backward of Time” es una obra llena de detalles luminosos, magníficamente construída y que consolida la personalidad musical de un peso pesante de la composición actual como es Casablancas.” (CatMúsica, “Contrapunt: Tres noms, un concert”. Per Antoni Colomer)

http://www.catmusica.cat/diferit_cm.htm?tipus=audio&origenId=762713

“La refinadísima The Dark Backward of Time de Benet Casablancas, con hallazgos tímbricos y una escritura plagada de exquisitos detalles.“ (Scherzo, No 290, Noviembre 2013, Javier Pérez Senz)

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80Melancolías y desabrimientos

Aguafuerte quijotesco para contrabajo y piano (2005) 7’ 40”

contrabajo

Formación : Dúo

Editorial : Tritó - www.trito.es

Estreno : Barcelona, Joan Collell, Jordi Masó, Auditori de La Pedrera, 7 de marzo de 2005

Comentarios : Obra de encargo de la Fundació Caixa Catalunya, con motivo de la inauguración de la exposición dedicada a la figura del Quijote en las artes plásticas, iniciativa que se inscribe en los actos conmemorativos del Año Quijote.

Con esta obra, escrita para una combinación instrumental poco habitual, el autor ha querido responder -sin ninguna intención programática estricta- a algunos de los registros expresivos que confluyen en la figura tragicómica del personaje cervantino, en el que la rebeldía heroica, la chanza y el delirio onírico conviven con un velado lirismo, el derrumbe y la muerte, aspectos a los que alude el título, procedente del capítulo 74 de la Segunda Parte de nuestro clásico (II, 74/II, 587).

79Tombeau

Variación sobre un acorde de Joaquim Homs (2005) 5’

Formación : Instrumento Solista

Editorial : Tritó - www.trito.es

Estreno :
Barcelona, 2005
Jordi Masó. Concierto en Homenaje a Joaquim Homs

Comentarios :
En el año 2005 el pianista Jordi Masó solicitó a varios músicos españoles una pequeña pieza para realizar un original homenaje al compositor Joaquim Homs (1905-2003). La contribución de Casablancas fue Tombeau, basada en uno de los acordes del Impromptu nº6 de Homs. Los acordes repetidos, a la manera del ritmo monótono de una procesión fúnebre, establecen el carácter elegíaco de la música, con diversos episodios que pueden tanto ascender a la dulzura del registro agudo como intensificar la dolorosa expresión general en pasajes más agitados.

(Víctor Estapé)

78Encore for Arditti

(2004) 7’ 40”

Formación : Cuarteto de cuerda

Estreno :
Arditti Quartet, Sevilla, 2004

Comentarios :
La relación del autor con el Cuarteto Arditti se remonta al año 1997, cuando el prestigioso conjunto británico interpretó por vez primera una de sus obras, el “Cuarteto de cuerda núm. 2” (1991). Desde entonces hasta el dia de hoy han sido diversas las colaboraciones, destacando al respecto los conciertos celebrados el año 2004 en Granada y Sevilla, con motivo de las “Jornadas de Música Contemporánea”, y en las cuales fue interpretada la integral de las piezas del autor escritas para esta formación: “Cinco Interludios -quasi variazioni- para cuarteto de cuerda” (1983; Primer Premio en el IV Concurs de Joves Compositors de Joventuts Musicals de Barcelona), el mencionado “Segundo Cuarteto” (1991; Encargo del 12é Festival de Música de Granollers) y “Encore for Arditti”, escrita especialmente para aquella ocasión. Le seguiría más recientemente el “Tercer Cuarteto de cuerda” (2009), que tiene por destinatarios a los mismos intérpretes y que fue incluído asimismo en la grabación de la integral para trio y cuarteto de cuerda, realizada en verano del mismo año, siempre con el mismo conjunto británico.

“Encore for Arditti” quiere rendir homenaje al grupo que lidera Irvine Arditti y a la calidad, virtuosismo, precisión rítmica y brillante idiosincrasia que distingue a sus interpretaciones. La pieza se desarrolla en tres partes, donde el dinamismo y la intensa densidad polifónica de las secciones extremas contrasta fuertemente con el extatismo de la sección central, hasta culminar con la introducción -a modo de cita- de sendas formaciones armónicas basadas en el motivo diatòónico la-re-si, anagrama que corresponde al nombre del cuarteto (Ar-D-Itti), en un gesto de salutación y clic l´oeil bienhumorado que será repetido tres veces (variando en cada caso la armonización) y que dará finalmente paso a una codetta breve y fulgurante en forma de stretta.

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77Facècies

Remembrances juvenils per a cobla (2003) 7’

Formación : Cobla

Estreno : Dedicatòria: 'Dedicades a la meva mare i a la seva néta Virgínia'

Obra d'encàrrec de la Fundació Orfeó Català-Palau de la Música Catalana.

Escrita l'hivern del 2003 i estrenada el 15 de març de 2003 en el Cicle Cobla Cor i Dansa del Palau de la Música Catalana per la Cobla Sant Jordi, dirigida per Salvador Mas.

Comentarios : "Hem de saludar una important aportaciò de Benet Casablancas, fruit d"un encàrrec del nostre cicle, que l"autor -habituat a l"escriptura orquestral moderna- ha assumit com un repte estimulant, en el sentit que s"ha proposat de respectar el caràcter sonor i psicològic de la cobla, amb una musica festiva, joiosa, franca i espontània, d"harmonies clares, que ha condicionat en certa mesura el seu llenguatge. Ha partit d"una antiga sardana pròpia, que ha reescrit com a sardana de concert, amb les represes reelaborades per evitar la monotonia, augmentar-ne l"interès i aportar un color personal. Aquesta sardana forma la secció central de l"obra, que és precedida d"una introducció important i d"un epíleg. Pigmentada per guspires rítmiques i harmòniques estimulants, "Facècies" té un punt de "divertimento", i l"autor desitja que estimuli tant els instrumentistes que l"interpretin com el públic que l"escolti."

Jordi Leon, director de la Cobla Sant Jordi

76Celebració

(2001) 3’ 30”

Formación : Orquesta de cámara

Estreno : Barcelona, 13-XII-2001

Comentarios :
Celebració, Scherzino para orquesta de cámara
(para catorce instrumentistas)

“Celebració“ fue escrita en verano de 2001 para una nutrida formación camerística, atendiendo a un encargo de la Orquesta de Cámara del Teatre Lliure, con motivo de la inauguración de la nueva sede en el Palau de l´Agricultura de Barcelona, siendo estrenada por la mencionada formación, a la que la partitura está dedicada, bajo la dirección de Josep Pons el 13 de diciembre de aquel mismo año. La pieza, de dimensiones concisas (cuenta con una duración aproximada de 3:30 minutos), pero intensa, concentrada, muy contrastada en contenidos y de factura instrumental brillante, se integró la noche de su estreno en una obra colectiva, que incluyó colaboraciones de diferentes compositores españoles ligados a esta formación, basadas todas ellas -de forma más o menos explícita- en la conocida tonada popular del “Ball de l´Àliga“ (procedente de la Patum de Berga). Esta referencia se deja escuchar de forma progresiva a lo largo de la presente pieza, si bien siempre de forma muy estilizada e integrada en contextos armónicos y polifónicos más complejos. El carácter de la obra, subtitulada Scherzino y dominada por ritmos juguetones, vivacidad de tempi y un tono general marcadamente lúdico, quiere corresponder así a la motivación y circunstancias festivas que estuvieron en el origen de su composición, hasta culminar en el contundente acuerdo de Sol Mayor que rubrica su conclusión.

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75Tres Epigramas para orquesta

(2001) 14:’

Formación : Orquesta sinfónica

Editorial : EMEC

Estreno : Orquestra Simfònica i Nacional de Catalunya, dir. Salvador Mas
L´Auditori, Barcelona, 2001

Comentarios : La presente obra se inscribe en un capítulo de la producción del autor caracterizado por la concisión formal, la concentración del discurso y el contraste expresivo, cualidades todas ellas propias del género poético epigramático, sin rehuir tampoco otros aspectos que se le asocian, como son la efectividad directa en la exposición del argumento, el ingenio e inclusive determinadas connotaciones morales. Capítulo que se iniciaba hace diez años, y que está integrado, junto a la pieza que comentamos, por las siguientes obras: “Epigramas“ para seis instrumentistas (1990), dedicados al grupo Barcelona 216, los “New Epigrams“, para orquesta de cámara (1997), estrenados y grabados en disco por The London Sinfonietta, y los “Siete Epigramas“, para piano (2003). Los epigramas orquestales están encabezados por las siguientes indicaciones: I. Allegro -Esultante-, II. Muy Lento -Notturno-, y III. Finale. Allegro assai -Giocoso-, que reflejan claramente el carácter que preside su desarrollo. El carácter y tratamiento orquestal de cada uno de los movimientos son muy diversificados. En el curso de los mismos conviven los clímaxs de gran poderío sonoro con pasajes de una transparencia quasi camerística, en los que se concede suma atención a los solistas de la orquesta, con una escritura que no rehuye el virtuosismo. Como en otras realizaciones recientes del autor, se acentúa la elaboración de las texturas orquestales poniendo de relieve una creciente diferenciación del material armónico. Pequeños motivos rítmicos y un breve coral confieren unidad a todo el conjunto, subrayando sus articulaciones formales. La energia y vitalismo de los movimientos extremos, contrastan fuertemente con el carácter estático y contemplativo que domina en el segundo. La gama expresiva, impregnada de pasión y lirismo, resulta amplia y contrastada, y quiere responder -con los característicos motivos de fanfarria que puntúan su curso- tanto a la vitalidad gozosa del primero como a la eclosión exultante y festiva del que cierra la colección.

La partitura de los “Tres Epigramas“ está dedicada al maestro Salvador Mas.

* * *

En los sinfónicos Tres epigramas, compuestos en el verano-otoño de 2001 y dedicados a Salvador Mas, que los estrenó en 2002 dirigiendo la Orquesta de Barcelona, la técnica queda ya definitivamente absorbida en el ámbito expresivo y marca una nueva etapa en la producción del compositor catalán, característica que él mismo subraya entre sus objetivos cuando habla de “pasión y lirismo” y de “vitalidad gozosa” en relación a esta partitura. Una búsqueda de la expresividad que, como señalamos, ya había encontrado un reflejo intenso en las magníficas Siete escenas de Hamlet (1988) y que habría de culminar en el virtuosismo instrumental de New Epigrams, en una tendencia a la sencillez estructural y al fuerte colorido armónico. Tres Epigramas se manifiesta sin concesiones a lo trivial, con un vivo tratamiento de las texturas, y la música responde con eficacia y profundidad a la definición de sus movimientos, en los que subyace un considerable dramatismo. Esultante abre con el espíritu de fanfarria del comienzo, culminando en una bella frase del violoncelo. Notturno resulta sereno en la expresión y profundidad de los violoncelos al comienzo de un movimiento casi cíclico, con frases tensas que se resuelven en agradable reposo, con breves y bellos interludios de vientos y cuerda, momentos de marcada intensidad lírica en los que los solistas —solo del violín, entre otros— juegan un importante papel. Finalmente, la complejidad rítmica del Giocoso, con sutiles amalgamas tímbricas y efectos sonoros de calidad. Tanto en los pasajes de fuerte densidad orquestal como en los de cámara que propone la obra, llama la atención la claridad y transparencia del discurso, sin duda una de las características de esta rica etapa de la producción de Benet Casablancas.

Jorge de Persia

VIDEO:
http://www.rtve.es/alacarta/videos/los-conciertos-de-la-2/conciertos-2-carmina-burana-carl-orff/207874/

CRÍTICA

“Pablo González y su orquesta comenzaron de forma espléndida abordando los Tres Epigramas para orquesta de Benet Casablancas, que la OBC ya estrenó en 2001.
El humanista del Quatroccento Giulio Cesare Scaligero destacó de este género de composición poética dos características fundamentales: la brevedad y el ingenio. Las dos están presentes en estas bellas piezas orquestales del compositor residente de L´Auditori; unas composiciones que, en su momento, contribuyeron significativamente a que su obra fuese todavía más reconocida a escala internacional.
La depuración del lenguaje clásico y las osadías vanguardistas conviven en estos deliciosos epigramas de brillante orquestacion y marcado sentido del contraste; una indudable muestra del talento compositivo de Casablancas que la orquesta supo poner de relieve con todos sus matices.“

Enric Ros, La Finestra Digital (2.6.2014)

Iniciaba el programa una obra de Benet Casablanca: músico de sólida formación universitaria y brillante carrera como docente e investigador, lo que no le ha impedido desarrollar una fecunda e inspirada obra como copmpsitor. La obra programada, Tres Epigramas para orquesta sinfónica, responde plenamente al título: expone claramente las ideas que la forman, y cada un de sus partes es breve e incisiva.Gozoso y estimulante el Allegro-Exultant inicial; un breve fragmento allegre y animado, en el que ya se puede apreciar la claridad con que diseña Casablancas las líneas polifónicas de toda la obra.Relajado y sereno el clima que crea en el segundo, Mol lent – Nocturne. Pero también, como una hermosa noche estrellada, lleno de destellos por las luminosas intervenciones de los vientos, y del misterio que produce la muy inspirada del clarinete bajo.Al final de la obra, un Allegro assai que va ganando en viveza a lo largo de su exposición, como una carrera que se fuese acelerando, que cierra brillantemente la composición: una obra que se hace corta, lo que es perfectamente coherente con la intención que se le supone al autor, pero que deja deseo de oír más su música.

Julián Carrillo, Mundo Clásico
jueves, 29 de abril de 2004

Casablancas: Tres epigrames per a orquestra

Benet CasablancasEn la evolución del estilo de Casablancas destaca la colección de Epigramas, que figuran entre sus partituras más difundidas y comparten denominación aunque cubren diferentes orgánicos instrumentales: Epigramas, para seis intérpretes, Tres Epigramas para orquesta sinfónica, Siete Epigramas, para piano y los New Epigrams, para una formación camerística integrada por once músicos, escritos para The London Sinfonietta en 1997. El término epigramático se refiere a una forma literaria de origen clásico, relativa a la sentencia aguda e ingeniosa, que muy a menudo contiene un propósito moral o ético, así como lúdico y divertido. El compositor utiliza muy acertadamente un término que describe una música que quiere asumir la mayor concentración de contenido dentro de estructuras temporales muy concisas. Entre los rasgos determinantes de la serie destacan el sentido del contraste, tanto en los tempi como en la atmósfera, la progresiva maestría en la diferenciación del material armónico, la riqueza y el refinamiento de las texturas tímbricas y el altísimo nivel de exigencia en la escritura instrumental. Todo ese proceso de depuración, refinamiento y síntesis culmina en el absoluto dominio de los recursos de la plantilla orquestal que otorgan una gran fuerza expresiva a los Tres Epigramas (2001), estrenados con gran éxito de público y crítica por la OBC dirigida por Salvador Mas, y que gozan desde entonces de una gran difusión.

Javier Pérez Senz, periodistica y crítico musical

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74Tres Bagatelas

(2001-2003)

Formación : Instrumento Solista

Editorial : Tritó - www.trito.es

Comentarios :
Las Tres bagatel•les de 2001-03 son piezas mucho más ambiciosas de lo que su título podría sugerir, como puede deducirse del hecho de que son, aparte del Scherzo, los tres movimientos para piano solo de más duración escritos por Casablancas. La dinámica con que se suceden los procesos creadores de tensión y los momentos de quietud en que resuelven es iluminada por el equilibrio entre la brillantez virtuosística y el preciosismo sonoro de inspiración impresionista.

(Víctor Estapé, NAXOS)

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73Tríptic infantil

(2001-2003) 4’ 30”

Formación : Instrumento Solista

Editorial : Amalgama/Tritó

Estreno : Barcelona, Cecilio Tieles, AuditoriO de la SGAE, 14 de Abril de 2005.

Comentarios : COMENTARIOS SOBRE LA OBRA

"Cada niño hace que el mundo empiece otra vez" (H. D. Thoreau)

“Tríptic infantil” és integrat per tres petites peces, que responen als següents títols: 1. Joc, 2. Cançó i 3. Dansa. No és tracta pròpiament d´una col.lecció de peces fàcils, ni tan sols d´un plec de peces adreçades preferentment a joves músics, tot i que ells en poden ser intèrprets particularment idonis. És tracta de tres peces de proporcions modestes, que amb la seva senzillesa, dificultat moderada i el seu carácter y moviments contrastats volen apropar-se d´una manera personal i molt estilitzada al món màgic i enigmàtic de l´infància.

Encapçalada per unes paraules de Schumann -“A l´interior de cada nen hi ha una profunditat meravellosa”- la present obra va ser escrita l´any 2003 i és dedicada a la pianista brasilera Gilda Oswaldo. La partitura és publicada per Almalgama Edicions de Berga i la seva estrena tingué lloc en interpretació del pianista cubà Cecilio Tieles a l´Auditori de la SGAE de Barcelona el 14 d´Abril de 2005.

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Si bien en tiempos de Schumann era todavía posible que el gran compositor escribiera música “infantil” (tanto por lo que hace a la expresión poética como a la dificultad técnica de la escritura pianística), la evolución posterior de los lenguajes musicales ha hecho de la música para niños un terreno de especialistas didácticos con presencia muy limitada de los creadores musicales más relevantes. Bartók (Mikrokosmos,...), en cuanto a la pedagogía, o Mompou (Scènes d’enfants,...), en sus referencias expresivas, representan dos importantes excepciones. El Tríptic infantil, de 2001-03, es la contemplación más directa y elocuente del mundo de la infancia que se encuentra en la música de Casablancas. A pesar de que su personalidad es perfectamente reconocible en este breve tríptico, las piezas sugieren el mundo perdido de las melodías infantiles. Los títulos de las tres partes de la obra y mucho de su carácter revelan la afinidad con la obra antes citada de Mompou y otras del mismo compositor, cuya aproximación al universo infantil y a la canción popular son una referencia ineludible para compositores catalanes de generaciones posteriores.

(Víctor Estapé; NAXOS)

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72Set Epigrames per a piano

(2000-2003) 9’

piano

Formación : Instrumento Solista

Editorial : TRITÓ - www.trito.es

Estreno : Jordi Masó

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71Ja és hora que se sàpiga

(2000) 5’

mezzo-soprano

Formación : -

Estreno : Marta Fiol, Jordi Masó

Comentarios : Text de Joan Oliver (Pere Quart)
Encàrrec de la Fundació Caixa de Sabadell amb motiu dels actes de commemoració del Centenari del poeta

http://www.boileau-music.com/libro.asp?codart=B.3447

Ja és hora que se sàpiga
Demano la paraula prèvia.
Vull dir -i que d"un cop se sàpiga!-
que jo sóc Jo,
que sóc el Centre
i l"Àrbitre.

Que tots vosaltres, tots,
-això anant bé-
sou els meus conterranis:
parents, veïns, creditors meus,
proïsme meu pròpiament dit;
que tots els altres, tots,
bons i dolents
-grocs i negres, antípodes, gitanos-
són, a tot estirar
i encara gràcies,
els meus contemporanis.

Sapigueu que:
quan us veig, de fet,
us suscito, us ressuscito;
i en pensar-vos
us dono una esperança.

Però si us he perdut de vista,
mentre us ignoro o us oblido,
dormiu el son del just,
com se sol dir.
No passeu de potències
en el sentit més trist de la paraula.

Ja ho sé. Molts espereu
amb candeletes
el dia de cantar-me les absoltes.
No us enfileu, si us plau:
en el millor dels casos,
quan jo mori,
tots, tots,
bons o dolents,
sereu només els meus supervivents.

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70Signes del Temps

(2000) 2’

Formación : Coro masculino

Editorial : Tritó - www.trito.es

Estreno :
Capella de Montserrat
Sintonía del Programa de la Televisión Catalana TV3, 'Signes del Temps'

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69Scherzo

(2000) 7’ 30”

Formación : Instrumento Solista

Editorial : Boileau - www.boileau-music.com/

Estreno :
Encargo del Festival Internacional de Música de Granollers, en homenaje al compositor J.M. Ruera

Granollers, Jordi Masó, octubre 2000

Comentarios : COMENTARIOS DE LA OBRA

La presente pieza fué compuesta en verano de 2000, por encargo del Festival Internacional de Música de Granollers, en homenaje al compositor J.M. Ruera. Su estreno tuvo lugar en octubre de aquel mismo año por el pianista Jordi Masó, a quien la obra está dedicada. Ésta se desarrolla en un único movimiento, comprendiendo secciones muy contrastadas. Así, la sección principal, adscrita al carácter vivo, lúdico y extrovertido propio del género aludido en el título de la pieza, contrasta con secciones de carácter lento y contemplativo, cuya importancia se acrecienta a medida que avanza la pieza. La conclusión se basa en figuras muy veloces que terminan por desvanecerse en el registro más agudo del piano. La pieza en su conjunto tiene un carácter marcadamente virtuosístico, lo que se traduce en una gran brillantez, buen humor y un notable poder comunicativo.
En ese sentido, la obra se inscribe en un grupo de obras que se distinguen por su concisión formal, la búsqueda de la claridad armónica, un gran dinamismo rítmico y un tratamiento instrumental exigente e idiomático que apela a la complicidad del intérprete, cuya personalidad artística se halla a menudo en el origen de la concepción de las mismas obras. Dicha pieza, coincidente en el tiempo con la publicación del conocido ensayo del autor “El humor en la música. Broma, parodia e ironía”, profundiza en un registro expresivo novedoso en la producción del compositor, que tendrá en la colección de “Epigramas” uno de sus capítulos más apreciados dentro y fuera de nuestras fronteras.

En opinión de Víctor Estapé en sus notas a la reciente integral de la música pianística del autor en (NAXOS; publ. prev. primavera 2008): “Los albores del nuevo Siglo traen consigo una destacable aceleración en la producción pianística de Casablancas. La primera pieza terminada en esta importante fase es el Scherzo del año 2000. Escrita en homenaje al compositor catalán Josep Maria Ruera (cuya pieza Tocs de Festa es citada brevemente hacia el final), es el movimiento para piano solo más extenso de Casablancas. Su lenguaje ha evolucionado notablemente desde la anterior composición. La exigencia de rigor en la escritura y el deseo de coherencia formal no son menos evidentes, pero las influencias asumidas (e integradas con engañosa facilidad) se ha ensanchado. En la construcción de los acordes (formados con frecuencia a partir de agregados de raíz politonal), en la creciente preponderancia de la dimensión puramente sonora del discurso, que adquiere un peso comparable al de la sintaxis motívica y la polifonía, puede verse una feliz unión de las referencias centroeuropeas con las del impresionismo más meridional y, aún, de otras músicas que el compositor sabe asimilar en una poética cada vez más personal. De acuerdo con el título, la música se recrea en acciones muy diversas, con frecuencia de carácter lúdico y guiadas por la fascinación del puro sonido pianístico. A pesar de que una animación hiperactiva domina la pieza, no faltan momentos de detenimiento lírico”. La presente partitura, de una duración cercana a los 7 minutos, está publicada por Editorial Boileau.

68Cuatro apuntes para orquesta de cuerda

(1998) 7’ 30”

Formación : Orquesta de cuerda

Editorial : Tritó - www.trito.es

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67New epigrams

(1997)

Formación : Orquesta de cámara

Estreno : Prémière Recording: Londres (1997)
Estreno mundial en concierto: Barcelona, 15 de noviembre de 1997.
Orquestra de Cambra Teatre Lliure, dir. Josep Pons

Comentarios : Los New Epigrams, para orquesta de cámara y con una duración aproximada de 10:30 minutos, fueron escritos en junio de 1997 para ser grabados por The London Sinfonietta, bajo la dirección de Edmon Colomer y con el patrocinio del ayuntamiento de Sabadell. El término epigramático se refiere a una forma literaria de origen clásico, que caracteriza a la sentencia aguda e ingeniosa, muy a menudo con un propósito moral o ético, así como lúdico y divertido. Aquí se utiliza para describir una música que quiere alcanzar la mayor concentración de contenido dentro de estructuras temporales muy concisas. Todos esos aspectos convergen en la colección de obras del autor que comparten esta denominación y que suponen un giro significativo en su evolución creativa: Epigramas, para sexteto, Tres epigramas, para orquesta sinfónica, Siete epigramas, para piano y los presentes New Epigrams. La intensidad dramática, casi violenta, del primer movimiento establece un contraste poderoso con la atmósfera misteriosa y nocturna del segundo, sostenido por texturas refinadas dentro de un clima predominantemente estático. Cuando este registro se ha disuelto en la nada, aparece el último epigrama, que retoma el dinamismo del primero, con sus trinados alegres y sus sonoridades brillantes y luminosas, alcanzando un pronunciado virtuosismo a lo largo del desarrollo y al que la relevancia de la parte de piano le otorga casi el carácter de un finale concertante. En palabras de Jonathan Harvey: “Casablancas compone con una claridad polifónica guiada por principios clásicos infrecuente en nuestros días. La vitalidad y la fuerza de su obra son bien conocidas -los bruscos cambios de dirección dentro de un intervalo muy corto confieren a los movimientos rápidos una euforia y una exuberancia extraordinarias. Sin embargo, los movimientos lentos son más suaves y más velados; la radiante luz española es nocturna y se escucha más mezcla que brillante estridencia. La textura es compleja más que multi-polifónica. Uno sucumbe libremente a los paisajes de la imaginación, quizás con el canto de los pájaros. Es ésta una de las obras más difundidas del autor. Después de su estreno en concierto en Barcelona en aquel mismo año por la Orquesta de Cámara del Teatre Lliure, dirigida por Josep Pons, los New Epigrams han sido interpretados repetidamente por toda Europa y América por distintos conjuntos, destacando entre otras ocasiones: Estrasburgo, Festival Musica (O. C. del Teatre Lliure, 1999), XVI Festival Internacional de Alicante (Grupo Enigma, 2000), Düsseldorf, Biennale für Neue Musik “Öhren auf Europa” (Notabu Ensemble, 2003), San Petersburgo (State Hermitage Orchestra, 2003), La Tour de-Trême (Orchestre de Chambre de Lausanne, 2004), etc. En el año 2008 fueron seleccionados para representar a España en los World Music Days de Vilnius (SIMC). Sus reposiciones más recientes incluyen Oberlin (USA), Zagreb, y sendos monográficos en Viena, NuevaYork, Madrid y Barcelona.

CRITICAS

“New Epigrams“, obra de corta duración pero de extrema densidad y sofisticada elaboración tímbrica que juega constantemente con el contraste. La sesión siguió con “Petita Música nocturna“ (1992), una obra que evoca muy libremente los silencios y las atmósferas íntimas de la noche (...) [“Siete Escenas de Hamlet“] Es hoy una de las más divulgadas de Benet Casablancas, pues es también una de las más accesibles para el público por el hecho de tener una intención dramática claramente definida en cada uno de los textos, circunstancia que le proporciona a la música una especie de fondo y referente emocional que orienta y guía la audición (...) Este concierto permitió apreciar una de las principales características del hacer compositivo del autor: la continuidad, la cohherencia, la constancia en explorar las posibilidades de evolución, sin rompimientos gratuitos u oportunistas, de una línea abierta hace muchos años.“

Xavier Pujol, El País, 22 de septiembre de 2007

““Relikte aus alter Zeit winkten dem Neuen zu“. Un memorable compañero en esta aventura se encuentra en el segundo movimiento (“Calmo“) de los “New Epigrams“ de Casablancas, cuando el pianista pulsa directamente sobre las cuerdas del piano, imitando involuntariamente la mecánica del clavicémbalo -y como por casualidad saluda también aquí lo antiguo perceptible en lo nuevo.“

Peter Reichelt, Rheinische Post, 21 de febrero 2003

“Mark-Andreas Schlingensiepen dirigió también al “Notabu Ensemble Neue Musik“ la pieza de uno de los compositores de la joven generación, Benet Casablancas (nacido en 1956) incluída en el programa. Friedrich Cerha, el mentor y asesor del Festival en la edición de este año propuso al Ensemble los “New Epigrams“ de su antiguo discípulo. La obra del compositor español atrapa ante todo en el movimiento final, “Scherzando“, por lo que contiene en sí: refinamientos rítmicos y sorpresas colorísticas se dejan escuchar en todo momento como nuevas. Momentos estimulantes menos abundantes en los movimientos anteriores.“

Von Lars Wallerang, Westdeutsche Zeitung, 21 de febrero 2003

““Falla et Casablancas“. Entre les deux pages de Manuel de Falla sera proposée une partition d´un compositeur moins connu, les “New Epigrams“ de Benet Casablancas. Né à Barcelone en 1956, Casablancas a vu son travail de composition être distingué par de nombreux prix. Jouée par de grands ensembles dans le monde entier, sa musique s´ouvre à différentes techniques et se partage entre l´instrumental et le vocal.“

P. B., La Gruyère, 14 de octubre 2004

““Ballades nocturnes et enflammées dans les jardins d´Espagne“. L´orchestre en formation réduite -quatour à cordes et sept vents- joue ensuite trois Epigrams du compositeur contemporain Benet Casablancas. Une écriture résolument complexe et luxuriante, dans le mélange des timbres comme dans les contradictions rithmiques.“

Philippe Mottet-Rio, La Liberté, 18 de octubre 2004

“L´ensemble du concert était réservé au grand compositeur espagnol, excepté une brève parenthèse contemporaine, avec les “New Epigrams“ de Benet Casablancas, dont la fugacité des images contrastait singulièrement avec la sensualité des musiques de Falla.“

PB, La Grayère, 10 de octubre 2004

Un perfil multifacético

Con cada visita a Madrid, la London Sinfonietta atrae mayor cantidad de público: se pasó la voz, que se trata de un conjunto de excepcional calidad, y con su actuación lo confirmaron nuevamente. Esta vez vinieron quince músicos -cuatro vientos madera, tres vientos metal, cinco cuerdas, arpa, teclado y percusión- y todos y cada uno de ellos mostraron su superioridad. Vinieron dirigidos por Franck Ollu, director francés especializado en música contemporánea y ópera, y con un palmarés impresionante. Dirige sin batuta, sin ostentación, alentando a sus músicos con mucha precisión y energía, y el resultado no podría haber sido más feliz.

Seis obras conformaron el programa, sesenta minutos de música de música creada en el siglo XX, desde 1923 hasta 1997. Escuchando esta obras, no se puede menos que quedar asombrado ante la enorme variedad -uno podría calificarla de infinita- que el lenguaje contemporáneo de la música, que aún solemos mal-etiquetar como clásica, trae aparejada. No es solamente la elección de los instrumentos, y su número, que hace posible esa libertad: es también la forma, la orquestación, los ritmos, el mayor o menor grado de disonancias, la diversidad de climas sonoros, y un largo etcétera que lo hacen posible. Y si a ello agregamos que en este programa la percusión tuvo un rol poco importante -solamente en una obra la hubo, y no precisamente para producir ritmo- nos damos cuenta de la enorme riqueza que esta música ‘moderna’ encierra, sin acercarse, ni un solo instante, a la música popular o facilona que hoy domina por cualquier parte.

Benet Casablancas (1956): New Epigrams. Se trata de tres piezas: Con moto, Calmo-Adagio-Estático, y Scherzando-Con moto) compuestas en 1997 para ser grabados por la London Sinfonietta, y prevé piano, cuatro cuerdas, y tres vientos madera y metal, en total once instrumentos. Esto es música llena de colores sonoros de gran atractivo, ya sea movida o tranquila, como en el segundo trozo, que suena muy, muy bien. Hay unos solos de flauta, preciosos. El tercer epigrama es brillante, muy bien orquestado, donde el piano tiene un rol protagonista. Termina con mucho efecto y deja una óptima impresión. El compositor, presente en la sala, estuvo visiblemente contento con la versión de su obra y felicitó a director y músicos. El público aplaudió con entusiasmo después de todas las obras ejecutadas: es difícil poder imaginarse que esto se pueda tocar mejor.

Los aplausos finales fueron largos y sinceros. Director y músicos los merecieron. Habíamos asistido a una demostración de gran calidad artística, y en semejantes condiciones la música contemporánea adquiere su perfil multifacético en condiciones ideales. ¡Bravi!

Madrid, 22/03/2010. Auditorio 400 del MNCARS. London Sinfonietta. Director, Franck Ollu. Obras de Edgar Varèse, Anton Webern, Benet Casablancas, Toru Takemitsu, Gérard Grisey y Simon Holt. Temporada CDMC 2009/2010. Ocupación: 100%
Por Juan Krakenberger
Publicado en Mundoclasico.com (ISSN 1886-0605) el 08/04/2010

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66Dos Piezas para clarinete y piano

(1996/2000) 10’ 20”

Formación : Dúo

Editorial : BOILEAU/LA MA DE GUIDO

Comentarios : El presente díptico agrupa las dos piezas del autor escritas para la presente formación y que el autor recomienda interpretar juntas, siguiendo la disposición:

I - Poema
II - Moment Musical

COMENTARIOS SOBRE LA OBRA

El presente díptico agrupa las dos piezas del autor escritas para la formación instrumental de clarinete y piano, dispuestas según la sucesión de movimientos lento-rápido; disposición que el autor recomienda especialmente y que, por su carácter contrastante y duración cercana a los diez minutos, ha supuesto para las mismas una gran difusión.

I. “Poema”

La presente pieza, fechada en 1996, constituye una transcripción, realizada por el propio autor y con pocas modificaciones, de la canción “És per la Ment...”, para voz y piano, escrita en 1993 sobre un bello texto del insigne poeta catalán J.V. Foix. La obra, que define una curva formal muy clara, responde a su origen poético, como se manifiesta en su carácter marcadamente lírico y reflexivo, dentro de un clima general sereno y amable que sólo puntualmente da paso a pasajes teñidos de una expresión más impulsiva y pasional, hasta alcanzar su extinción final, en un clima nocturno y estático, de gran recogimiento emocional. De la presente obra existen también sendas versiones para viola y piano y para saxo contralto y piano, formatos todos ellos que le han valido asimismo una notable difusión.

II. “Moment Musical”

La presente obra fue compuesta en el invierno de 2000, respondiendo a una petición del clarinetista Josep Sancho, a quien la obra está dedicada y que la estrenó en el Auditorio Enric Granados de Lérida el 2 de Febrero de 2001, llevándola posteriormente en su repertorio en sus giras por Polonia y Canadá de abril de este mismo año.
La pieza se desarrolla en un único movimiento, dispuesto en distintas secciones que contrastan tanto por su tempo y carácter como por las prestaciones exigidas al intérprete, que en los tiempos vivos alcanzan niveles de un marcado virtuosismo. De ese modo, pasajes rayanos en la improvisación o la cadenza y próximos al registro scherzando, conviven con otros de naturaleza más lírica e intimista, de amplia línea cantabile y gama dinámica, y que ponen de manifiesto la rica idiosincrasia y recursos técnicos y expresivos del instrumento solista. El piano, lejos de devenir mero acompañante y con una escritura preciosista y muy trabajada, participa plenamente del flujo discursivo, en constante diálogo con el clarinete.

AUDIO:

Poema
Joan Enric Luna, clarinete
Josep Colom, pìano

(L´Auditori de Barcelona, marzo de 2012)

Moment Musical
Josep Sancho
Pilar López-Carrasco

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65Díptico

para guitarra (1996/2004) 5:’ 10”

guitarra

Formación : Instrumento Solista

Editorial : Tritó - www.trito.es

Estreno : Madrid, Sala de Actos del Ateneo, Leopoldo Neri, 2005

Comentarios :

Díptic (1996-2004) fou escrit a instàncies del guitarrista Leopoldo Neri, al qual és dedicada l´obra i que fou responsable de la seva estrena el 18 de desembre del 2004, amb motiu d´un concert d´homenatge a Regino Sainz de la Maza, celebrat a la sala d´actes de l´Ateneu de Madrid. L´obra és integrada per dues peces de factura concisa i caràcter contrastat (I. Poco Andante i II. Con moto. Aforisme), cantabile i polifònica la primera, més enèrgica la segona, i representa el retorn del compositor a aquest bell instrument, la guitarra, una producció que inclou, entre d´altres les col.leccions Quatre peces per a guitarra (1978) i Tres peces per a guitarra (1979). L´interès de l´autor per aquest instrument, de subtils ressonàncies tímbriques i riques possibilitats expressives, és present igualment als Tres poemes senzills, per a duet de guitarres (1980), com també en diverses realitzacions cambrístiques, com ara Naturalesa morta-Estudi en blau i negre (1978), per a flauta, clarinet, guitarra, piano, percussió, violí i violoncel, i Harmonies banals (1978), per a guitarra, piano i percussió, un encàrrec de Jordi Codina i Xavier Joaquín per a la XVI edició del Festival Internacional de Música de Barcelona.

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64Tríptico

para violonchelo solo (1996) 7’ 20”

Formación : Instrumento Solista

Editorial : Boileau - www.boileau-music.com/

Estreno :
Dedicada a Amparo Lacruz

Comentarios :
Les presents peces tenen el seu origen en la música incidental escrita a instàncies de la Coral Cantiga i el seu director Josep Prats per servir de fil conductor al muntatge escènic “Ja que tot passa...”, basat en textos de Rilke i que, sota la direcció de Josep M. Mestres, va ser estrenat el juliol del 1996 a Barcelona dins la temporada del Grec. El caràcter líric i apassionat de les peces extremes -”Amorós, lliurement” i “Liebeslied”- i el seu cant sostingut estableixen un fort contrast amb el moviment central, subjecte a la disposició estricta d´una “Passacaglia”, que es desenvolupa en una atmosfera quieta i fantasmagòrica reminiscent del nocturn i que aprofundeix en les possibilitats polifòniques del violoncel. En l´elecció de l´instrument i el seu tractament l’autor ha tingut presents els següents versos del poeta: “ens ajunta talment un cop d´arquet que una veu sola treu de dues cordes” (trad. de Joan Vinyoli). La partitura, dedicada a Amparo Lacruz, ha estat publicada per Editorial Boileau (Barcelona, 1997).

63Quatre Aforismes

(1996/2003) 4’

Formación : Instrumento Solista

Editorial : La ma de guido (I, II y III)

Estreno : Barcelona, Jordi Masó, 2003

Comentarios : El primero de los Tres aforismes fue compuesto en 1996, pero la obra completa fue terminada en 2003. Esa primera pieza está escrita sólo para la mano izquierda, y contiene un breve recitativo introspectivo como parte central entre las dos inquietas secciones extremas. También el segundo aforismo, dentro de la concisión que sugiere el título, desarrolla una estructura ternaria, con un circunspecto pasaje de contrapunto imitativo casi satírico en el centro, en contraste con las texturas más irregulares del inicio y de la conclusión. La brevedad de la tercera pieza y su final abierto la hacen merecedora, todavía más que las otras, del título de aforismo.

(Víctor Estapé)

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62Come un recitativo

(1995)

Formación : Instrumento Solista

Editorial : Ediciones Colien Honegger

Estreno :
Barcelona y Madrid, 1995
Ananda Sukarlan

Comentarios :
Encargo de Colien Honegger para su inclusión en un Album de piezas de carácter pedagógico

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61Cant per a Frederic Monpou (Remembrança)

(1993)

Formación : -

Editorial : Boileau - www.boileau-music.com/

Estreno : 1993-05-05

Comentarios :
En diversos momentos de su trayectoria, el autor ha dedicado distintas piezas a recordar la figura de Frederic Mompou (1893-1993). Cabe mencionar junto a la presente, el “Movimiento para trio” (1984) así como la orquestación de cinco de las emblemáticas “Cançons i Danses”, realizada en el año 1979 con la aprobación de Mompou, y que recientemente ha sido llevada al disco por la Orquesta Real Filharmonía de Galicia, con dirección de Antoni Ros-Marbá. El "Cant per a F. Mompou -Remembrança-”, para violonchelo y piano, fue escrito en 1993 en conmemoración del centenario del nacimiento del mencionado compositor. Sin pretender emular el universo armónico de dicho autor, pero sí evocar su callada y refinada poesía, la pieza, de dimensiones muy concisas, consiste en el desplegamiento de una amplia melodía del chelo que, partiendo del registro más grave ("sosegado pero con alma"), se eleva hasta sus regiones más agudas e inmateriales, en un clima de marcado signo contemplativo, hasta expirar en el silencio, sostenido todo ello por las delicadas irisaciones armónicas del piano y puntuales alusiones a cantos de pájaros.

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60És per la ment

(1993)

Formación : -

Editorial : La mà de Guido - www.lamadeguido.com

Estreno : 1993-05-05

Comentarios : El cantant pot ser una Sopr. o bé un Tenor.

59Fulla d'album (variacions sobre un tema de F. Schubert)

(1993)

Formación : -

Editorial : Boileau - www.boileau-music.com/

Estreno : 1993-09-04

58Introducción, cadenza y aria

(1993) 9’

Formación : Cuarteto

Editorial : TRITO - www.trito.es

Estreno : Cuarteto Manon (Alicante, 23-09-1993)

Comentarios : Encargo del CDMC para el Festival Internacional de Música de Alicante.
Dedicada al Grupo Manon.

“Introducción, Cadenza y Aria” (1993)

“Introducción, cadenza y aria”, para violín, clarinete en sib, violonchelo y piano, y dispuesta en un solo movimiento, fue escrita entre los meses de junio y julio de 1993. La obra, que comprende un único movimiento y con una duración aproximada de once minutos, responde a un encargo del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea de Madrid para la novena edición del Festival Internacional de Música Contemporánea de Alicante, y está dedicada a los miembros del grupo Manon (José Luis Estellés, Víctor Ambroa, Amparo Lacruz y Andreu Riera), artífices de su estreno el 23 de septiembre de aquel mismo año dentro del referido certamen. La obra se inscribe en un período que marca un giro significativo en la producción del autor, del que la colección entera de los ”Epigramas” (que abraza varias obras para diversos formatos, del piano a la orquesta pasando por diversas formaciones camerísticas) constituye su referente más conocido y divulgado por todo el mundo, y que se traduce en una creciente diferenciación del material armónico, el uso de texturas tímbricas muy elaboradas y preciosistas, junto con diseños formales de gran concisión y tempi y carácter muy contrastados, donde la energía y complejidad rítmica de ciertas páginas convive con la expresión más calmada de otras, así como en una escritura instrumental de marcado virtuosismo.
“Introducción, Cadenza y Ària” comparte algunos de estos rasgos. Tres secciones principales se suceden sin apenas solución de continuidad con gran dinamismo expresivo, cuidado tratamiento rítmico y temático a la vez que de dinámica, contrastes, texturas y color. Como apunta Jorge de Persia, los materiales sonoros fluyen con variedad tímbrica, y los cuatro instrumentos gozan de pasajes de bello protagonismo, culminando en un discurso final muy transparente. Se inicia con empuje —tema scherzando y respuesta lírica— y sigue una cadenza centrada en el piano, dispuesta simétricamente en tres partes, con un breve interludio central, y recuperando material de la introducción. Culmina con el aria, auténtico vértice hacia el que converge la obra entera, lírica y cantábile, y concluye con un sostenido canto general, de naturaleza extática y contemplativa, que se desvanece lentamente en el registro sobreagudo y más inmaterial hasta los límites del propio silencio. En el ánimo del autor pesaron las circunstancias que rodearon el estreno de la obra, abriendo un programa completado por el “Cuarteto para el fin del tiempo” de Messiaen, del que aquella quiso constituirse en alguna medida en pórtico, voluntad que se hace patente en la progresiva rarificación sonora operada en sus últimos compases que parecen abocar de manera natural a la obra del maestro francés, de la que llega a evocarse fugazmente -y a modo de homenaje- una de sus inflexiones más características.
“Introducción, Cadenza y Aria” está editada por Editorial TRITO (Barcelona) y ha sido llevada al disco por los mismos intérpretes de su estreno (EMEC/Fundació Música Contemporània, Madrid, 2004).

RECENSIONES CRITICAS:

“Un tríptico unitario para violín, clarinete, violonchelo y piano, en el que se aúnan en orden de belleza los diversos componentes musicales trabajados con naturalidad, amplio aliento y minucioso cuidado del detalle.“

Enrique Franco (El País, 25 de septiembre 1993)

“El grupo madrileño Manon asumió el encargo solicitado a Benet Casablancas, “Introducción, cadencia y aria“, que es una meridiana confirmación de dones y saberes.“

Enrique Franco (El País, 27 de septiembre 1993)

“Relato lúdico de muy agradable traza, formalmente dominado, divertido o grave según el “tempo“, desproblematizado en apariencia y bien resuelto en sus propósitos. Aire fresco en el enrarecido ambiente trascendentalista de los compositores jóvenes españoles, muchos de los cuales aún ignoran que Darmstadt ya es historia.“

Guillermo García-Alcalde (El Mundo, 25 de septiembre 1993)

“Catalanes en Madrid: La sala de cámara del Auditorio Nacional albergó un estupendo monográfico sobre Benet Casablancas: sus tres Tríos de 1984, 1991 y 2007 - el último (Haiku)de gran concisión-, responden a un esquema con identidad, de comienzo algo abrupto, secuencias de buena capacidad expresiva y buen trabajo contrapuntístico. Al Trío Kandinsky, que hizo una labor formidable en este difícil repertorio, se sumó el clarinetista Salvador Salvador, de bella sonoridad, precisión y expresión, en una pieza muy atractiva: Introducción, Cadencia y Aria que cerró el concierto, en el que se estrenó la Passacaglia para violín solo, una pieza virtuosística, de gran aliento, en manos de un excelente músico como Corrado Bolsi. Para hoy se prevé el Concierto para guitarra de Guinjoan y el inicio de una semana dedicada al minimalismo.“

Jorge de Persia (La Vanguardia, 10 de marzo de 2008)

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57Encore (hoja de álbum)

(1992)

Formación : Dúo

Editorial : Catalana d´Edicions Musicals (SEEMSA)

Estreno : 13 de diciembre de 1993
Pieza obligada del Concurso Permanente de Juventudes Musicales (Sevilla, 1993)

Comentarios :
"Encore -Hoja de Álbum- para violín y piano”

La presente obra, escrita entre los meses de diciembre de 1991 y enero de 1992, respondiendo al encargo de JJ.MM. de España de una pieza obligada para el Concurso Europeo de Jóvenes Intérpretes -Sevilla 1992, se inscribe en un grupo de obras caracterizadas por una progresiva concentración formal, tendencia apreciable también en realizaciones camerísticas coetáneas como los "Epigramas", para sexteto, "Full d´Àlbum" -Variación sobre un Impromptu de Franz Schubert- , para piano, la canción "És per la Ment", sobre un soneto de Foix, para tenor y piano, o el "Cant per a F. Mompou", para violonchelo y piano, también incluída en este recital, obras todas ellas de proporciones concisas y carácter enérgico, sin rehuir una escritura instrumental vehemente y no exentas de un sereno lirismo, escorado eventualmente hacia una expresión de signo contemplativo y estático. "Encore” se desarrolla en un solo movimiento en forma de arco, y su carácter virtuosístico y extrovertido, próximo a la cadenza, obedece a la condición mencionada, poniendo de relieve el dominio de los diferentes recursos técnicos y espresivos del violín. A pesar de su concisión, la obra comprende secciones muy diferenciadas que se suceden originando fuertes contrastes de tempo y clima expresivo, culminando en un poderoso clímax central que se diluye posteriormente en las regiones más ingrávidas y visionarias del registro sobreagudo. Su estreno tuvo lugar en 1993, en el marco de las "Segones trobades de Música Catalana Contemporània" organizadas por Música XXI, siendo sus intérpretes Francisca Mendoza y Vicenç Prunés, violín y piano, respectivamente.

Grabación en vivo a cargo del dúo integrado por Josep Colomé y José Enrique Bagaría (Barcelona, 2008)

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56Petita música nocturna

(1992)

Formación : -

Estreno : 1992-05-08

Comentarios : 1. Moderato2. Lento-quasi passacaglia

Petita Música Nocturna, para conjunto de cámara

La presente obra fue escrita a lo largo de los meses de febrero y marzo de 1992, para un reducido conjunto instrumental que incluye flauta (también flauta en Sol), clarinete (también clarinete bajo), arpa, piano y percusión, atendiendo a un encargo del Centro de Documentación y Difusión de la Música Contemporánea del Ajuntament de Barcelona y de su entonces director Joan Guinjoan. Petita Música Nocturna participa de la línea de creciente concisión formal y particular atención a la vertiente armónica -cada vez más luminoso y diferenciado- del discurso musical iniciado con obras como los Epigrames, para seis instrumentos, Impromptu, para violín, violoncelo y piano, o Encore, para violín y piano, aludiendo su título a su naturaleza marcadamente íntima y recogida, sensible a la irisada expresión de los distintos colores del silencio y el temblor palpitante y misterioso de la noche, todo ello subrayado por sus sucintas proporciones y una acurada elaboración de las texturas, con la superposición de una multiplicidad de estratos y frecuente introducción de diseños pedal animados interiormente por sutiles disposiciones polirítmicas. En opinión de Víctor Estapé: “La Petita Música Nocturna está compuesta por un grupo instrumental poco común, el cual da por eso mismo una personalidad especial a la obra. La exhaustiva explotación de los recursos, incluso los más raros, de cada uno de los instrumentos otorga a la sonoridad de la pieza una fascinante calidad onírica: desde los sonidos naturalistas del inicio de la primera parte (donde la flauta y el clarinete actúan como fabulosos pájaros nocturnos, manifestando afinidades con determinados pasajes de la introducción de La consagració de la primavera) hasta el constante juego con figuras ostinato en repeticiones hipnóticas. Estas son punto de partida de la mayoría de procesos, los cuales acaban en instantes de silenciosa quietud, a menudo después de generar superficies sonoras de gran actividad, que puede hacerse incluso agresiva en los momentos de más tensión”.

La obra, con una duración aproximada de diez minutos, comprende dos partes que se suceden sin a penas solución de continuidad: I. Moderato i II. Lento -Quasi Passacaglia y está dedicada a Virginia, hija del compositor, una pequeña alusión al nombre de la que se incluye en la partitura. Su estreno, a cargo del Grupo Enigma, dirigido por Agustí Charles, tuvo lugar el 8 de mayo de 1992 en el Teatro Adrià Gual de Barcelona. La obra fue presentada posteriormente en el “Catalaan Festival in Holland” (Utrecht, Theater Kikker, 20-IX-2002), en una interpretación a cargo del Ensemble Insomnio, bajo la dirección de Ulrich Pöhl.

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55Trio de cuerda

(1992)

Formación : -

Estreno : 1992-12-22

Comentarios : Dedicada a V. Casablancas i Antràs filla del compositor

54In modo di Passacaglia

(1992-1996) 8’ 40”

Formación : Grupo Instrumental

Editorial : Tritó - www.trito.es

Comentarios : In modo di Passacaglia, para conjunto de cámara

La forma rigurosa y a la vez libre e inspiradora de la passacaglia, nacida -como otras tipologías de la escritura canónica y contrapuntística- de la tensión entre la firmeza de la ley y la fluidez de la imaginación, dialéctica que por lo que tiene de reto a la inventiva ha tentado a numerosos compositores del pasado y del presente, aparece en diversos momentos de la producción de Benet Casablancas. Lo hace de manera explícita en el segundo movimiento -Quasi Passacaglia- de la “Petita Música Nocturna“ (1992), recogida en este mismo programa, y retornará más tarde en la pieza central del “Tríptic” para violoncelo solo (1996) y más recientemente en la “Passacaglia“ para violín solo (2006), pieza de proporciones notables que le encargó Corrado Bolsi, a quien dedica la obra.

“In modo di Passacaglia“ fue escrita en diferentes momentos del período 1993-1996 y requiere un pequeño conjunto instrumental que tiene la particularidad de incluir, al lado de flauta, arpa, piano y contrabajo, el timbre aterciopelado y deliciosamente tornasolado del corno di bassetto (que puede ser opcionalmente sustituido por el clarinete en la). Con una duración aproximada de nueve minutos, la disposición formal de la presente obra se basa en sucesivas variaciones de un obstinado melódico integrado por doce notas, el cual, sometido a diferentes tipos de elaboración, será retomado cuarenta veces, la última de las cuales haciendo las funciones de epílogo, todo ello precedido por una breve introducción. Si bien el desarrollo de la pieza y su crecimiento formal derivan esencialmente de la recurrencia del material temático básico nombrado, se puede observar al mismo tiempo una articulación general tripartita, que se solapa así con el sentido de proliferación y paráfrasis asociados habitualmente a la disposición de la passacaglia. Marcada por la densidad de los procesos polifónicos pero también por la búsqueda de un renovado lenguaje armónico, la obra se caracteriza igualmente por el despliegue de texturas muy diferenciadas y caleidoscópicas y un tratamiento instrumental preciosista que asumirá eventualmente cotas notables de virtuosismo.

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53Cuarteto de cuerda núm. 2

(1991)

Formación : -

Editorial : Catalunya Música - www.catmusica.cat

Estreno : 1991-11-16

Comentarios :
L´autor compongué el segon dels seus quartets de corda l´agost de l´any 1991, per encàrrec del 12é Festival Internacional de Música de Granollers. La seva estrena, precedida de la pre-estrena a Sabadell, fou confiada al Quartet Euridice de Amsterdam i tingué lloc al Museu de Granollers el 17 de novembre d´aquell mateix any. Aquesta obra, que segueix als “Cinc Interludis” escrits durant la seva estada a Viena els anys 1982-83, suposa el retorn a un gènere particularment estimat, procedint a un canvi d´escala que confereix a la present una major ambició formal i expressiva, alhora que el seu llenguatge, sense abandonar el rigor de la lògica motívica, esdevé més dúctil i tímbricament acolorit. “Al seu llenguatge -escriu Víctor Estapé- s´han fet més freqüents intervals i acords que, si abans havien estat desterrats per les seves implicacions tonals, han anat tornant i prenent el seu significat estructural. D´això resulta, segons el mateix compositor, una major serenitat d´expressió, quasi "classicista", però que en res no ha cedit a la major exigència, tant per al compositor com per a l´oïdor. Rics acords amb reminiscències bitonals són material per a la melodia i l´harmonia. La forma, propera a la sonata en un sol moviment, desplega una gran varietat de textures i alterna els passatges imitatius amb els acords batuts en ritmes temàtics i amb els moments de gran lirisme. L´assumpció de la història del quartet es posa de manifest amb la presència del ‘motto’ del 4rt. moviment de la Simfonia Júpiter, que de manera progressiva impregna la textura, però sense deixar de mantenir-se en un nivell subliminal.” La cita del motiu, que ens remet a la conmemoració del bicentenari de la mort de Mozart i que serà sotmesa a diverses transformacions, és anunciada per la viola en el compàs 4, apareix novament en els cc. 102 (viola) i 127 (violí I), i culmina en cc. 137 (violoncel), 143 (viola) i 145 (violí II), resurgint més endavant en el c. 185 (violoncel) com cantus firmus d´un canon doppio al rovescio e cancrizans, fent la darrera aparició en el c. 197 (violí II).
La crítica ha glosat àmpliament aquesta obra, seleccionada l´any 1996 al "Composer´s Arena" d´Amsterdam, i a la que quartets com l´Arditti han atorgat una notable difusió. Mentre Javier Pérez Senz aludeix a “l´escriptura sòlida, neta i trasparent que sedueix per l´intens lirisme i el sentit dramàtic", Jorge de Persia cita a Jonathan Harvey per subratllar com una de les característiques de l´escriptura de l´autor “la presència del recurs clàssic de la polifonia, el seu treball de les veus que parodien i transformen el material inicial, a la vegada que promou formes harmòniques verticals que actuen conjuntament. El seu llenguatge vital, enèrgic, vehement a estones, agut, no descarta la intensitat lírica. Els temps lents, els espais oberts, sense abigarrament instrumental, la voluntat expressiva, producte d´una progressiva concentració formal, és també una de les característiques del present quartet, de començament vital, amb un tractament una mica transfigurat del so, amb idees que transcorren, es desenvolupen i culminen ràpidament a la recerca d´espais de calma i amb petites entitats que en reaparèixer donen homogeneïtat a l´obra en un marc de gran varietat de textures reafirmades en els imponents acords del final.”

52Impromptu (trio núm. 2)

(1991)

Formación : -

Estreno : 1991-11-21

Comentarios :
“Impromptu” -Trio núm. 2- para violín, violonchelo y piano, fue escrito entre los meses de junio y julio de 1991, respondiendo a un encargo del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea y la Orquesta y Coro Nacionales de España para el “XIV Ciclo de Cámara y Polifonía”, con motivo de un Concierto Homenaje a Enrique Granados promovido por el Trio Mompou. La presente obra constituye la segunda contribución del autor a este género camerístico, de larga tradición aunque poco cultivado a lo largo del siglo XX, y su composición supuso un reto apasionante y de gran exigencia por su enorme potencial y riqueza de posibilidades, técnicas y expresivas. La obra se inscribe en el grupo de realizaciones del autor escritas durante los años 1987-92, y caracterizadas todas ellas por un proceso de progresiva concentración formal y búsqueda de un renovado lenguaje armónico, tendencia apreciable igualmente en realizaciones camerísticas coetáneas como son los "Epigramas", para sexteto, el "Segundo Cuarteto de cuerda", el "Trio de cuerdas", la “Introducción, cadenza y aria”, para violín, clarinete, violonchelo y piano, "Pequeña Música Nocturna" y "In modo di Passacaglia", para distintos ensembles, "Cant per a F. Mompou", para violonchelo y piano, y "Encore -Hoja de Album-", para violín y piano; piezas todas ellas de proporciones ajustadas y carácter muy contrastado, que no rehúyen el virtuosismo instrumental, y donde las secciones muy vivas y dinámicas conviven con páginas de sereno lirismo, eventualmente abocadas al registro contemplativo. Si bien el título de la presente obra -”Impromptu”- puede reflejar un carácter impulsivo y cierta inmediatez discursiva y emocional, ello no debe ocultar el rigor de la construcción, objetiva, concentrada, no exenta de cierta búsqueda de la elegancia, en la dirección de los planteamientos formales contenidos en otras piezas del mismo período, con las que comparte una escritura instrumental exigente, con pasajes de gran virtuosismo, texturas muy elaboradas, el gusto por el detalle, y una disposición formal muy clara y contrastada, que se desarrolla sin solución de continuidad y en la que los pasajes de expresión cantabile y recogida conviven con otros de carácter más enérgico y rítmicamente activos que darán lugar al establecimiento y desarrollo de importantes procesos tensionales.
El estreno de “Impromptu”, transmitido en directo por Radio 2 de RNE, tuvo lugar el 21 de noviembre de 1991 en la Sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música de Madrid, siendo sus intérpretes los miembros del Trio Mompou (Luciano González Sarmiento, Joan Lluís Jordá y Mariano Melguizo).

RECENSIONES CRITICAS:

"’Cámara española’. Entre los actuales músicos catalanes, Benet Casablancas manifiesta lo personal de su lenguaje, que intenta librarse de fórmulas, viejas o nuevas.” (sobre Impromptu. Trio núm. 2, C. Gómez Amat, El Mundo, 23 de noviembre 1991)

51Postludi

(1991)

Formación : -

Editorial : EMEC

Estreno : 1991-04-12

Comentarios : Fresc simfònic en moviment

50Adagio

(1990)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

Comentarios : Premi Ciutat de Barcelona de Música Simfònica i de Cambra en 1991

49Epigramas

(1990)

Formación : -

Editorial : EMEC

Estreno : 1990-12-03

Comentarios : 1. Poco allegro 2. Tranquilo 3. Allegro moderato

Epigrames, para sexteto

Escritos en 1990 para una pequeña formación integrada por flauta, clarinete, violín, violoncelo, piano y percusión, y adscritos a una disposición tripartita, los “Epigrames” marcan un giro significativo en la producción del autor, determinado por el uso de diseños formales de gran concisión y carácter y tempo muy contrastados, una creciente diferenciación del material armónico, texturas tímbricas muy elaboradas y una escritura instrumental que no huye de los pasajes de gran virtuosismo, aspectos a los que se une la efectividad directa en la exposición del argumento y el recurso puntual al ingenio bienhumorado.

La presente es la primera de una serie de obras que comparten la misma denominación, abrazando los terrenos de la música para piano, diversos formatos de cámara y sinfónica, y que incluye asimismo los “New Epigrams“ (orquesta de cámara, 1997), los “Tres Epigrames” (orquesta sinfónica, 2001) y los “Set Epigrames“ (piano, 2000/2003). La colección entera ha disfrutado de una importante difusión nacional e internacional (Amsterdam, Montreal, Boloña, Oporto, Estrasbourg, Londres, Nueva York, Saint Petersburg, Düsseldorf, Kishinev, Lausanne, Viena, Oberlin (Ohio), Malmö, Tokyo, Colonia). En opinión de Jorge de Persia: “Una serie de pequeños episodios (epigramas) se suceden sin pausas con un tratamiento instrumental muy rico, en una secuencia de contrastes dentro de un marco atonal libre. Sus tres movimientos breves, de carácter muy diferente aunque con elementos comunes, presentan una atractiva variedad en sí mismos. El primero, muy vivo, de fuerte contrapunto, está señalado por pasajes en el sobreagudo y juegos de tensión/distensión en secuencias rápidas que preludian el tiempo lento, segundo movimiento formulado en la suavidad de las cuerdas y la ondulación de maderas y vibráfono. El último, con atractivas secuencias de variedad tímbrica, elaborada rítmica y un final repentino en el agudo del clarinete —los finales en este compositor suelen ser muy exquisitos— no pierde su conexión con el marco sonoro de reminiscencias vienesas expresionistas.“ Frits Van der Waa celebró asì su estreno holandés: ““Barcelona 216 hace música con entusiasmo y concentración. Se permitió tirar la casa por la ventana en los tres “Epigramas“ compactos pero dramáticos de Benet Casablancas, en los cuales sólo seis músicos emplean un idioma sonoro de una muscularidad sorprendente acercándose a lo orquestal“.

Los “Epigrames” están dedicados al grupo Barcelona 216 y a su director Ernest Martínez Izquierdo, artífices de su estreno en Palermo en 1990, con motivo de la “Conferenza mediterranea sulla attivitá musicale in Catalogna e Sicilia“. Desde entonces la obra ha sido interpretada con gran frecuencia en toda Europa, EE.UU. y Canadá, siendo escogida en diversas ocasiones para representar a España ante del jurado internacional de la SIMC. En 2006 tuvo lugar su estreno en Austria en concierto celebrado en la sede del Arnold Schönberg Center de Viena. La obra ha sido llevada al disco en varias ocasiones, la última de ellas por Naxos, y por los mismos intérpretes (2010).

Muestra de Audio : (1522 kb.) descargar

Muestra de Partitura : (4690 kb.) descargar

48Señales de septiembre

(1989)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

Comentarios : Sintonia i acotacions musicals del programa Senyals de la Televisió Catalana (TV3)

47Set escenes de Hamlet

Seven Scenes from Hamlet (1989) 32’

Formación : Orquesta de cámara

Editorial : Catalana d´Edicions Musicals (Seemsa, Madrid)

Estreno : Orquestra de Cambra Teatre Lliure, dir. Josep Pons
Barcelona, Teatre Lliure, 25-V-1989)

Comentarios : Siete Escenas de Hamlet, para recitador y orquesta de cámara

Al escoger como tema la tragedia de Shakespeare, Benet Casablancas pudo al mismo tiempo dirigirse a una obra muy especialmente querida y dar testimonio de amistad y admiración al Teatre Lliure de Barcelona que alberga la orquesta que le hizo el encargo y que es, junto con su director Josep Pons, dedicatoria de las Set Escenes de Hamlet (1988-89), obra que se ha convertido en una de las más divulgadas de su autor, tanto en su versión original camerística como en la versión posterior para orquesta (la próxima temporada está prevista su presentación en Londres por la BBC Symphony Orchestra, con dirección de J. Pons y en su idioma original). En la lectura musical que ha hecho Benet Casablancas, el mundo del príncepe de Dinamarca parece dividirse en cuatro polos: en uno de ellos habrá todo aquello sobrenatural; en un segundo polo, el amor cruelmente decepcionado de Ofelia; en un tercero, la meditación obsesiva del mismo Hamlet y, en un cuarto punto, la Corte con la brillantez de las fanfarrías y danzas, pero escenario de violentas confrontaciones. Todos estos elementos están caracterizados por diversos motivos y tipos de música que se desarrollaron hasta el desenlace final. Tal y como ha hecho en sus últimas obras, también en ésta Casablancas tiende a un alto grado de diferenciación armónica y a un tratamiento refinado de las texturas instrumentales, con un lenguaje que recoge influencias de mucha de la gran música del siglo XX, sin caer en un mero eclecticismo sino en un esfuerzo de reconstrucción que el autor se plantea como respuesta a los problemas de la composición actual.

El prólogo, encabezado por la indicación de carácter “Misteriós“, nos transmite este ambiente de frialdad y misterio expresado especialmente con el timbre de la celesta y con el del flautín utilizado en un registro poco habitual, a la vez que una serie de obstinados yuxtapuestos representan el carácter hierático del Fantasma. La segunda escena presenta toda la violencia latente en Elsinor con sus exasperadas sonoridades, de las cuales emergen indicios de fanfarrías como último vestigio para contener el deseo de venganza, una contención que aún imponen las leyes sociales. La cavilación de Hamlet se representa en el siguiente movimiento, de compleja factura contrapuntística, con una constelación de cánones con disposición general palindrómica. En el cuarto movimiento, los instrumentos de viento solistas de la música de Ofelia la tratan con el amor que corresponde a la víctima más inocente de la tragedia. La Giga de la siguiente escena (la Fiesta de los Cómicos), verdadero Scherzo, esconde bajo su apariencia una creciente violencia. Su tema principal (próximo a la Giga de la Suite op. 29 de Arnold Schönberg) se desarrolla en imitaciones que despliegan complejas poliritmias y, en el Trío, la textura se aclara hasta al punto de incluir una cita dr una auténtica jig conservada en un manuscrito de Cambridge que, quizás en homenaje al contrapunto barroco, es tratada en forma estricta, con su respuesta tonal y por inversión en un campo politonal que se disolverá gradualmente. Para la escena del cementirio el monólogo del recitador se transforma de repente en melodrama y el horror de la visión del rostro de Yorick transformado en una calavera y la exaltada reacción de Hamlet delante del cadáver de Ofelia llevan extrema expresividad al clímax. En el desenlace, el carácter motórico e irracional de una rítmica implacable juega el papel de la crueldad del mundo que, com dice la cita de Jan Kott que encabeza la partitura, chafa tanto a los que se rebelan contra ella como a los que la aceptan como una ley. Cuando todo haya pasado, el quarteto de cuerda, paradigma de la música de cámara, se independiza de la orquesta y sube a las alturas más extremas para después dejarnos. Para nosotros también, el resto es silencio.

Victor Estapé

* London, Barbican: Benet Casablancas

Music which develops and counterpoints, rather than merely illustrates, Shakespeare’s play provides the original appeal of the Set escenas de Hamlet (Seven scenes of Hamlet) by the Spanish composer Benet Casablancas. It received a thrilling UK première by the BBC Symphony Orchestra, with the actor Ray Fearon as reciter, under the dynamic baton of Josep Pons. He was making his impressive UK concert debut at a capacity Barbican Hall on 24 October 2008, the concert being broadcast live on Radio 3. With its unusual format of seven recitations followed by seven orchestral reflections, Set escenes de Hamlet – conceived first in 1989 for chamber ensemble – displayed rich, finely wrought contrapuntal textures, with plenty of dramatic excitement and affecting lyricism. Casablancas’s idiom, often redolent of Henze’s sumptuous translucence, Boulez’s intricacy and even Birtwistle’s weightiness, also echoes a Bergian expressionism. That attests to his twin influences, which, like those of Roberto Gerhard, stem from the Second Viennese School (he studied with Friedrich Cerha) and the ‘Spanish tradition’ of Falla – whose fiery ballet El amor brujo (with an authentic Flamenco singer, Ginesa Ortega), formed the sunny Spanish context in the remainder of the programme alongside Turina’s colourful Danzas fantásticas and Ravel’s Rhapsodie Espagnole.

The music is divided into seven aphoristic responses to Shakespeare’s tragedy, compressed ingeniously into seven soliloquies, all but the first by Hamlet. The ‘Prologue’, Horatio’s encounter with the King of Denmark’s ghost, gives rise to suitably eerie shimmering textures for celeste, string harmonics, undulating woodwind, and overlapping solo melodic figures. The second interlude’s searing, effervescent energy reflects Hamlet’s anger at his mother’s remarriage in explosive gestures balanced by the contrapuntal clarity of oboe and violin solos, while expansive drum-rolled dissonances prepare the three portraits: Hamlet, Ophelia and Yorick. The profundity of ‘To be or not to be’ is rendered in a throbbing double fugue; lyrical subjects and sprightly countersubjects dovetail like insects crowding on a watery leaf, with a climactic percussion interruption before the subjects scamper into silence. The unusual structural rapport of text and music was demonstrated in the ‘Ophelia’ movement, where Ray Fearon’s ever-characterful racy recitation, ending in the line ‘Get thee to a nunnery’, was counteracted unexpectedly by the elegiac slowness of the solo flute melody, taken up by bass clarinet and low strings. A finde-(19th)-siècle nostalgia pervades what the composer described, in the pre-concert interview, as the work’s ‘great Adagio’. Yet it also combéis Hamlet’s abrupt aggressiveness towards Ophelia – who, significantly, receives the most intense music, as shown in the eloquent string quartet threnody which ends the sixth movement ‘Yorick. Burial of Ophelia’. Here music and text come together for the first time in a Melodrama, with clear hints of Sprechgesang and film music, in such clichéd gestures as tense chords after ‘Alas, poor Yorick’. Yet overall the purely musical level of discourse is persuasive, as in the sizzling scherzo, ‘Party of Players’, in which Hamlet teases out the truth from the play-within-a-play, evoked in a dancing web of musical quotations (including an Elizabethan jig). The explosive climax, however, is the highly-charged finale: this encapsulates how the music is comment rather than illustration, in that its brass-led eruption after the poignant words ‘The rest is silence’ potently resists the words’ overt meaning to the last.

Casablancas’s Easterly fusion of operatic and symphonic discourse represents an innovative genre which speaks with intimacy and power; one hopes his more recent works – they include another inspired by the Bard, The Dark Backward of Time, based on The Tempest – will reach UK audiences soon.

Malcolm Miller

Tempo, Volume 63, Issue 248, April 2009, pp 54-55

4 Published by Novello in 2008.
http://journals.cambridge.org

CRITICAS

“Eclosión: Benet Casablancas (Sabadell, 1956) es un músico con ideas claras, libre, que encuentra su base en lo mejor de la Segunda Escuela de Viena, se salta los dogmatismos de posguerra y aterriza en un territorio propio que ordena magníficamente y abre para que sea compartido y gozado. Su música tiene mucho de pasión, y la elegida para esta celebración de sus 50 años se expande a veces con una energía que pareciera poseer algo de bien controlada eclosión primaveral. Así sucede en New Epigrams, la obra que abría la segunda parte, y en la que la cerraba, la muy vistosa Celebració, donde el grupo de cámara parece querer multiplicarse por sí mismo. La deliciosa, sutil Petita música nocturna es de otro cariz, une el aire libre del primer movimiento a la noche más bartokiana del segundo y parece cerrarse con una leve pero clara apelación a la luz. La primera parte la ocuparon las Siete escenas de Hamlet, una de esas obras que consagran a un autor. Carlos Hipólito fue un recitador extraordinario que dijo a Shakespeare cómo debe hacerse con una literatura en la que cada palabra encierra un mundo. Y Modus Novus tradujo este estupendo concierto con cuidadosa fruición.“

Luis Suñén, El País, 29 de marzo de 2006

“Buen comienzo“. Las obras seleccionadas para la ocasión son una parte del catálogo ya clásico (...) de este destacado compositor catalán (...) Las muy difundidas “7 Escenas de Hamlet“, la más antigua, para narrador y grupo instrumental u orquesta, goza de una buenísima salud; fue acogida con buenos aplausos (...) En la primera parte del programa se escucharon “New Epigrams“ (1997), en estupenda versión, tempo vivo, sonido brillante, amplitud en el fraseo, con un movimiento lento inmerso en color y timbre. Estupendo el trabajo de grupo y director“

Jorge de Persia, La Vanguardia, 21 de septiembre de 2007

Música para Shakespeare

No deja de resultar curioso -y estimulante- que la obra mejor apreciada por el público en el programa «Música para Shakespeare» con que la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid, dirigidos por José Ramón Encinar, ha clausurado el XXV Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro haya sido creada por un compositor español contemporáneo. Las «Siete escenas de Hamlet», del catalán Benet Casablancas, fueron seguidas con una atención que habría sorprendido a los detractores de la música actual. Y esto es especialmente relevante por cuanto el concierto no se ofrecía dentro de un marco habituado a la música, sino en un festival dedicado al teatro clásico y ante espectadores no necesariamente versados en la materia. Un público, por tanto, idóneo -por cuanto que el arte no se hace para los especialistas- y que recompensó a su autor con la más cálida de las ovaciones. Con todo, es posible que parte del éxito de las «Siete escenas» radique en la inclusión de la palabra: Casablancas propone siete textos representativos de «Hamlet» -pero no literales, puesto que mezcla fragmentos de los parlamentos de varios personajes, y no sólo de su protagonista- que son recitados por un actor entre las escenas musicales, y sólo en una ocasión coinciden palabra y música en el tiempo.

Estos textos -que no se corresponden con la estupenda traducción de Vicente Molina Foix, pese a lo que indica el programa del festival- fueron recitados por Carlos Hipólito, quien se unía a la nómina de intérpretes anteriores de la pieza: Jordi Boixaderas, Lluís Homar, Joan Crosas... Hipólito, nuevo en estas lides, volvió a demostrar su sofisticada naturalidad y su inimitable buen hacer: oportuno de figura, sobrio, elegante y contenido, Hipólito jamás ha representado este personaje, y es una lástima que ojalá tenga pronta reparación.

por Pedro Manuel Villora (ABC, 31-7-2002)

46Cinc peces per a orquestra

(1988)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

Comentarios : Accèsit del XVI Premio Internacional de Música Oscar Esplà 1988

45Tres piezas para orquesta

(1988)

Formación : -

Editorial : CEM

Estreno : 1991-03-07

Comentarios : 1. Poco andante2. Impetuoso3. Lento ma non troppo4. Allegro5. Adagietto piacevole per corde

44Elegia en tres moviments

(1987)

Formación : -

Estreno : 1987-10-23

Comentarios : Dedicada a la memòria d"A. Casablancas.

43Garum

- FUERA DE CATÁLOGO - (1986)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

Comentarios : Música per a un projecte cinematogràfic

42Tres peces per a grup instrumental

(1986)

Formación : -

Editorial : EMEC

Estreno : 1989-05-10

Comentarios : 1. Larguetto cantabile2. Poco allegro. Quasi furioso3. Quasi epílogo. GraveEs transcripció de Tres peces per a piano. La veu del piccolo pot ser interpretada per una flauta.

41Tres peces per a piano

(1986)

Formación : -

Editorial : Boileau/Fundació Música Contemporànea

Estreno : 1987-10-19

Comentarios : 1. Larguetto cantabile2. Poco allegro. Quasi furioso3. Quasi epilogo. Grave

40Moviment per a trio

A la memoria de Frederic Mompou (1984) 10’ 40”

Formación : Trio con piano

Editorial : EMEC

Estreno : Trio Mompou
Alcalá de Henares, 18 de junio de 1984

Comentarios : Dedicada al Trio Mompou
II Premio Musicians Accord de Nueva York 1986
La USA Prémière de la presente obra tuvo lugar en el Carnegie Recital Hall de New York (1986)

COMENTARIOS SOBRE LA OBRA

El “Movimiento para Trio“ fue escrito el año 1984 por encargo del Trio Mompou, con motivo del concierto de homenaje a Frederic Mompou celebrado en Alcalá de Henares (Capilla de San Ildefonso) en mayo de aquel mismo año, siendo los artífices de su estreno los referidos intérpretes, a quienes la obra está dedicada. Posteriormente, la obra fue galardonada en la “I Muestra de Composición Musical Contemporánea del Vallés Occidental (1986). Aquel mismo año, la obra fue distinguida con el Premio “II Musicians´Accord” de Nueva York, siendo presentada en dicha ocasión en el Carnegie Recital Hall de aquella ciudad. Constituye ésta la primera de las dos aportaciones hasta el momento del autor a la formación clásica del trio, integrada por violín, violonchelo y piano, a la que siguió en 1991, el ´“Impromptu“ (Trio núm. 2). El “Movimiento para Trio“ obedece a un estricto planteamiento formal, próximo al carácter y la disposición de la sonata, poniendo de manifiesto una intensa elaboración tanto rítmica como temática, muy contrastada en lo expresivo y generando pasajes de gran tensión. La coda que sigue a la recapitulación acentúa las vertientes más líricas, hasta desvanecerse en el registro agudo de la cuerda, iluminada por los armónicos naturales de La Mayor. Con ocasión de su estreno, el programa de mano incluía los siguientes comentarios: “La obra ha sido escrita en un ámbito de tensión y expresión cercana a lo serial, rehuyendo la configuración de la serie, pero apoyándose en una interválica y una elaboración temática muy próxima a dicha técnica. El “Movimiento para trio” está elaborado de forma compleja en su estructutra rítmica y métrica, aunque obedeciendo siempre a la lógica de las tensiones de un discurso sonoro que se configura dentro del marco de la forma tradicional, más concretamente de la forma sonata. Una breve introducción, donde ya el autor presenta la síntesis de todos los elementos que posteriormente protagonizan la trama musical, sirve de pórtico a la exposición de los dos temas fundamentales, a cargo del violín y del violoncello, respectivamente. Tras una serie de episodios de marcada intención dramática, se elabora un desarrollo de gran complejidad tras lo cual se logra una recapitulación lógica desde el punto de vista formal a la vez que necesaria desde el punto de vista dramático” (Luciano González Sarmiento. “Música Española para Federico Mompou”).

Con motivo de su estreno en España Enrique Franco escribió: “Crece cada día la producción de Benet Casablancas. Su “Moviment per a trio“ escapa con buen instinto y aguda inteligencia a las presiones formales de la tradición y a los convencionalismos de la “vieja“ vanguardia de los años cincuenta. Tiende a una cierta expresión dramática, no tanto por la misma naturaleza del material cuanto por el bien establecido orden de las tensiones.“ (El País, 20 de junio 1984)

OTRAS CRÍTICAS

“Fue el ´Moviment per a trio´ de Benet Casablancas la composición destinada a ocupar un lugar de honor a la sombra del jardín edénico bouleziano. La obra de Casablancas se distingue ante todo por una voluntad encomiable de canto y por la utilización a fondo de las posibilidades polifónicas de secuencias en perfecto paralelismo de dos discursos homogéneos, sustentados, o mejor completados, por el coprotagonismo del piano donde el expresionismo es muchas veces consecuencia de la morbidez con que el músico deja evolucionar libremente las líneas sin violentarlas en absoluto en el marco tradicional del bitematismo sonatístico.“ (Cèsar Calmell, “En las fraguas inferiores del Conservatori“;
La Vanguardia, 17 de marzo de 1990)

39Cinc Interludis -Quasi Variazioni- per a quartet de corda

(1983)

Formación : Cuarteto de cuerda

Editorial : EMEC

Estreno : Barcelona, 1985-07-09

Comentarios : 1. Con moto 2. Moderato 3. Andante 4. Poco allegro 5. Piu mosso. (Dedicada a J. Soler en el seu 50è aniversari)

Primer premi del IV Concurs de Joves Compositorsde Juventuts Musicals de Barcelona en 1984

Premio Nacional del Disco del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) al 1988

Muestra de Audio : (3073 kb.) descargar

38Freaks

(1983)

Formación : -

Editorial : UME

Estreno : 0000-00-00

Comentarios : Música Incidental

37Sergi Aguilar un film de Paco Poch

(1983)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

Comentarios : Premio Especial Calidad del Ministerio de Cultura.

36D'humanal fragment

(1982)

Formación : -

Editorial : EMEC

Estreno : 1984-05-30

Comentarios : La cantant pot ser una MezzoSopr. o ContralT.

35Poema d'E. A. Poe

(1982)

Formación : -

Editorial : Clivis - www.clivis.cat

Estreno : 1982-10-22

34The lake: to___

(1982)

Formación : -

Editorial : clivis - www.clivis.cat

Estreno : 1982-04-14

Comentarios : La veu de la MezzoSopr. també pot ser interpretada per una contralT.

33La Mei del costat de l'Erola

(1981)

Formación : -

Estreno : 1981-03-21

32Quatre fragments per a orquestra de corda

(1981)

Formación : -

Editorial : Catalana d'Edicions Musicals

Estreno : 1979-05-31

Comentarios : 1. Estatico e dolce2. Con moto3. Tenuto molto4. Poco andante

31Tres poemes eròtics

(1981)

Formación : -

Editorial : Catalana d'Edicions Musicals

Estreno : 1981-11-21

Comentarios : 1. Des de les hores mortes talaioT...2. Cos d'amor3. Cau la fullai cau el jorn

30Un somni

- FUERA DE CATÁLOGO - (1981)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

Comentarios : Cal que el clarinet sigui baix.

29Inquisición

- FUERA DE CATÁLOGO - (1980)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

Comentarios : Música incidental

28Música d'un ballet

- FUERA DE CATÁLOGO - (1980)

Formación : -

Editorial : EMEC

Estreno : 1982-09-23

Comentarios : 1. Duet
II. Viola solo
III. Octet

Estrenado en versión concierto

Solistas Orquesta Sinfónica de Baden-Baden, dir. Manfred Reicher

27Ombres

- FUERA DE CATÁLOGO - (1980)

Formación : -

Editorial : EMEC

Estreno : 0000-00-00

Comentarios : Cal que el clarinet sigui baix. Com a percussió senyalem el metrònom, que l"autor senyala com opcional.

26Peça per a viola

- FUERA DE CATÁLOGO - (1980)

Formación : -

Editorial : clivis - www.clivis.cat

Estreno : 1982-09-23

Comentarios : 2a part de Música d"un ballet

25Cinc cançons i dances de F. Mompou

(1979)

Formación : Orquesta sinfónica

Editorial : Tritó - www.trito.es

Estreno : Sabadell, Orquesta de Cambra de Joventuts Musicals,
dir. Benet Casablancas

1979-04-08

Comentarios :
A partir del original para piano de F. Mompou, autorizado por el autor

Existe grabación discográfica: Orquesta Filarmonía de Galicia, dir. Antoni Ros-Marbà, 2009

24Exequies

- FUERA DE CATÁLOGO - (1979)

Formación : -

Editorial : EMEC

Estreno : 0000-00-00

23Música per a un film

- FUERA DE CATÁLOGO - (1979)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

Comentarios : Enlloc del cl.ave es pot interpretar en piano.

22Quartet sense nom

- FUERA DE CATÁLOGO - (1979)

Formación : -

Editorial : FJM

Estreno : 1982-05-26

Comentarios : Basada en la banda sonora de S.Aguilar un film de Paco Poch

21Adagi i toccata per a clavicèmbal

(1978)

Formación : -

Editorial : clivis - www.clivis.cat

Estreno : 1978-04-30

20Dos piezas para piano

(1978) 4’

piano

Formación : Instrumento Solista

Editorial : EMEC-A.C.C.

Estreno :
Josep Colom, Barcelona, 1979-05-03

Comentarios :
1. Adagio (dedicado a L. Antràs Aubry puede interpretarse de forma independiente)2.VivoEl CD que conté aquesta grabació va obtenir el Premio Nacional del Discodel Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música.

Muestra de Audio : (4569 kb.) descargar

19Harmonies Banals

(1978)

Formación : -

Editorial : EMEC

Estreno : 1978-10-03

18Naturalesa morta (estudi en blau i negre)

(1978)

Formación : -

Editorial : EMEC

Estreno : 1978-12-18

17Peça breu per a tres violoncels

- FUERA DE CATÁLOGO - (1978)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

16Quatre peces per a guitarra

(1978)

Formación : -

Editorial : EMEC/ACC

Estreno : 1979-06-07

Comentarios : 1. Enérgico. Furioso2.Vivo3. Lento4. Con moto.Premio Nacional del Disco del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) al 1988

15Aria per flauta i piano

(1977) 5’

Formación : Dúo

Editorial : EMEC

Estreno :
Bárbara Held, Josep Colom
(Barcelona, 19 de Maig de 1977)

Comentarios :
Dedicada als pares del compositor

Muestra de Partitura : (1838 kb.) descargar

14Concert per a saxo i quatre instruments

- FUERA DE CATÁLOGO - (1977)

Formación : -

Editorial : EMEC

Estreno : 1981-11-02

Comentarios : Per a L. Antràs Aubry. El clarinet ha de ser baix i el saxo alto.

13Concerto Grosso (divertimento)

- FUERA DE CATÁLOGO - (1977)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

12Danses

- FUERA DE CATÁLOGO - (1977)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

11Las gotas caen lentamente

- FUERA DE CATÁLOGO - (1977)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

10Petita música per a flautes dolces (fugas I y II)

- FUERA DE CATÁLOGO - (1977)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

09Dos apunts per a piano

(1976)

Formación : -

Editorial : Amalgama - www.trito.es

Estreno : 1978-03-09

Comentarios : 1. Tempo rubato2. Moderato

08Dos preludis i fugues

(1976)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

07Por una contribución a la entropía

- FUERA DE CATÁLOGO - (1976)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

Comentarios : Estudio para siete músicos

06Preludi i fuga en do

(1976)

Formación : -

Editorial : clivis/ACC

Estreno :
Diego Fernández Magdaleno
Concierto en Homenaje a Bach

05Sardana en dos per quatre

- FUERA DE CATÁLOGO - (1976)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

Comentarios : Hi ha una segona versió per a cobla.

04Tres poemes senzills

(1976)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

Comentarios : 1. Tempo rubato2. Estatico3. Moderato

03Fantasia

(1975)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

02Inflexió trièdrica i gratuïta

(1975)

Formación : -

Editorial : EMEC

Estreno : 1977-06-01

Comentarios : 1. Con fluidezza2. Molto adagio3. Allegro rondó

01Set diferències sobre un tema impersonal

- FUERA DE CATÁLOGO - (1975)

Formación : -

Estreno : 0000-00-00

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